Ich stand vor ein paar Jahren in einem vollgestopften Plattenladen in München, als ein junger Sammler stolz eine japanische Pressung zur Kasse schleppte. Er hatte gerade 150 Euro auf den Tresen gelegt, überzeugt davon, den heiligen Gral der Mark IV Ära gefunden zu haben. Er dachte, der hohe Preis garantiere den besten Sound für Deep Purple Come Taste The Band, doch ich wusste es besser. Er kaufte eine spätere Nachpressung aus den 80ern, die klanglich flach war und deren Cover-Art leicht pixelig wirkte. Er bezahlte für den Mythos „Japan-Import“, während die weit günstigere britische Erstpressung zwei Regale weiter hinten stand und ihn klanglich in den Schatten gestellt hätte. Das ist der klassische Fehler: Man jagt dem Preis und dem Prestige hinterher, ohne die technischen Details der Produktion zu verstehen. Wer bei diesem speziellen Album nicht auf die Matrix-Nummern in der Auslaufrille achtet, kauft oft nur teuren Plastikmüll.
Die Fehleinschätzung des Tommy Bolin Sounds
Ein riesiges Problem ist die Erwartungshaltung vieler Hörer, die von der Blackmore-Ära kommen. Sie versuchen, den gewohnten Stratocaster-Sound in ein Album hineinzuinterpretieren, das fundamental anders aufgebaut ist. Wer versucht, Bolin wie Blackmore klingen zu lassen, indem er am Equalizer seiner Anlage schraubt, zerstört das Klangerlebnis komplett. Ich habe Leute gesehen, die die Mitten bei ihrer Anlage massiv angehoben haben, weil sie dachten, das Album sei „dünn“ produziert. Das Ergebnis war ein matschiger Soundbrei, der die feinen Nuancen von Bolins Jazz- und Funk-Einflüssen schlichtweg erschlagen hat.
Bolin spielte keine klassische Hardrock-Gitarre im Stil der frühen 70er. Er brachte eine Flexibilität mit, die Raum braucht. Der Fehler liegt darin, dieses Album als reines Heavy-Metal-Werk zu behandeln. Wenn du die Bässe zu weit aufdrehst, um den fehlenden Druck der Ritchie-Blackmore-Riffs zu kompensieren, ruinierst du die Arbeit von Glenn Hughes. Hughes hat auf diesem Album einige seiner besten Basslinien abgeliefert, die oft unterschätzt werden. Diese Linien sind perkussiv und brauchen Luft zum Atmen. Wer das nicht versteht, hört ein völlig anderes, schlechteres Album.
Warum Deep Purple Come Taste The Band kein typisches Hardrock-Album ist
In der Szene hält sich hartnäckig das Gerücht, dieses Werk sei lediglich ein verzweifelter Versuch gewesen, die Band am Leben zu erhalten. Diese Annahme führt dazu, dass viele Hörer das Album nur oberflächlich konsumieren. Sie hören „You Keep On Moving“ und schalten dann ab. Dabei verpassen sie die technische Brillanz von Stücken wie „Gettin' Tighter“. Der Fehler ist hier die rein chronologische Einordnung. Viele glauben, nach dem Ausstieg von Blackmore sei die Qualität zwangsläufig gesunken. Das ist fachlich falsch.
Die Produktion von Kevin Shirley für spätere Remaster-Versionen hat versucht, diesen Funk-Aspekt noch stärker zu betonen, was bei Puristen auf Widerstand stieß. Hier zeigt sich die Kluft: Willst du den historischen Sound von 1975 oder willst du die moderne Interpretation? Ich sage dir aus Erfahrung: Die meisten Leute greifen zur erstbesten CD-Version im Laden und wundern sich, warum die Dynamik fehlt. Das Album wurde für Vinyl gemastert. Die frühen CD-Pressungen aus den späten 80ern sind oft lieblos von Sicherheitsbändern gezogen worden. Wenn du 20 Euro für eine schlechte CD ausgibst, hast du 20 Euro weggeworfen. Such stattdessen nach den Versionen, die das ursprüngliche Mastering respektieren.
Der fatale Irrtum bei der Wahl der Pressung
Hier wird es richtig teuer. Sammler glauben oft, dass „Original“ immer „Besser“ bedeutet. Das stimmt bei Deep Purple Come Taste The Band nur bedingt. Es gibt US-Pressungen auf dem Warner Bros. Label, die damals unter enormem Zeitdruck produziert wurden. Die Qualität des verwendeten Vinyls in den USA war Mitte der 70er Jahre aufgrund der Ölkrise oft minderwertig – man nannte das „Regrind“, also recyceltes Plastik mit hohem Rauschanteil.
Ich habe Vergleiche gehört, bei denen eine vermeintliche US-Erstpressung gegen eine deutsche EMI-Pressung antrat. Die deutsche Pressung war leiser, hatte weniger Knistern und eine deutlich bessere Kanaltrennung. Wer heute blind 80 Euro für eine eingeschweißte US-Version zahlt, investiert in eine Enttäuschung. Die Wahrheit ist: Die britischen Pressungen mit dem „Purple Records“ Label und der Matrix-Endung A-1/B-1 sind das Maß der Dinge. Alles andere ist ein Kompromiss, den du nur eingehen solltest, wenn der Preis zweistellig bleibt.
Die Falle der digitalen Remaster
Ein weiterer Fehler ist das Vertrauen in den Aufkleber „24-bit Remastered“. In der Audiowelt der 90er und frühen 2000er Jahre bedeutete das oft nur eines: Loudness War. Die Dynamik wurde plattgewalzt, damit das Album im Auto oder auf billigen Kopfhörern laut klingt. Bei einem so filigranen Album wie diesem ist das tödlich. Die Snare-Drum von Ian Paice verliert jeglichen Punch, wenn sie durch einen digitalen Limiter gejagt wird. Wenn du die Wahl hast zwischen einer alten, gebrauchten LP mit ein paar Kratzern und einer glänzenden neuen „Audiophile Reissue“ auf 180-Gramm-Vinyl, nimm im Zweifel die alte LP – sofern sie aus England oder Deutschland stammt. Das schwere Vinyl der Neuauflagen garantiert keinen besseren Klang, oft basieren sie sogar auf denselben komprimierten digitalen Files wie die CDs.
Vorher-Nachher: Ein echtes Hörerlebnis optimieren
Schauen wir uns an, wie ein typischer Optimierungsprozess abläuft.
Vorher: Ein Hörer kauft sich eine 2010er Vinyl-Neuauflage für 35 Euro. Er spielt sie auf einem modernen Mittelklasse-Plattenspieler ab. Der Sound wirkt druckvoll, aber nach zehn Minuten ermüden die Ohren. Die Becken zischeln, der Bass von Glenn Hughes klingt wie ein unbestimmtes Brummen im Hintergrund. Die Stimme von David Coverdale wirkt, als stünde er hinter einem Vorhang. Der Hörer denkt, das Album sei einfach schlecht aufgenommen worden und bereut den Kauf.
Nachher: Derselbe Hörer bekommt den Tipp, nach einer gebrauchten deutschen Pressung (Bestellnummer 1C 062-97 044) zu suchen. Er findet eine für 15 Euro auf einem Flohmarkt. Er reinigt die Platte gründlich mit einer Carbonbürste und justiert sein Tonabnehmersystem korrekt. Plötzlich passiert etwas: Die Räumlichkeit öffnet sich. Bei „Lady Luck“ hört man genau, wie Ian Paice seine Hi-Hat öffnet und schließt. Bolins Gitarre schneidet durch den Mix, ohne wehzutun. Der Bass hat Kontur und Definition. Der Hörer hat 20 Euro gespart und ein zehnmal besseres Erlebnis. Der Unterschied liegt nicht im Preis, sondern im Wissen um die Herkunft des Mediums.
Technische Hürden bei der Wiedergabe
Ein Punkt, den fast jeder unterschätzt: Die Phasenlage und die Abmischung dieses Albums sind speziell. Es wurde in den Musicland Studios in München aufgenommen, einem Ort, der für seinen trockenen, direkten Sound bekannt war. Wenn deine Lautsprecher nicht exakt eingewinkelt sind, bricht das Stereobild bei diesem Album schneller zusammen als bei „Machine Head“.
Ich habe Installationen korrigiert, bei denen die Besitzer dachten, ihre Verstärker seien kaputt. Dabei standen die Boxen einfach nur zu nah an der Wand, was den ohnehin schon präsenten Bassbereich dieses Albums völlig aufblähte. Dieses Album verzeiht keine Fehler in der Kette. Es ist eine ehrliche Aufnahme. Wenn deine Anlage eine Schwäche bei den Mitten hat, wird dieses Album es gnadenlos offenlegen. Anstatt also hunderte Euro in teure Kabel zu investieren, solltest du lieber zwei Stunden damit verbringen, die Position deiner Lautsprecher zu optimieren. Das kostet nichts und bringt bei dieser speziellen Abmischung mehr als jede Hardware-Neuanschaffung.
Warum der Hype um Tommy Bolins Equipment oft in die Irre führt
Gitarristen machen oft den Fehler, tausende Euro auszugeben, um Bolins Sound auf diesem Album zu kopieren. Sie kaufen sich alte Maestro Echoplex Geräte oder spezifische Fuzz-Pedale. Das Problem ist: Bolins Sound auf Deep Purple Come Taste The Band war das Ergebnis einer sehr spezifischen Studiosituation und seiner individuellen Spieltechnik, die stark von seinen beschädigten Fingern (durch eine Verletzung) beeinflusst war.
- Der Versuch, den Sound durch reines Equipment-Kaufen zu erzielen, scheitert am Spielstil.
- Bolin nutzte viel weniger Verzerrung, als die meisten Leute glauben; die Aggressivität kam aus dem Anschlag.
- Wer viel Geld für Effekte ausgibt, aber die Jazz-Skalen nicht beherrscht, wird immer enttäuscht sein.
Ich kenne Leute, die ihre Stratocaster komplett umgebaut haben, um Bolin näher zu kommen, nur um am Ende festzustellen, dass sie immer noch wie eine schlechte Kopie klingen. Erspar dir das Geld. Der Sound liegt in den Fingern und in der Art, wie er die Lautstärkeregler an der Gitarre während des Spielens bediente. Das ist eine Lektion, die man erst lernt, wenn man viel Zeit mit dem Material verbracht hat – oder wenn man schon zu viel Geld für Pedale ausgegeben hat, die jetzt im Schrank verstauben.
Realitätscheck
Erfolg beim Sammeln oder Verstehen dieses speziellen Kapitels der Bandgeschichte kommt nicht über Nacht und schon gar nicht durch das Scheckheft. Du musst bereit sein, Zeit in die Recherche zu stecken. Es gibt keine Abkürzung zur perfekten Pressung oder zum perfekten Sounderlebnis. Wer glaubt, mit einem Klick bei einem großen Online-Händler die ultimative Version zu bekommen, wird fast immer enttäuscht.
Die bittere Wahrheit ist: Ein Großteil der heute erhältlichen Merchandising-Artikel und Reissues rund um dieses Thema ist auf Gewinnoptimierung ausgelegt, nicht auf audiophile Qualität. Wenn du wirklich das hören willst, was im Sommer 1975 in München im Studio passierte, musst du dich auf die Jagd nach altem Equipment und alten Pressungen machen. Das ist mühsam, es ist schmutzig und man macht Fehler. Aber es ist der einzige Weg, der am Ende nicht nur Geld spart, sondern auch die musikalische Befriedigung bringt, die dieses Album verdient. Wer dazu nicht bereit ist, sollte es beim Streaming belassen – das kostet fast nichts, klingt aber eben auch genau so. Echter Genuss erfordert Fachwissen und Geduld, nicht nur Begeisterung.
