In einem schmalen Korridor des Larrabee Sound Studios in West Hollywood klebte der Geruch von abgestandenem Kaffee und billigen Zigaretten an den schallisolierten Wänden. Es war der Sommer 1997, und die Luft in Kalifornien war schwer von einer Elektrizität, die nichts mit dem Wetter zu tun hatte. Chino Moreno stand vor dem Mikrofon, die Augen fest geschlossen, während die Band hinter der Glasscheibe wartete. Er sang nicht nur; er schien sich gegen eine unsichtbare Strömung zu stemmen, ein Flüstern, das in einen Schrei kippte, der gleichzeitig zerbrechlich und zerstörerisch wirkte. In diesem Moment, weit weg von den polierten Pop-Produktionen der Ära, entstand Deftones Around The Fur Album als ein Dokument roher, ungefilterter Spannung. Es war die Geburtsstunde eines Klangs, der die Grenzen dessen, was man damals unter schwerer Gitarrenmusik verstand, nicht nur verschob, sondern sie einfach ignorierte.
Draußen auf dem Sunset Boulevard ahnte niemand, dass fünf junge Männer aus Sacramento gerade dabei waren, den Nihilismus der Neunziger in etwas Sinnliches zu verwandeln. Es gab damals eine klare Trennung: Entweder man war hart oder man war melodisch. Entweder man gehörte zur Welt des Skatens und des Zorns oder zur Welt der Kunstschulen und der Melancholie. Die Gruppe aus Kalifornien weigerte sich, diese Wahl zu treffen. Während die ersten Akkorde von My Own Summer (Shove It) durch die Studiomonitore peitschten, wurde klar, dass diese Musik eine physische Reaktion provozieren würde. Es war ein Ziehen im Magen, ein instinktives Erkennen von Isolation und Sehnsucht, das sich durch jede Note zog.
Die Aufnahmen waren geprägt von einer fast schon gefährlichen Intimität. Produzent Terry Date, der bereits für den stählernen Glanz von Pantera verantwortlich war, erkannte schnell, dass er es hier mit einer anderen Art von Energie zu tun hatte. Es ging nicht um technische Perfektion oder die lauteste Snare-Drum der Welt, obwohl Abe Cunninghams Schlagzeugspiel auf diesem Werk bis heute als Goldstandard für Dynamik gilt. Es ging um die Zwischenräume, um das, was passiert, wenn eine Gitarre kurz davor ist, in Feedback zu zerfallen, und eine Stimme sich in den Falten der Stille versteckt. Diese Spannung zwischen dem Brutalen und dem Schönen bildete das Rückgrat für das, was kommen sollte.
Die Evolution von Deftones Around The Fur Album und der Klang der Vorstädte
Man kann diese Musik nicht verstehen, ohne an die Hitze von Sacramento zu denken. Es ist eine Stadt, die oft im Schatten von San Francisco oder Los Angeles steht, ein Ort der Parkplätze, der Einkaufszentren und der endlosen Nachmittage, an denen die Zeit stillzustehen scheint. Für die Bandmitglieder war der Proberaum eine Flucht, aber auch ein Labor. Sie hörten Bad Brains und Depeche Mode gleichermaßen. Diese Mischung aus Hardcore-Energie und New-Wave-Ästhetik sickerte in jede Pore der neuen Lieder. Während das Debütalbum noch stark im Fahrwasser der damaligen Nu-Metal-Bewegung schwamm, markierte das zweite Werk den Moment, in dem sie ihre eigene Sprache fanden.
Es war eine Sprache der Texturen. Stephen Carpenter schichtete Gitarrenwände auf, die sich wie tektonische Platten verschoben, während Chi Cheng am Bass einen Puls lieferte, der tief im Körper widerhallte. Doch das Herzstück blieb die Unberechenbarkeit. Wenn man heute diese Aufnahmen hört, spürt man die Reibung zwischen den Musikern. Es gab Konflikte, es gab exzessive Nächte und Momente der totalen Erschöpfung. Doch genau diese Instabilität verlieh dem Ganzen seine Authentizität. In einer Zeit, in der Musikfernsehen und große Labels begannen, Rebellion als Lifestyle-Produkt zu verpacken, fühlte sich dieses Werk gefährlich ehrlich an.
Die Texte waren keine klaren Erzählungen. Sie waren eher wie Fragmente aus einem Tagebuch, das man unter einer Matratze gefunden hat. Moreno sprach von Neid, von Besessenheit und von dem Wunsch, einfach zu verschwinden. Es war eine Poesie der Unbehaglichkeit. Das ikonische Cover – ein Weitwinkel-Foto einer Frau an einem Pool, aufgenommen bei einer Party – fing diesen Geist perfekt ein. Es war nicht gestellt, es war nicht hübsch im klassischen Sinne. Es war grell, ein wenig voyeuristisch und absolut unmittelbar. Es spiegelte den Inhalt wider: eine Schönheit, die sich erst offenbart, wenn man bereit ist, das Hässliche zu akzeptieren.
Der Raum zwischen den Schreien
Ein besonderes Merkmal dieser Ära war die Entdeckung der Dynamik. In Liedern wie Digital Bath, das zwar erst später erschien, dessen Wurzeln aber in dieser kreativen Explosion lagen, oder dem Titelstück der 1997er Platte, sieht man die Meisterschaft im Umgang mit Lautstärke. Es geht nicht darum, den Hörer konstant niederzubrüllen. Die wirkliche Kraft liegt in dem Moment, in dem die Band zurückweicht. Wenn die Musik zu einem Flüstern wird, spitzt der Hörer die Ohren, beugt sich vor, nur um im nächsten Augenblick von einer Welle aus Klang getroffen zu werden.
Diese Technik erforderte ein enormes Vertrauen zwischen den Musikern. Sie mussten lernen, aufeinander zu hören, den Raum zu füllen, ohne ihn zu ersticken. Frank Delgado, der damals noch kein festes Mitglied war, aber bereits seine Fingerabdrücke in Form von atmosphärischen Samples und Turntable-Effekten hinterließ, fügte eine weitere Ebene hinzu. Er war es, der die Brücke schlug zwischen dem Metal-Keller und den nebligen Tanzflächen der Underground-Clubs. Diese Integration von elektronischen Elementen war kein Gimmick; sie war die notwendige Erweiterung ihres emotionalen Spektrums.
Ein Erbe das in der Dunkelheit glüht
Wenn man heute durch die Straßen von Berlin, London oder Paris läuft und sieht, wie junge Menschen mit den alten Band-Shirts dieser Gruppe herumlaufen, fragt man sich, was diese Anziehungskraft ausmacht. In einer digitalen Welt, die auf Perfektion und Filtern basiert, wirkt die Unbeholfenheit und die Wut jener Jahre wie ein verlorener Anker. Es ist die Sehnsucht nach etwas Wahrem, nach einer Musik, die nicht für einen Algorithmus geschrieben wurde. Das Zweitwerk der Kalifornier hat diesen Test der Zeit bestanden, weil es keine Antworten gibt. Es stellt nur Fragen über Schmerz, Lust und die Sehnsucht nach Verbindung.
Musikhistoriker weisen oft darauf hin, dass diese Veröffentlichung den Weg für Bands ebnete, die später als Alternative Metal oder Post-Metal bezeichnet wurden. Doch Kategorien greifen hier zu kurz. Die Wirkung auf den Hörer ist eher psychologischer Natur. Es ist die Erkenntnis, dass man traurig und gleichzeitig wütend sein kann, dass man zerbrechlich sein kann, ohne schwach zu wirken. Für eine ganze Generation von Außenseitern wurde dieser Klang zu einer Rüstung. Er bot einen Raum, in dem die eigenen inneren Widersprüche nicht nur geduldet, sondern gefeiert wurden.
In der Rückschau betrachtet, war die Produktion dieses Albums ein Wendepunkt für die gesamte Rockmusik der späten Neunziger. Während andere Bands auf maximale Kompression und aggressive Maskulinität setzten, bewies diese Gruppe, dass man härter sein konnte, indem man sich verletzlich zeigte. Die Aufnahmen strahlen eine Kälte aus, die seltsamerweise wärmt. Es ist die Wärme eines Feuers, das in einer eisigen Nacht brennt – man weiß, dass man sich verbrennen kann, aber man kann den Blick nicht abwenden.
Der Einfluss reicht bis in die heutige Popkultur. Produzenten von elektronischer Musik, Rapper und Indie-Künstler berufen sich auf die Atmosphäre dieser Zeit. Es ist ein Beweis dafür, dass gute Kunst nicht altert, sondern nur reift. Die Themen Isolation und der Kampf um Identität sind im Jahr 2026 relevanter denn je. In einer Gesellschaft, die zunehmend fragmentiert wirkt, bietet dieser Klang eine seltsame Art von Trost. Es ist die kollektive Erfahrung des Unbehagens, die uns hier verbindet.
Man erinnert sich an die Nächte, in denen man mit Kopfhörern im dunklen Zimmer saß und das Gefühl hatte, dass diese fünf Männer aus Sacramento genau wussten, wie es sich anfühlt, nicht dazuzugehören. Die Musik war kein Ausweg aus der Realität, sondern ein Werkzeug, um sie zu ertragen. Sie gab dem namenlosen Frust eine Form und der stillen Melancholie eine Stimme. Und genau deshalb kehren wir immer wieder zu diesen Klängen zurück. Sie sind nicht einfach nur Songs; sie sind Markierungen auf der Landkarte unseres eigenen Lebensweges.
Die Geschichte dieses Albums ist auch die Geschichte des Überlebens. Die Band hat Verluste erlitten, sich fast aufgelöst und ist doch immer wieder zusammengekommen. Dieser Geist des Durchhaltens, des ständigen Suchens nach neuen Ausdrucksformen, begann genau dort, in diesem stickigen Studio in West Hollywood. Es war der Moment, in dem sie aufhörten, den Erwartungen anderer zu entsprechen, und anfingen, auf ihr eigenes Echo zu hören. Es war der Mut zur Lücke, der Mut zum Unvollkommenen, der sie unsterblich machte.
Wenn der letzte Ton von MX nach einer langen Stille verhallt, bleibt ein Gefühl der Leere zurück, das sich jedoch nicht hohl anfühlt. Es ist eine erfüllte Stille, die Art von Ruhe, die nach einem heftigen Sommergewitter eintritt. Die Luft ist gereinigt, der Boden ist nass, und für einen kurzen Moment scheint alles möglich zu sein. Deftones Around The Fur Album ist mehr als eine Sammlung von Liedern; es ist ein Zustand, in dem man sich verlieren kann, um sich schließlich selbst wiederzufinden.
Es gibt Momente in der Kunstgeschichte, in denen alle Puzzleteile perfekt zusammenfallen, ohne dass es geplant war. Ein wütender Sänger, ein schwerer Bass, peitschende Trommeln und Gitarren, die wie Nebelhörner klingen – all das verschmolz zu einer Einheit, die bis heute unerreicht bleibt. Es war kein Produkt von Marketing-Experten, sondern das Ergebnis echter menschlicher Reibung. Und vielleicht ist das das Geheimnis: In einer Welt voller Kopien bleibt das Echte das Einzige, das wirklich zählt.
Die Frau auf dem Cover blickt immer noch nach unten, halb im Schatten, halb im grellen Blitzlicht. Sie weiß nicht, dass sie das Gesicht einer Revolution geworden ist, einer leisen Rebellion gegen das Offensichtliche. Sie steht dort als Symbol für einen Moment, der nie enden wird, solange irgendwo ein Teenager zum ersten Mal die Play-Taste drückt und spürt, wie die Welt um ihn herum plötzlich eine andere Farbe annimmt.
Manchmal, wenn die Nacht am tiefsten ist und der Lärm der Stadt verstummt, kann man diese Musik fast im Wind hören. Es ist ein Echo aus einer Zeit, in der alles noch möglich schien, ein Versprechen, dass der Schmerz eine Form finden kann, die uns nicht zerstört, sondern verwandelt. Wir hören nicht nur hin, wir fühlen mit, während die Zeit weiterzieht und die Klänge bleiben.
Die Nadel hebt sich, das digitale Rauschen verstummt, und was bleibt, ist der eigene Herzschlag, der nun ein wenig schneller geht.
