Es gibt diesen einen Moment im Kino, in dem die schiere Masse an Talent auf der Leinwand so erdrückend wirkt, dass man vergisst, eigentlich einen Film zu sehen. Man betrachtet stattdessen eine Galerie. Kenneth Branaghs Neuverfilmung des Agatha-Christie-Klassikers ist genau solch ein Fall, ein Kuriositätenkabinett des modernen Starkults, das unter seiner eigenen Goldlasur fast erstickt. Die meisten Kinogänger erinnern sich an das Cast Of Orient Express 2017 als einen Triumph des klassischen Hollywood-Glamours in einer Ära von Superhelden-Franchises. Doch wer genau hinsieht, erkennt darin eher das Symptom einer Branche, die so sehr vor der Bedeutungslosigkeit zittert, dass sie ihre Darsteller wie Schutzschilde vor eine eigentlich dünne Inszenierung hält. Das Versprechen war groß: Eine Ansammlung von Legenden und aufstrebenden Kräften sollte den verstaubten Krimi in das neue Jahrtausend katapultieren. Was wir stattdessen bekamen, war eine Lektion darin, wie individuelle Brillanz im Dienst eines rein visuellen Exzesses neutralisiert werden kann.
Die Illusion der Unersetzbarkeit im Cast Of Orient Express 2017
Wenn man die Namen liest, die Branagh für seine Reise durch den Schnee versammelte, klingt das wie ein Fiebertraum eines Casting-Direktors. Judi Dench, Willem Dafoe, Michelle Pfeiffer, Penelope Cruz und Johnny Depp in einem einzigen Waggon unterzubringen, grenzt an logistischen Wahnsinn. Es ist die Art von Ensemble, die man normalerweise nur bei Preisverleihungen sieht, wenn alle gemeinsam für ein Gruppenfoto posieren. Doch hier liegt der Hund begraben. Die schiere Dichte an A-Listen-Prominenz führt zu einer seltsamen Form der darstellerischen Inflation. Wenn jeder im Raum ein Gigant ist, wirkt am Ende niemand mehr groß. Das Cast Of Orient Express 2017 leidet unter dem Problem, dass die Rollenprofile der literarischen Vorlage oft nur Skizzen sind, die dazu dienen, Poirot ein Gegenüber zu bieten. In der Version von 2017 kämpfen diese Schwergewichte um jeden Quadratzentimeter Leinwandzeit, was dazu führt, dass subtile Charakterarbeit fast unmöglich wird. Man sieht nicht die Erzieherin oder den Professor, man sieht Daisy Ridley und Willem Dafoe, die versuchen, in ihren drei Minuten Rampenlicht einen bleibenden Eindruck zu hinterlassen.
Dieser Drang zur Überbesetzung ist kein Zufall, sondern eine wirtschaftliche Überlebensstrategie. In einer Zeit, in der Streaming-Dienste den Kinosaal leerfegen, glaubte das Studio, dass nur eine beispiellose Dichte an Gesichtern die Menschen noch zum Ticketkauf bewegen könnte. Man verkaufte uns eine Erfahrung, die eher einer Gala glich als einem Kammerspiel. Das ist das Paradoxon der modernen Blockbuster-Produktion: Um ein intimes Drama zu erzählen, braucht man heute anscheinend das Budget und die Starpower eines kleinen Staates. Kenneth Branagh selbst, der nicht nur Regie führte, sondern sich auch die Hauptrolle des Hercule Poirot auf den Leib schneiderte, dominiert das Geschehen mit einer physischen Präsenz, die fast schon parodistisch wirkt. Sein Schnurrbart – ein architektonisches Monstrum – ist ein Sinnbild für den gesamten Film. Er ist zu groß, zu perfekt und lenkt ständig von der eigentlichen menschlichen Regung darunter ab.
Das Handwerk hinter der Fassade
Man muss fair bleiben und die technische Meisterschaft anerkennen, die in diese Produktion floss. Die Entscheidung, auf 65mm-Film zu drehen, zeugt von einem tiefen Respekt vor der Kinotradition. Diese Wahl verleiht den Bildern eine Tiefe und Textur, die digital kaum zu erreichen ist. Die Kostüme von Alexandra Byrne und das Szenenbild von Jim Clay schaffen eine Welt, die so haptisch wirkt, dass man den kalten Stahl des Zuges fast spüren kann. Hier zeigt sich die Fachkompetenz eines Teams, das sein Handwerk versteht. Das Problem ist jedoch, dass diese Opulenz die Schauspieler oft wie bloße Requisiten in einem sehr teuren Schaufenster wirken lässt. Wenn Michelle Pfeiffer eine ihrer stärksten Szenen spielt, kämpft sie nicht nur gegen das Skript, sondern auch gegen die atemberaubende Kulisse, die ständig „Schau mich an!“ schreit. Es ist ein ständiges Ringen zwischen Mensch und Material, bei dem das Material oft als Sieger hervorgeht.
Ein Skeptiker könnte nun einwenden, dass Sidney Lumets Version von 1974 ebenfalls auf ein gigantisches Star-Aufgebot setzte. Das stimmt zwar, aber Lumet nutzte seine Stars anders. Er ließ ihnen Raum zum Atmen, während Branagh sie in eine hyperaktive Kameraarbeit presst. Bei Lumet war die Enge des Zuges das zentrale Element der Spannung; bei Branagh wirkt der Zug oft wie eine Bühne für eine Reihe von sehr gut bezahlten Monologen. Die Dynamik zwischen den Figuren geht verloren, weil die Inszenierung so sehr darauf bedacht ist, jedes Gesicht in seiner ganzen Pracht einzufangen. Das ist kein Schauspielensemble im klassischen Sinne, sondern eine Aneinanderreihung von Solo-Performances, die zufällig im selben Raum stattfinden.
Warum das Cast Of Orient Express 2017 trotz allem ein notwendiges Experiment war
Trotz der Kritik an der Überladung bleibt festzuhalten, dass dieses Projekt ein wichtiges Signal an die Branche sendete. Es bewies, dass es ein Publikum für Geschichten gibt, die nicht auf Explosionen und Umhängen basieren, sondern auf Dialogen und moralischen Dilemmata – auch wenn diese hier unter einer dicken Schicht Puderzucker serviert werden. Das Cast Of Orient Express 2017 fungierte als eine Art Brücke. Es brachte eine Generation von Zuschauern, die mit schnellen Schnitten und CGI aufgewachsen ist, dazu, sich zwei Stunden lang mit der Frage nach Schuld und Gerechtigkeit auseinanderzusetzen. Dass man dafür die halbe Oscar-Akademie engagieren musste, sagt mehr über den Zustand unserer Aufmerksamkeitsökonomie aus als über die Qualität der Schauspieler selbst.
Ich habe beobachtet, wie junge Kinogänger nach dem Film über die Leistung von Josh Gad oder Leslie Odom Jr. diskutierten. Das ist ein Erfolg, den man nicht kleinreden darf. Man lockte die Menschen mit dem Glanz der alten Welt und gab ihnen zumindest einen Funken davon zurück. In einer idealen Welt bräuchten wir keine Superstars, um eine gute Geschichte zu erzählen. Aber wir leben nicht in einer idealen Welt; wir leben in einer Welt, in der die Konkurrenz um den Klick und das Kinoticket gnadenlos ist. Die Besetzung war das Trojanische Pferd, mit dem Branagh klassisches Erzählkino wieder in die Multiplexe schmuggelte. Es war ein Kompromiss, sicher, aber ein handwerklich beeindruckender.
Man kann darüber streiten, ob Johnny Depp in der Rolle des Ratchett unterfordert war oder ob er genau die richtige Menge an schmieriger Bedrohlichkeit mitbrachte. Seine Präsenz im ersten Akt setzt den Ton für alles, was folgt. Er ist der dunkle Kern, um den sich die restlichen Planeten drehen. Dass sein Charakter so früh aus der Gleichung verschwindet, ist ein erzählerisches Wagnis, das nur funktioniert, wenn die verbleibenden Figuren stark genug sind, das Vakuum zu füllen. Hier zeigt sich die Schwäche der Inszenierung: Ohne den Antagonisten verliert der Film spürbar an Reibungshöhe, weil die Ermittlungsarbeit Poirots oft wie eine pflichtbewusste Abarbeitung von Stationen wirkt. Die emotionalen Höhepunkte wirken manchmal behauptet statt erspielt, weil die Zeit fehlt, echte Bindungen zwischen den Charakteren aufzubauen.
Die Psychologie des Ensembles
Ein tieferer Blick auf die Dynamik offenbart, wie schwierig es ist, schauspielerische Autorität zu verteilen. Judi Dench als Prinzessin Dragomiroff braucht nur einen Blick, um den Raum zu beherrschen. Das ist Erfahrung, die man nicht lernen kann. Demgegenüber wirken die jüngeren Darsteller manchmal fast eingeschüchtert von der Last der Legenden um sie herum. Das führt zu einer interessanten, wenn auch vielleicht unbeabsichtigten Spannung im Film. Es spiegelt die Hierarchie des alten Europas wider, die Christie so meisterhaft beschrieb. Die soziale Ordnung im Zug ist starr, und die Wahl der Schauspieler unterstreicht diese Schichtung. Sergei Polunin als Graf Andrenyi bringt eine physische Intensität ein, die einen scharfen Kontrast zur gesetzten Ruhe eines Derek Jacobi bildet. In diesen Momenten blitzt auf, was der Film hätte sein können: Eine echte Studie über Klasse und Verzweiflung.
Leider wird dieser Ansatz oft von der Notwendigkeit überlagert, den Film „groß“ aussehen zu lassen. Jedes Mal, wenn die Kamera den Zug verlässt und in weiten Drohnenaufnahmen über die verschneite Landschaft fegt, verliert die Geschichte an Bodenhaftung. Wir werden daran erinnert, dass wir in einem Blockbuster sitzen, nicht in einem Verhörzimmer. Diese Flucht in die Weite konterkariert den psychologischen Druck, den das Ensemble eigentlich aufbauen sollte. Man kann die Angst des Regisseurs förmlich spüren – die Angst, dass ein reines Kammerspiel das moderne Publikum langweilen könnte. Also gibt man uns CGI-Lawinen und Verfolgungsjagden auf Gerüsten, die in der Vorlage nichts zu suchen haben und die den Schauspielern die Möglichkeit nehmen, die Spannung allein durch ihre Präsenz zu halten.
Das Erbe der großen Namen
Was bleibt also übrig, wenn der Vorhang fällt? Wir stehen vor einem Werk, das den Glanz der Vergangenheit mit der Unsicherheit der Gegenwart verbindet. Es ist ein Film, der so tut, als wäre er zeitlos, während er in jeder Faser versucht, den aktuellen Marktgesetzen zu entsprechen. Das Problem ist nicht die Qualität des Spiels, sondern die Rahmung. Wenn wir über dieses Thema nachdenken, müssen wir uns fragen, was wir vom Kino erwarten. Wollen wir Wahrhaftigkeit oder wollen wir geblendet werden? Die Version von 2017 entscheidet sich fast immer für das Blenden. Das ist legitim, aber es ist auch ein Verlust. Es ist der Verlust der Stille, des Unausgesprochenen, das Christie in ihren besten Momenten so brillant einsetzte.
In den Archiven der Filmgeschichte wird dieses Werk vermutlich als der Moment geführt werden, in dem das Ensemble-Kino endgültig zum Marketing-Instrument mutierte. Man kaufte keine Eintrittskarte für eine Geschichte, man kaufte sie für die Liste der Namen auf dem Plakat. Das ist die traurige Wahrheit hinter dem prunkvollen Äußeren. Wir sind an einem Punkt angelangt, an dem die individuelle Leistung eines Schauspielers hinter seinem Marktwert zurücktreten muss. Die Talente sind da, aber sie werden wie Schachfiguren in einem Spiel bewegt, dessen Regeln von Algorithmen und Testvorführungen bestimmt werden. Kenneth Branagh hat versucht, dagegen anzukämpfen, indem er sich auf die Tradition berief, aber er konnte den Geistern, die er rief, nicht entkommen.
Wer diesen Film heute sieht, erkennt das Bemühen um Relevanz in jeder Einstellung. Man wollte beweisen, dass der Orient Express noch immer fahren kann. Und er fährt, dampfend und prustend, beladen mit der kostbarsten Fracht, die Hollywood zu bieten hat. Aber er kommt nie wirklich an seinem Ziel an, weil er zu schwer beladen ist mit seinem eigenen Anspruch auf Größe. Die Darsteller geben ihr Bestes, doch sie sind Gefangene einer Inszenierung, die mehr an ihrer eigenen Spiegelung interessiert ist als an den Menschen, die sie porträtiert. Das ist das eigentliche Verbrechen, das in diesem Zug begangen wurde, und Poirot ist nicht da, um es aufzuklären.
Man muss die Dinge beim Namen nennen: Wahre Größe im Kino entsteht nicht durch die Addition von Stars, sondern durch die Subtraktion alles Unnötigen, bis nur noch die nackte Emotion übrig bleibt.
