Mila Kunis saß in einem spärlich beleuchteten Raum in Los Angeles, die kalte Luft der Klimaanlage strich über ihre Haut, während sie Zeilen las, die von Wahnsinn und einer fast klinischen Obsession handelten. Zu diesem Zeitpunkt, es war das Jahr 2001, ahnte die junge Schauspielerin mit den großen, ausdrucksstarken Augen nicht, dass sie gerade zur zentralen Figur eines filmischen Kuriosums wurde. Sie verkörperte Rachael Newman, eine Überlebende, die selbst zur Jägerin mutierte. Was Kunis während der Dreharbeiten jedoch nicht wusste: Ihr Film, ein eigenständiger Slasher mit dem Arbeitstitel The Girl Who Wouldn't Die, sollte über Nacht umetikettiert werden. Die Produzenten von Lionsgate sahen eine Chance, den Erfolg eines modernen Klassikers zu melken, und so wurde die Besetzung von American Psycho 2 zum unfreiwilligen Gesicht einer Fortsetzung, die eigentlich gar keine sein wollte.
Es ist eine jener Geschichten aus der Traumfabrik, die weniger von künstlerischer Vision als vielmehr von kühlem Kalkül erzählen. Die Verbindung zum Original, in dem Christian Bale als Patrick Bateman die Yuppie-Kultur der achtziger Jahre mit einer Axt zerlegte, war hauchdünn und wurde erst in der Postproduktion mit Gewalt hineingepresst. Ein kurzer Prolog, ein Double, das Bale vage ähnlich sah, und ein paar nachsynchronisierte Zeilen mussten ausreichen, um das Erbe anzutreten. Das Publikum, das eine Fortführung des satirischen Horrors erwartete, fand sich stattdessen in einem geradlinigen Campus-Slasher wieder. Derweil können Sie ähnliche Nachrichten hier erkunden: Warum das Kino des gnadenlosen Rächers eine Illusion der Kontrolle verkauft.
Die Besetzung von American Psycho 2 und das Erbe des Wahnsinns
Hinter den Kulissen herrschte eine seltsame Atmosphäre der Entkopplung. William Shatner, eine Ikone des Fernsehens, übernahm die Rolle des FBI-Professors Robert Stark. Seine Präsenz verlieh dem Set eine gewisse Gravitas, doch selbst er schien zu spüren, dass dieser Film unter einer Identitätskrise litt. Shatner spielte den Mentor mit einer Mischung aus väterlicher Strenge und jener charakteristischen Theatralik, die ihn berühmt gemacht hatte. Er und Kunis bildeten ein ungleiches Paar: die aufstrebende Jungdarstellerin aus einer Sitcom und der erfahrene Captain der Enterprise.
Die Besetzung von American Psycho 2 kämpfte gegen ein Drehbuch an, das ursprünglich nichts mit dem nihilistischen Geist von Bret Easton Ellis zu tun hatte. In den Pausen zwischen den Aufnahmen wurde deutlich, wie sehr sich das Projekt von seinen Wurzeln entfernt hatte. Während das Original von Mary Harron eine scharfzüngige Kritik an der Oberflächlichkeit und dem Konsumterror war, versuchte dieser Nachfolger, den Horror in den akademischen Wettbewerb zu verlagern. Die Ambition, eine Stelle als Assistentin beim FBI zu bekommen, wurde zum mörderischen Antrieb. Es war eine Karikatur des amerikanischen Traums, aber ohne die ironische Distanz, die den ersten Teil so unerträglich brillant gemacht hatte. Wer weiterlesen möchte über den Kontext, findet bei GameStar eine ausgezeichnete Übersicht.
Mila Kunis äußerte sich Jahre später in Interviews fast entschuldigend über dieses Kapitel ihrer Karriere. Sie beschrieb die Verwirrung darüber, wie ein Projekt, das als eigenständiger Horrorfilm begann, plötzlich in die Schablone eines Franchise gepresst wurde. Diese Praxis des Brandings ist in Hollywood nicht ungewöhnlich, doch selten prallten Anspruch und Realität so hart aufeinander wie hier. Das Studio wollte die Marke nutzen, die Schauspieler wollten einfach nur einen guten Job machen, und am Ende stand ein Werk, das sich wie ein Fremdkörper in beiden Biografien anfühlte.
Die psychologische Tiefe, die Bale seiner Figur verliehen hatte, fehlte hier zwangsläufig. Patrick Bateman war ein Monster der Leere, ein Mann, der nur aus Etiketten und Körperpflegeprodukten bestand. Rachael Newman hingegen wurde als eine durch ein Trauma motivierte Rächerin gezeichnet. Das ist ein fundamentaler Unterschied in der narrativen DNA. Wenn ein Film nachträglich mit einem Namen versehen wird, der Erwartungen weckt, die er nie zu erfüllen gedachte, entsteht eine Reibung, die das Werk oft zerreißt.
Man kann die Frustration der Beteiligten fast spüren, wenn man die Szenen heute betrachtet. Es gibt Momente, in denen Kunis’ Talent durchscheint, in denen sie die Kälte einer Soziopathin mit der Verletzlichkeit eines Kindes mischt. Doch diese Funken werden oft von der Last der Marke erstickt. Ein Film braucht Luft zum Atmen, er braucht eine eigene Identität. Wenn man ihm jedoch das Gewand eines Vorgängers überstülpt, der eine völlig andere Sprache spricht, wirkt er wie ein Kind, das in den zu großen Anzügen seines Vaters herumstolpert.
Die Kritiker waren gnadenlos, doch das war fast nebensächlich. Interessanter ist die Frage, was dieser Film über die Maschinerie des Kinos aussagt. Er ist ein Denkmal für die Ära der Direct-to-Video-Produktionen, in der Titel mehr zählten als Inhalte. Man verkaufte kein Erlebnis, man verkaufte Wiedererkennung. In den Videotheken von Berlin bis Los Angeles griffen Menschen ins Regal, weil sie das Gesicht von Christian Bale im Kopf hatten und hofften, einen ähnlichen Rausch zu erleben.
In den dunklen Fluren der Universität, die als Kulisse dienten, wurde eine Geschichte über Ehrgeiz gedreht, die unfreiwillig zur Parabel über den Ehrgeiz der Studios wurde. Jede Einstellung, in der Kunis einen Konkurrenten ausschaltete, wirkte wie ein Echo auf den rücksichtslosen Wettbewerb in der Filmindustrie selbst. Es ging nicht darum, etwas Neues zu schaffen, sondern das Bestehende bis zur Unkenntlichkeit zu dehnen. Die Beteiligten waren Rädchen in einem Getriebe, das auf Effizienz getrimmt war, nicht auf künstlerische Kohärenz.
Shatner lieferte seine Zeilen mit einer Präzision ab, die fast schon an Gleichgültigkeit grenzte. Er war der Profi, der wusste, dass dieser Film kein Oscar-Kandidat sein würde, aber er gab der Produktion eine Form von Stabilität. Er war der Anker in einem stürmischen Meer aus logischen Lücken und erzwungenen Referenzen. Sein Charakter sollte die Brücke schlagen zwischen der Welt der Ermittler und der dunklen Psyche der Protagonistin, doch die Brücke war morsch.
Wenn man heute über die Besetzung von American Psycho 2 spricht, tut man dies oft mit einem ironischen Lächeln. Es ist ein Beispiel für das, was Fans als C-Movie-Gold bezeichnen – jene Filme, die so sehr an ihrem eigenen Anspruch scheitern, dass sie eine ganz eigene Form von Faszination ausüben. Es ist die menschliche Geschichte hinter dem Marketing-Debakel, die den Text wertvoll macht. Es geht um junge Talente, die ihren Weg suchen, und um alte Haudegen, die ihren Status verwalten, während im Hintergrund die Buchhalter der Studios die Fäden ziehen.
Die Atmosphäre am Set wurde von Zeitzeugen als konzentriert, aber merkwürdig distanziert beschrieben. Man wusste, dass man an etwas arbeitete, das nicht ganz zusammenpasste. Es gab keine großen Diskussionen über die Motivation von Patrick Bateman, weil Patrick Bateman in der ursprünglichen Fassung des Skripts gar nicht vorkam. Die Schauspieler spielten Rollen in einem Slasher, während das Marketing bereits an einem Psychothriller-Sequel bastelte.
Es ist diese Diskrepanz, die den Film zu einem Studienobjekt für Filmstudenten macht. Wie viel kann man einer Geschichte zumuten, bevor sie ihre Integrität verliert? Wie stark kann man eine Marke dehnen, bevor sie reißt? Die Antwort liegt in den Gesichtern der Darsteller, die versuchen, Ernsthaftigkeit in eine Situation zu bringen, die von den Produzenten längst zur bloßen Ware degradiert wurde.
Die Kamera fängt Kunis in Nahaufnahmen ein, die ihre Ambivalenz betonen. Sie ist nicht einfach nur böse; sie ist ein Produkt ihrer Umwelt, genau wie Bateman es war, nur auf eine viel plakativere, weniger subtile Weise. Wo der erste Film die Haute Couture und die Gourmet-Restaurants von Manhattan als Schlachtfelder nutzte, sind es hier die sterilen Hörsäle und die engen Studentenwohnheime. Es ist ein Abstieg in die Banalität des Grauens, der vielleicht gar nicht so unbeabsichtigt war, wie man vermuten könnte.
In einer Welt, die heute von Franchises und endlosen Fortsetzungen dominiert wird, wirkt dieses Werk fast wie ein Vorbote. Es war der plumpe Versuch einer Strategie, die heute mit Milliardenbudgets und jahrelanger Planung perfektioniert wird. Damals war es jedoch noch roh und offensichtlich. Man konnte die Nahtstellen sehen, an denen die beiden Geschichten zusammengenäht wurden, wie bei Frankensteins Monster, das verzweifelt versucht, wie ein normaler Mensch auszusehen.
Die Filmmusik versuchte verzweifelt, eine Spannung aufzubauen, die das Skript nicht immer halten konnte. Synthesizer-Klänge mischten sich mit orchestralen Elementen, ein klanglicher Hybrid, der die Unentschlossenheit des gesamten Projekts widerspiegelte. Es war, als ob das Gehörte ständig versuchte, das Gesehene zu legitimieren, indem es eine Schwere suggerierte, die in der Inszenierung fehlte.
Man darf nicht vergessen, dass das Kino dieser Zeit im Umbruch war. Das Internet steckte in den Kinderschuhen, und Informationen über die Produktion eines Films waren nicht so leicht zugänglich wie heute. Ein Studio konnte es sich erlauben, ein Projekt umzubenennen, ohne dass am nächsten Tag ein weltweiter Aufschrei durch die sozialen Netzwerke ging. Es war eine Ära des Experimentierens, auch wenn die Experimente manchmal nur darin bestanden, zu testen, wie viel das Publikum bereit war zu schlucken.
Mila Kunis ging ihren Weg weiter, sie wurde zu einem Weltstar, synchronisierte ikonische Zeichentrickfiguren und brillierte in Black Swan. William Shatner blieb William Shatner, eine Legende, die über den Dingen steht. Doch dieser eine Film bleibt in ihren Biografien wie ein kleiner, dunkler Fleck, der bei genauem Hinsehen eine ganze Welt an absurden Entscheidungen offenbart. Er ist eine Erinnerung daran, dass Filme nicht nur in den Köpfen von Regisseuren entstehen, sondern oft am runden Tisch von Managern, die nur Zahlen sehen.
Wenn man den Film heute sieht, ohne den Ballast des Titels, entdeckt man einen soliden, wenn auch formelhaften Slasher der frühen 2000er Jahre. Er hat seinen Charme, er hat seine Momente des Schreckens und er hat eine Hauptdarstellerin, die sichtlich bemüht ist, mehr aus dem Material herauszuholen, als vorhanden ist. Doch sobald der Name Patrick Bateman fällt, bricht das Kartenhaus zusammen. Die Erwartungshaltung ist ein mächtiger Feind, den man nicht unterschätzen darf.
Die Geschichte der Produktion ist eine Geschichte von verpassten Chancen und künstlichen Verbindungen. Es ist ein Lehrstück darüber, dass man Seele nicht nachträglich in ein Werk hineinkopieren kann. Ein Film ist ein organisches Ganzes, oder er ist es nicht. Hier war er es nicht, und genau das macht ihn auf eine seltsame Weise ehrlich. Er zeigt die hässliche Fratze des kommerziellen Kinos, ohne sie hinter kunstvollen Metaphern zu verstecken.
In den letzten Szenen, wenn der Staub sich legt und die Protagonistin ihren Weg fortsetzt, bleibt ein Gefühl der Leere zurück. Es ist nicht die existenzielle Leere eines Patrick Bateman, sondern die Leere eines Produkts, das seinen Zweck erfüllt hat und nun in den Tiefen der Streaming-Kataloge verschwindet. Die Menschen, die daran gearbeitet haben, sind längst weitergezogen, haben neue Rollen angenommen, neue Geschichten erzählt. Doch dieses eine Mal waren sie Teil eines bizarren Experiments, das uns bis heute daran erinnert, dass Namen manchmal Schall und Rauch sind.
Am Ende bleibt das Bild einer jungen Frau, die in die Kamera blickt, bereit für das, was als Nächstes kommt. Es ist ein Blick, der mehr über die Realität des Filmemachens verrät als jedes Making-of. Es ist der Blick von jemandem, der überlebt hat – nicht nur die Handlung des Films, sondern auch die Umstände seiner Entstehung. Die Scheinwerfer erlöschen, die Crew packt zusammen, und in der Stille des leeren Sets verhallt der Name eines Mörders, der hier nie wirklich zu Hause war.
