Manche behaupten, Musikdokumentationen müssten die Distanz zwischen Fan und Idol verringern, doch das Gegenteil ist oft der Fall. Wer sich It Might Get Loud Documentary ansieht, erwartet vielleicht eine technische Analyse oder eine ehrliche Demontage des Starkults, bekommt aber stattdessen eine sorgfältig inszenierte Grundsteinlegung für ein neues Pantheon. Die landläufige Meinung besagt, dieser Film sei die ultimative Verbeugung vor dem Handwerk des Gitarrenspiels. Ich behaupte dagegen, dass er eine geschickte Marketing-Operation ist, die den Fokus weg von der Innovation und hin zu einer fast schon religiösen Ahnenverehrung lenkt. Es geht hier nicht um Saiten oder Verstärker, sondern um die Konstruktion einer künstlichen Kontinuität zwischen drei Männern, die eigentlich kaum etwas gemeinsam haben.
Wenn wir über den Film sprechen, müssen wir über das Setting reden. Ein leeres Studio, ein paar Verstärker und drei Generationen von Gitarristen, die so tun, als würden sie zufällig über ihre Anfänge plaudern. Jimmy Page, The Edge und Jack White repräsentieren unterschiedliche Epochen, aber der Film zwingt sie in eine Erzählung, die so tut, als gäbe es einen linearen Stab, der weitergereicht wird. Das ist eine Illusion. Die Geschichte der populären Musik ist kein Staffellauf, sondern eine Serie von Brüchen und Rebellionen. Indem das Werk diese Brüche glättet, beraubt es die Musik ihrer eigentlichen Sprengkraft. Du sitzt vor dem Bildschirm und denkst, du lernst etwas über die Seele der Musik, während du eigentlich nur einer perfekt ausgeleuchteten Selbstbeweihräucherung beiwohnst.
Die kalkulierte Authentizität der It Might Get Loud Documentary
Der Kern des Problems liegt in der Darstellung der technischen Herangehensweise. Jack White wird als der puristische Antitheoretiker inszeniert, der sich absichtlich schlechtes Equipment sucht, um gegen die Materie kämpfen zu müssen. Er baut sich im Film eine E-Gitarre aus einer Cola-Flasche und einem Stück Holz. Das sieht toll aus. Es ist ein fantastisches Bild für einen Dokumentarfilm. Aber es ist eben auch eine Pose. White ist ein hochgradig kontrollierter Künstler, der genau weiß, wie er sein Image als Outsider pflegt. Der Film schluckt diesen Köder bereitwillig und verkauft uns den Kampf gegen das Instrument als die einzige wahre Form der künstlerischen Integrität.
Auf der anderen Seite steht The Edge, der Mann, der die Gitarre wie einen Computer bedient. Er wird oft als der Technokrat belächelt, der ohne seine Effektgeräte nichts wäre. Der Film versucht, diesen Gegensatz zu nutzen, um Spannung zu erzeugen. Doch statt die philosophische Frage zu stellen, ob Technologie den Geist der Musik erstickt oder erst befreit, bleibt die Erzählung an der Oberfläche der Bewunderung hängen. Es ist eine verpasste Chance. Anstatt zu hinterfragen, warum wir im 21. Jahrhundert immer noch so besessen von einem Instrument aus der Mitte des letzten Jahrhunderts sind, wird die Gitarre hier als ein heiliges Relikt behandelt, das keiner weiteren Rechtfertigung bedarf.
Ich habe das Werk mehrmals gesehen und jedes Mal fällt mir auf, wie sehr Jimmy Page als der unantastbare Gottvater inszeniert wird. Wenn er die ersten Riffs von Whole Lotta Love spielt, erstarren die anderen beiden in Ehrfurcht. Das ist kein Austausch unter Kollegen. Das ist eine Audienz. Diese Dynamik verhindert jedes echte Gespräch über die dunklen Seiten des Rock-Business oder die Sackgassen, in die sich das Genre manövriert hat. Es ist bezeichnend, dass keine einzige Frau in dieser Runde sitzt, obwohl Gitarristinnen wie Sister Rosetta Tharpe das Fundament für all das gelegt haben, was Page später berühmt machte. Die Auswahl der Protagonisten ist kein Zufall, sondern ein Statement darüber, wer die Deutungshoheit über die Rockgeschichte behalten darf.
Das Narrativ der Einsamkeit und des Genies
Ein wiederkehrendes Motiv in dieser Produktion ist die Isolation. Jeder der drei Musiker wird in einer Umgebung gezeigt, die seine angebliche Einzigartigkeit betont. Page in seinem Schloss, White in seiner Werkstatt, The Edge an den Klippen Irlands. Das suggeriert, dass große Kunst im Vakuum entsteht, fernab von Trends oder sozialen Bewegungen. Das ist eine gefährliche Vereinfachung. Rockmusik war immer eine kollektive Erfahrung, eine Reaktion auf gesellschaftliche Zustände. Indem der Film die Musiker von ihrem Kontext isoliert, macht er sie zu zeitlosen Statuen. Das mag für das Ego der Beteiligten schmeichelhaft sein, für eine ehrliche Dokumentation ist es jedoch ein Armutszeugnis.
Man muss sich fragen, warum wir als Zuschauer so bereitwillig an diese Mythen glauben. Vielleicht liegt es daran, dass wir uns nach einer Zeit sehnen, in der Musik noch greifbar war, bevor Algorithmen bestimmten, was wir hören. Der Film bedient diese Nostalgie meisterhaft. Er ist visuell berauschend, der Schnitt ist rhythmisch und der Ton ist – wie der Titel verspricht – laut und druckvoll. Aber hinter dem Lärm verbirgt sich eine erstaunliche Leere. Es werden kaum kritische Fragen gestellt. Warum hat Page so viele Blues-Künstler nicht als Co-Autoren genannt? Wie geht The Edge mit dem Vorwurf um, dass U2 längst zu einer globalen Marke mutiert ist, die mehr mit Steuersparmodellen als mit Punk-Attitüde zu tun hat? Solche Themen würden die glatte Oberfläche stören.
Skeptiker könnten einwenden, dass ein solcher Film gar nicht den Anspruch hat, eine kritische Biografie zu sein. Er wolle lediglich die Begeisterung für das Instrument einfangen. Das klingt zunächst plausibel. Doch wenn eine It Might Get Loud Documentary den Anspruch erhebt, die Essenz der elektrischen Gitarre zu zeigen, dann darf sie nicht die Hälfte der Realität ausblenden. Musik ist Arbeit, sie ist Schmutz, sie ist oft auch Scheitern und langweilige Wiederholung. Hier sieht alles mühelos aus, selbst der Kampf gegen die Technik wirkt wie eine choreografierte Balletteinlage. Das vermittelt angehenden Musikern ein völlig falsches Bild davon, was es bedeutet, eine eigene Stimme zu finden.
Warum das Instrument zur Nebensache wird
Wenn man den Ton ausschaltet und nur auf die Bilder achtet, erkennt man, dass es eigentlich um Architektur und Raum geht. Die Räume, in denen die Musiker stehen, sind wichtiger als das, was sie sagen. Sie sollen Größe und Geschichte atmen. Die Gitarre selbst wird dabei fast zum Accessoire degradiert. Sie ist das Requisit, das den Zutritt zu diesen heiligen Hallen ermöglicht. Wer wirklich verstehen will, wie sich die elektrische Gitarre entwickelt hat, sollte sich lieber mit den Ingenieuren von Fender oder Gibson beschäftigen oder mit den unzähligen namenlosen Musikern in den Clubs von Chicago und London, die ihre Amps bis zum Zerreißen aufdrehten, weil sie keine andere Wahl hatten.
Der Film ist eine Feier des Status Quo. Er feiert drei Männer, die es geschafft haben, und sagt uns: So sieht Erfolg aus. Er fordert uns nicht heraus, er beruhigt uns. Er bestätigt uns in dem Glauben, dass die alten Helden immer noch die besten sind und dass es nach ihnen kaum noch etwas von Bedeutung gab. Das ist eine konservative Sichtweise auf eine Kunstform, die eigentlich von der Zerstörung des Alten lebt. In einer Welt, in der die Gitarre in den Charts längst vom Synthesizer und der Workstation verdrängt wurde, wirkt dieser Film wie ein verzweifelter Versuch, die Relevanz eines sterbenden Mediums zu behaupten.
Vielleicht ist das der wahre Grund für die Existenz dieses Projekts. Es ist eine Form der Denkmalpflege. Während die reale Welt sich weiterdreht und neue Ausdrucksformen findet, ziehen sich diese drei Protagonisten in eine sorgfältig konstruierte Blase zurück. Sie spielen für sich selbst und für eine Kamera, die sie dabei beobachtet, wie sie sich gegenseitig bestätigen. Das ist legitim als Unterhaltung, aber man sollte es nicht mit einer tieferen Wahrheit über die Musik verwechseln. Wahre Innovation findet heute woanders statt, oft in Schlafzimmern mit billigen Laptops, weit weg von den teuren Vintage-Gitarren und den majestätischen Studiosetups, die uns hier als das Maß aller Dinge verkauft werden.
Man kann den Beteiligten ihren Enthusiasmus nicht absprechen. Wenn Page das Riff von Rumble hört und dazu Luftgitarre spielt, ist das ein schöner Moment menschlicher Begeisterung. Aber ein schöner Moment macht noch keine relevante Dokumentation. Was bleibt, wenn der letzte Akkord verklungen ist? Ein Gefühl der Sehnsucht nach einer Vergangenheit, die so wahrscheinlich nie existiert hat. Die Gitarre war nie nur ein magisches Objekt, sie war ein Werkzeug, ein Spielzeug und manchmal eine Waffe. In diesem Film wird sie zum Ausstellungsstück in einem Museum, dessen Kuratoren ihre eigenen Exponate am meisten bewundern.
Wir müssen aufhören, solche filmischen Denkmäler als Fakten zu konsumieren und anfangen, sie als das zu sehen, was sie sind: Mythenbildung in Hochglanzoptik. Die elektrische Gitarre verdient mehr als eine nostalgische Rückschau; sie verdient Musiker, die sie missbrauchen, die sie zweckentfremden und die sich nicht darum scheren, was Jimmy Page in einem Sessel in London darüber denkt. Echte Lautstärke entsteht nicht durch die Anzahl der Verstärkerwände, sondern durch die Reibung zwischen der Kunst und der ungeschönten Realität.
Die wahre Kraft der Musik liegt nicht in ihrer Geschichte, sondern in ihrer Fähigkeit, jeden Versuch der Heiligsprechung durch puren Lärm lächerlich zu machen.
