Manche Filme scheitern so spektakulär, dass sie ganze Genres mit in den Abgrund reißen, ohne dass das Publikum es im Moment des Einschlags sofort bemerkt. Es herrscht oft der Glaube, dass Fortsetzungen lediglich schwache Kopien ihrer Vorgänger sind, ein notwendiges Übel der Industrie. Doch bei A Good Day To Die Hard 2013 liegt die Sache anders gelagert. Dieser Film war nicht einfach nur ein schlechter Beitrag zu einer einst glorreichen Reihe. Er fungierte als der finale, schmerzhafte Beweis dafür, dass das handgemachte, charaktergetriebene Actionkino der achtziger und neunziger Jahre endgültig von einer seelenlosen, digitalen Effizienz abgelöst wurde. Wer behauptet, dieser Streifen sei lediglich ein belangloser Sommerblockbuster gewesen, verkennt die Tragweite der Zerstörung, die hier am Fundament einer Ikone angerichtet wurde. Es war das Jahr, in dem John McClane aufhörte, ein Mensch zu sein, und zu einer unzerstörbaren Comicfigur mutierte, was den Tod des bodenständigen Helden besiegelte.
Ich erinnere mich gut an die Stimmung vor dem Kinostart. Die Erwartungen waren nach dem vierten Teil, der bereits die Grenzen des physikalisch Machbaren strapaziert hatte, ohnehin gespalten. Doch was uns dann auf der Leinwand begegnete, entzog sich jeder logischen Einordnung in das bisherige Franchise. Der Regisseur John Moore schuf ein Werk, das die DNA seines Protagonisten nicht nur ignorierte, sondern aktiv bekämpfte. Wo früher Schweiß, Blut und die schiere Verzweiflung eines Mannes im Vordergrund standen, der zur falschen Zeit am falschen Ort war, regierte nun eine kalte, blau gefilterte Ästhetik. Das ist kein Zufall, sondern das Ergebnis einer Hollywood-Maschinerie, die Authentizität gegen globale Vermarktbarkeit eintauschte.
Die Demontage einer Legende durch A Good Day To Die Hard 2013
Der Kern des Missverständnisses liegt in der Figur des John McClane selbst. In den ersten drei Filmen war er der Jedermann. Er fluchte, er blutete, er hatte Angst. Er war der Typ, den man im Baumarkt trifft und der eigentlich nur nach Hause will. In dem fünften Abenteuer wurde er jedoch zu einer Art Superheld ohne Cape degradiert. Die Eröffnungsszene in Moskau, in der er sich durch den Verkehr pflügt, als gäbe es keine physikalischen Gesetze oder menschliches Leben, markiert den Punkt, an dem die Serie ihren moralischen Kompass verlor. Es ging nicht mehr um Rettung, sondern um Zerstörung als Selbstzweck. Das ist ein Problem, das weit über diesen einen Film hinausgeht. Es zeigt den Trend der Industrie, Figuren so weit zu glätten, bis sie in jedem Kulturkreis gleichermaßen funktionieren, weil sie keine Ecken und Kanten mehr besitzen.
Kritiker werfen oft ein, dass Actionfilme nun mal eskalieren müssen, um das Publikum bei der Stange zu halten. Höher, schneller, weiter. Das ist das klassische Argument der Studiobosse. Man könne dem Zuschauer im Jahr 2013 nicht mehr mit einem Mann im Unterhemd kommen, der durch Lüftungsschächte kriecht. Doch das ist ein Trugschluss. Die Stärke der Reihe lag nie in der Größe der Explosionen, sondern in der Fallhöhe des Helden. Wenn ein Charakter nicht mehr sterben kann, weil er Stürze aus Hubschraubern und tonnenschwere Trümmer überlebt, verliert die Action jeden Wert. Spannung entsteht durch Empathie, nicht durch Pixel-Gewitter. A Good Day To Die Hard 2013 eliminierte diese Empathie konsequent.
Der Verlust der narrativen Erdung
Ein Blick auf die Produktion offenbart das Dilemma. Das Drehbuch von Skip Woods wirkte wie eine Aneinanderreihung von Versatzstücken, die man aus anderen, besseren Spionagefilmen zusammengeklaubt hatte. Die Vater-Sohn-Dynamik zwischen John und Jack McClane blieb hölzern und ohne jede emotionale Resonanz. Man versuchte, eine Fackelübergabe zu inszenieren, die niemand wollte und die vor allem nicht funktionierte, weil der junge Jai Courtney keine Gelegenheit bekam, eine eigenständige Persönlichkeit zu entwickeln. Er war lediglich der Sidekick in einer Welt, die sich weigerte, ihren Hauptdarsteller alt werden zu lassen.
In Deutschland wurde der Film zwar kommerziell wahrgenommen, aber die Ernüchterung in der Fangemeinde war greifbar. Es war, als hätte man ein liebgewonnenes Ritual geschändet. Man muss sich klarmachen, was das für die Kinolandschaft bedeutete. Wenn selbst eine Marke, die für Qualität und Innovation im Actionbereich stand, so tief sinken konnte, war kein Franchise mehr sicher. Die Mechanik des Erfolgs wurde wichtiger als die Kunst des Erzählens. Das sieht man an der Kameraarbeit, die so hektisch und unübersichtlich war, dass man oft gar nicht wusste, wer gerade auf wen schoss. Das ist kein Stilmittel, das ist handwerkliche Kapitulation vor der Komplexität einer echten Choreografie.
Warum wir das Scheitern von A Good Day To Die Hard 2013 unterschätzt haben
Es gibt Leute, die behaupten, man solle das alles nicht so ernst nehmen. Es sei schließlich nur Unterhaltung. Aber diese Haltung ist gefährlich, weil sie Mittelmäßigkeit legitimiert. Wenn wir als Zuschauer akzeptieren, dass unsere Helden zu Karikaturen verkommen, verlieren wir den Anspruch an das Geschichtenerzählen. Die Frage ist doch, warum wir uns diese Filme überhaupt ansehen. Wir wollen jemanden sehen, der gegen unüberwindbare Hindernisse kämpft und dabei über sich hinauswächst. In diesem speziellen Fall gab es keine Hindernisse, nur Kulissen, die beiseite geräumt wurden.
Die Zerstörung des McClane-Mythos hatte langfristige Folgen. Danach traute sich kaum noch ein Studio, einen großen Actionfilm mit einem verwundbaren, älteren Helden zu drehen, ohne ihn sofort in ein übernatürliches oder extrem stilisiertes Umfeld zu versetzen. Die Rohheit der achtziger Jahre wurde durch die sterile Sauberkeit der digitalen Postproduktion ersetzt. Selbst die berühmten Oneliner, die früher trocken und situativ waren, wirkten hier wie aus einer Marketing-Broschüre vorgelesen. "Ich bin im Urlaub", wiederholte McClane gebetsmühlenartig, als wollte der Film uns ständig daran erinnern, wie lustig das alles eigentlich sein sollte. Es war nicht lustig. Es war traurig.
Die Illusion von Größe
Interessanterweise zeigt eine Analyse der Einspielergebnisse, dass der Film international durchaus Geld einspielte, besonders in Märkten, die weniger Wert auf Dialoge und mehr auf visuelle Reize legen. Das ist der Kern des Problems. Hollywood produziert heute für einen globalen Algorithmus. Dieser Algorithmus verlangt nach klaren Fronten, wenig Komplexität und viel Lärm. Die Nuancen, die das Original aus dem Jahr 1988 zu einem Meisterwerk machten – die klaustrophobische Atmosphäre im Nakatomi Plaza, der charismatische Bösewicht Hans Gruber, die subtile Kritik am Yuppie-Tum der Reagan-Ära – wurden hier komplett weggewischt. Übrig blieb ein hohles Skelett.
Man kann argumentieren, dass das Publikum genau das wollte. Die Zahlen lügen angeblich nicht. Aber hohe Umsätze sind kein Beweis für Qualität, sondern oft nur für ein gut funktionierendes Vertriebsnetz. Wer sich heute die Rezensionen auf Portalen wie Rotten Tomatoes oder Metacritic ansieht, erkennt eine tiefe Kluft zwischen dem kurzfristigen Erfolg an der Kinokasse und dem langfristigen Ansehen des Werks. Er wird fast durchgehend als der Tiefpunkt der gesamten Saga betrachtet. Das ist die eigentliche Realität, der wir uns stellen müssen. Wir haben zugesehen, wie eine Legende demontiert wurde, und haben dafür bezahlt.
Die kulturelle Leere nach dem Knall
Was bleibt übrig, wenn der Staub sich legt? Wenn wir diesen fünften Teil heute betrachten, wirkt er wie ein Relikt aus einer Zeit, in der man glaubte, CGI könne alles ersetzen. Sogar Charisma. Bruce Willis wirkte in vielen Szenen abwesend, fast so, als wollte er lieber überall sonst sein als an diesem Set in Budapest, das für Moskau herhalten musste. Diese Lustlosigkeit übertrug sich auf das gesamte Produkt. Es gibt keine denkwürdige Szene, keinen Moment, der im kollektiven Gedächtnis geblieben wäre – außer vielleicht die absurde Verfolgungsjagd am Anfang, die eher durch ihre Sinnlosigkeit besticht.
Es ist nun mal so, dass Filme auch ein Spiegel ihrer Zeit sind. 2013 war das Jahr, in dem das Marvel Cinematic Universe endgültig die Vorherrschaft übernahm. Die Studios versuchten verzweifelt, ihre alten Marken an dieses neue Tempo und diese neue Ästhetik anzupassen. Aber John McClane passt nicht in eine Welt von Avengers. Er ist ein Relikt aus einer Zeit des Kalten Krieges und der handfesten Polizeiarbeit. Ihn in ein Szenario rund um angereichertes Uran und tschernobyl-bezogene Verschwörungen zu werfen, war ein fundamentaler Designfehler. Es passte hinten und vorne nicht zusammen.
Man kann das Ganze als eine Warnung sehen. Es zeigt uns, was passiert, wenn Markenführung über kreative Visionen triumphiert. Die Geschichte des Kinos ist voll von solchen Beispielen, aber selten war der Fall so tief. Wir müssen lernen, wieder zwischen echter Action und bloßer Reizüberflutung zu unterscheiden. Echte Action hat Konsequenzen. In diesem Film hatte nichts Konsequenzen. Autos explodierten im Dutzend, ganze Häuserblocks wurden dem Erdboden gleichgemacht, und am Ende flogen die Helden einfach nach Hause, als wäre nichts gewesen. Das ist die ultimative Beleidigung für die Intelligenz des Zuschauers.
Ein Wendepunkt ohne Rückkehr
Skeptiker mögen sagen, ich sei zu hart. Man müsse das als das sehen, was es ist: Popcorn-Kino. Aber genau diese Ausrede ist der Grund, warum die Qualität im Mainstream-Sektor so oft stagniert. Wenn wir keine Ansprüche mehr stellen, bekommen wir auch nichts Anspruchsvolles mehr. Wir verdienen bessere Geschichten. Wir verdienen Helden, die uns etwas bedeuten. Die Art und Weise, wie hier mit dem Erbe umgegangen wurde, ist symptomatisch für eine Branche, die Angst vor Risiken hat und deshalb lieber auf Nummer sicher geht – und dabei ironischerweise alles riskiert, was die Marke wertvoll gemacht hat.
Man darf nicht vergessen, dass Actionfilme früher auch soziale Kommentare waren. Das Original reflektierte die Angst vor der Übernahme durch japanische Konzerne und die Zerbrechlichkeit der amerikanischen Männlichkeit. Der dritte Teil spielte mit den rassistischen Spannungen in New York. Und was bot uns dieser Beitrag? Eine vage Angst vor russischen Oligarchen, die so klischeehaft dargestellt wurden, dass es fast schon schmerzte. Es gab keine Substanz, nur Oberfläche. Diese Leere ist das, was mich am meisten stört. Es wurde eine Chance vertan, die Figur des alternden Polizisten in einer sich rasant verändernden Welt würdevoll weiterzuentwickeln.
Stattdessen bekamen wir ein lautes Nichts. Ein Nichts, das so viel Lärm machte, dass man den Verstand verlieren konnte. Es ist wichtig, das klar zu benennen. Wir müssen aufhören, solche Produktionen mit dem Label "solide Unterhaltung" zu entschuldigen. Sie sind das Äquivalent zu Fast Food, das nicht nur ungesund ist, sondern nach einer Weile auch den Geschmackssinn für echte Delikatessen verdirbt. Wer nur noch diesen digitalen Einheitsbrei konsumiert, vergisst irgendwann, wie sich eine echte, physische Actionszene anfühlt, bei der man den Atem anhält, weil man um das Leben des Protagonisten fürchtet.
Wir sollten diesen Film als das betrachten, was er ist: ein Lehrstück darüber, wie man eine Ikone nicht behandelt. Er dient als Mahnmal für alle Drehbuchautoren und Regisseure, die glauben, dass mehr Budget automatisch mehr Qualität bedeutet. Das Gegenteil ist oft der Fall. Die besten Momente der Filmgeschichte entstanden aus Einschränkungen, aus der Notwendigkeit heraus, kreativ zu werden, weil man eben nicht alles mit dem Computer lösen konnte. Diese Kreativität fehlte hier an allen Ecken und Enden.
Die wahre Erkenntnis ist, dass wir nicht John McClane verloren haben, sondern unsere Fähigkeit, das Besondere im Alltäglichen zu suchen. Wir haben uns von der schieren Größe blenden lassen und dabei die Seele der Erzählung aus den Augen verloren. Es ist an der Zeit, dass wir uns wieder auf Filme besinnen, die uns nicht nur visuell überwältigen, sondern die uns auch nach dem Abspann noch beschäftigen. Filme, die uns zeigen, dass es sich lohnt zu kämpfen, auch wenn man keine Superkräfte hat.
Der Mythos des unbesiegbaren Jedermanns starb nicht durch eine Kugel, sondern durch die völlige Abwesenheit von Menschlichkeit in einer Welt aus glattpolierten Pixeln.
