Manche behaupten, der Moment, in dem das moderne Superheldenkino seinen Fokus verlor, sei der Kinostart von Avengers: Endgame gewesen, doch die Wahrheit liegt tiefer begraben. Wer sich heute die Besetzung Von Man Of Steel ansieht, erkennt darin nicht nur eine Ansammlung von Weltstars, sondern das Symptom einer Industrie, die versuchte, Shakespeare-Drama in ein Spandex-Kostüm zu pressen. Es war ein gewagtes Experiment. Zack Snyder und sein Team wollten das Genre erwachsen machen, indem sie den Archetypus des strahlenden Helden durch einen grüblerischen Außenseiter ersetzten. Doch genau hier unterlief ihnen ein fundamentaler Denkfehler. Sie glaubten, dass schiere schauspielerische Gravitas die fehlende Herzlichkeit der Erzählung kompensieren könnte. Das Ergebnis war ein Film, der so schwer an seiner eigenen Bedeutung trug, dass er unter der Last seiner Talente zerbrach. Ich habe die Entwicklung des DCEU über Jahre verfolgt und es ist offensichtlich, dass diese spezielle personelle Konstellation eine Ära einleitete, in der visuelle Wucht über emotionale Resonanz gestellt wurde.
Henry Cavill war damals ein fast unbeschriebenes Blatt mit der Physis einer griechischen Statue. Er war perfekt. Zumindest optisch. Doch um ihn herum gruppierte das Studio ein Ensemble, das so hochkarätig war, dass der eigentliche Protagonist fast zur Randfigur in seinem eigenen Ursprungsmythos schrumpfte. Wenn man Russell Crowe als Jor-El sieht, spürt man den Drang des Films, ein episches Weltraumdrama à la Gladiator zu sein. Kevin Costner wiederum brachte eine erdige, fast schon nihilistische Note in die Rolle des Jonathan Kent. Diese Mischung funktionierte auf dem Papier hervorragend. In der Realität jedoch erzeugte sie eine Distanz zum Publikum, die das Genre bis heute nicht ganz überwunden hat. Man wollte keine Comicverfilmung mehr machen. Man wollte ein Statement abgeben. Dieses Streben nach absoluter Seriosität, getragen von Charakterdarstellern, die normalerweise in Oscar-Dramen zu Hause sind, entzog dem Mythos Superman die Leichtigkeit.
Die Besetzung Von Man Of Steel und das Paradox der Überqualifizierung
Es gibt diesen Moment im Film, in dem Michael Shannon als General Zod vor Wut bebt. Shannon ist ein Gigant des Independent-Kinos. Er spielt nicht einfach einen Bösewicht. Er verkörpert eine existenzielle Bedrohung mit einer Intensität, die fast schon unangenehm ist. Hier zeigt sich das Kernproblem: Die Besetzung Von Man Of Steel war für die Geschichte, die erzählt werden sollte, schlichtweg überqualifiziert. Wenn jeder Dialogsatz so vorgetragen wird, als hänge das Schicksal der gesamten Menschheit von jeder einzelnen Silbe ab, bleibt kein Raum für Nuancen. Das Publikum wird mit einer emotionalen Intensität bombardiert, die über zwei Stunden kaum auszuhalten ist. Man könnte meinen, dass erstklassige Schauspieler einen Film immer besser machen. Das ist ein Trugschluss. In einem Genre, das von Symbolik lebt, kann zu viel darstellerisches Gewicht die ikonische Kraft einer Figur erdrücken.
Amy Adams als Lois Lane ist ein weiteres Beispiel für dieses Missverständnis. Adams gehört zu den besten Schauspielerinnen ihrer Generation. In diesem Film wurde sie jedoch in die Rolle einer Stichwortgeberin gedrängt, die dem Publikum die Handlung erklären muss. Das ist eine Verschwendung von Ressourcen, die typisch für die damalige Strategie von Warner Bros. war. Man kaufte sich Prestige ein, ohne eine Idee zu haben, wie man dieses Prestige organisch in eine Welt integriert, in der Männer fliegen und Laser aus ihren Augen schießen. Diese Diskrepanz zwischen dem darstellerischen Anspruch und der letztlich doch recht simplen Zerstörungsorgie im Finale des Films erzeugte einen kognitiven Dissonanz-Effekt beim Zuschauer. Man sah großartige Schauspieler in einer Welt, die ihnen keinen Raum zum Atmen ließ.
Skeptiker werden nun einwenden, dass Christopher Nolans Dark-Knight-Trilogie genau denselben Weg ging und damit triumphierte. Christian Bale, Heath Ledger und Gary Oldman zeigten doch, dass Tiefgang und Comic-Wurzeln vereinbar sind. Aber es gibt einen entscheidenden Unterschied. Nolan verankerte seine Darsteller in einer hyperrealistischen Krimi-Welt. Snyder hingegen wollte beides: den Realismus der Charakterzeichnung und die göttliche Überhöhung der Action. Das passt nicht zusammen. Wenn Kevin Costner als Jonathan Kent seinem Adoptivsohn rät, eine Gruppe von Kindern sterben zu lassen, um sein Geheimnis zu bewahren, dann ist das ein Moment, der so düster ist, dass er die gesamte Moral des Helden korrumpiert. Ein weniger profilierter Schauspieler hätte diese Szene vielleicht weichgezeichnet. Ein Kaliber wie Costner jedoch verleiht diesem Wahnsinn eine solche Überzeugungskraft, dass der Zuschauer das Vertrauen in die Welt des Films verliert.
Das Echo der falschen Ernsthaftigkeit
Werfen wir einen Blick auf das Erbe dieses Ansatzes. Die Entscheidung, das Genre so radikal zu dekonstruieren, führte zu einer Polarisierung, die wir heute noch in den sozialen Medien erleben. Es geht nicht mehr darum, ob ein Film gut ist, sondern welche ideologische Seite man vertritt. Ich sehe darin den Beginn einer toxischen Fankultur, die durch die übertriebene Ernsthaftigkeit dieser Produktion erst befeuert wurde. Die Schauspieler lieferten genau das ab, was von ihnen verlangt wurde: eine griechische Tragödie. Aber Superman ist keine Tragödie. Er ist eine Inspiration. Die Art und Weise, wie die Rollen besetzt wurden, zementierte die Vorstellung, dass ein Superheldenfilm nur dann wertvoll ist, wenn er sich wie eine schwere Last anfühlt.
Man kann es fast als Ironie des Schicksals bezeichnen, dass ausgerechnet die Qualität der Darsteller den Untergang des geteilten Universums einleitete. Sie waren zu gut darin, die Gebrochenheit ihrer Figuren darzustellen. Cavills Superman wirkt im Rückblick wie ein Mann, der unter der Last seiner eigenen Existenz leidet. Das ist ein interessanter Ansatz für einen Arthouse-Film, aber eine Katastrophe für ein Franchise, das Spielzeuge verkaufen und Fortsetzungen produzieren will. Der Funke sprang nie wirklich über, weil die Barriere aus Pathos und schauspielerischer Härte zu hoch war. Wenn man Laurence Fishburne als Perry White besetzt und ihm dann kaum etwas zu tun gibt, außer besorgt auf Bildschirme zu starren, zeigt das die ganze Planlosigkeit hinter den Kulissen. Man wollte Namen auf dem Plakat, keine lebendigen Charaktere.
In Deutschland wurde dieser Film oft für seine technische Brillanz gelobt, doch die Kritik an der emotionalen Kälte war unüberhörbar. Wir haben hierzulande eine lange Tradition des ernsthaften Kinos, aber wir wissen auch, wann Ernsthaftigkeit in Prätention umschlägt. Die globale Filmkritik war sich uneins, doch der Trend war klar: Das Publikum wollte wieder hoffnungsvollere Geschichten sehen. Der Erfolg von Filmen wie Wonder Woman Jahre später bewies, dass man Ernsthaftigkeit mit Licht und Wärme kombinieren kann. Das ursprüngliche Ensemble von 2013 jedoch blieb in einem stählernen Gefängnis aus Grau- und Blautönen gefangen, aus dem es kein Entkommen gab.
Es ist nun mal so, dass ein Film mehr ist als die Summe seiner Einzelteile. Man kann die besten Zutaten der Welt nehmen, aber wenn das Rezept nicht stimmt, schmeckt das Ergebnis trotzdem schal. Cavill hätte ein großartiger Superman sein können, wenn man ihm erlaubt hätte, zu lächeln. Adams hätte eine bahnbrechende Lois Lane sein können, wenn man ihr eine echte journalistische Mission gegeben hätte. Shannon hätte ein denkwürdiger Schurke sein können, wenn sein Motiv nicht in der totalen Auslöschung geendet hätte. Alles an diesem Film war auf maximale Wirkung ausgelegt, doch die Wirkung verpuffte in einer Wolke aus CGI-Staub.
Die Industrie hat daraus gelernt, wenn auch schmerzhaft. Heute sehen wir eine Rückbesinnung auf Charaktere, die sich selbst nicht ganz so wichtig nehmen. Das bedeutet nicht, dass Filme dümmer werden müssen. Es bedeutet nur, dass man die Besetzung nicht mehr als Schutzschild gegen inhaltliche Schwächen einsetzen kann. Ein großer Name ersetzt kein großes Herz. Wer heute über dieses Werk spricht, sollte aufhören, nur über die visuellen Effekte oder die ikonischen Momente zu debattieren. Wir müssen darüber sprechen, wie eine fehlerhafte Besetzungspolitik eine Ikone entfremdet hat.
Die wahre Erkenntnis aus diesem Kapitel der Filmgeschichte ist simpel: Man kann einen Gott nicht vermenschlichen, indem man ihm jede Freude nimmt und ihn mit den besten Charakterköpfen Hollywoods umgibt, nur um ihn am Ende zum Zerstörer einer ganzen Stadt zu machen. Wir blicken heute auf eine Ruine von Ambitionen zurück, die zeigen, dass Perfektion im Casting oft der Feind des eigentlichen Geschichtenerzählens ist. Es war kein Zufall, dass dieses Universum später kollabierte; die Statik war von Anfang an auf Sand gebaut, auch wenn der Sand von den teuersten Architekten der Welt geliefert wurde.
Am Ende bleibt die Gewissheit, dass ein Held nicht durch die Intensität seines Leidens definiert wird, sondern durch die Kraft seiner Hoffnung.
