Manche Menschen betrachten Popkultur als ein harmloses Archiv unserer kollektiven Erinnerungen, doch in Wahrheit fungiert sie oft als ein Filter, der den Blick auf das Neue radikal verstellt. Wer heute an das Jahr 2017 zurückdenkt, landet unweigerlich bei der Erkenntnis, dass Kuratierung zu einer Waffe gegen die musikalische Neugier geworden ist. Das prominenteste Beispiel für diesen schleichenden Prozess der kulturellen Rückwärtsgewandtheit findet sich in der Vermarktung und Rezeption von Gotg Awesome Mix Vol 2. Während Millionen von Hörern glaubten, durch diese Zusammenstellung einen Schatz an vergessenen Klassikern zu heben, passierte unter der Oberfläche genau das Gegenteil. Wir haben es hier nicht mit einer Feier der Musikgeschichte zu tun, sondern mit einer hochgradig kalkulierten Konservierung des Bekannten, die jeden Anspruch auf echte Entdeckung im Keim erstickte.
Die landläufige Meinung besagt, dass James Gunn mit seiner Auswahl ein Meisterwerk der emotionalen Untermalung geschaffen hat. Kritiker lobten die Art und Weise, wie die Songs die Familiendynamik der Protagonisten spiegelten. Doch diese Sichtweise ignoriert den ökonomischen und psychologischen Preis, den wir für diese Art von Nostalgie-Häppchen zahlen. Wenn Musik nur noch als emotionaler Trigger für bereits bekannte filmische Momente dient, verliert sie ihren Wert als eigenständiges Kunstwerk. Ich behaupte, dass diese Form der Zusammenstellung das Publikum dazu erzogen hat, nur noch das zu schätzen, was bereits mit einem Gütesiegel der Vergangenheit versehen ist. Es ist die Kapitulation vor der Gegenwart.
Die kalkulierte Sehnsucht in Gotg Awesome Mix Vol 2
Es gibt einen tiefen Graben zwischen echter Nostalgie und dem, was man als industriell gefertigte Sehnsucht bezeichnen könnte. Wer die Titelliste betrachtet, sieht sofort das Muster einer perfekt kalibrierten Maschine. Wir finden dort Stücke, die gerade so weit entfernt sind, dass sie sich nach Entdeckung anfühlen, aber gleichzeitig so tief im westlichen Radio-Gedächtnis verankert bleiben, dass niemand überfordert wird. Das ist kein Zufall. Die Auswahl funktioniert wie ein Algorithmus, bevor Spotify-Algorithmen unseren Alltag vollständig dominierten. Man nimmt ein bisschen Electric Light Orchestra, rührt eine Prise Fleetwood Mac unter und garniert das Ganze mit einem obskureren Track wie Lake’s It’s Over, um dem Hörer das Gefühl zu geben, er würde gerade etwas wirklich Besonderes hören.
In Wirklichkeit ist diese Form der Kuratierung eine Sicherheitsmaßnahme. Die Filmstudios und Plattenlabels gehen kein Risiko ein. Sie nutzen die emotionale Verbindung, die du bereits zu diesen Klängen hast, um eine Bindung an die Marke zu erzwingen. Das ist geschickt, aber es ist auch manipulativ. Wenn du im Kino sitzt und Tränen in den Augen hast, weil Father and Son von Cat Stevens spielt, dann weinst du nicht wegen der Szene auf der Leinwand. Du weinst, weil der Song bereits Jahrzehnte an persönlicher Geschichte in deinem Kopf mitbringt. Der Film leiht sich diese Emotionen lediglich aus, ohne sie selbst durch originäres Handwerk verdienen zu müssen.
Der Mechanismus der musikalischen Leihgabe
Man muss verstehen, wie die Musikindustrie heute funktioniert, um die Tragweite dieser Entwicklung zu begreifen. Ein Song wie Brandy (You’re a Fine Girl) erlebte nach dem Einsatz im Film einen massiven Anstieg der Streaming-Zahlen. Das wirkt auf den ersten Blick wie ein Sieg für die Künstler der 70er Jahre. Man könnte argumentieren, dass eine neue Generation an alte Musik herangeführt wird. Aber zu welchem Preis? Die Musik wird aus ihrem ursprünglichen Kontext gerissen und fest mit einem Comic-Franchise verschmolzt. Wenn ein junger Mensch heute Looking Glass hört, sieht er einen sprechenden Waschbären vor sich, anstatt den Song als Produkt seiner Zeit und seiner eigenen ästhetischen Merkmale wahrzunehmen.
Dieser Prozess der semantischen Umdeutung führt dazu, dass Musik zu einer bloßen Requisite degradiert wird. Experten wie der Kulturtheoretiker Mark Fisher haben oft darüber geschrieben, wie unsere Gesellschaft unfähig geworden ist, sich eine Zukunft vorzustellen, die nicht aus den Trümmern der Vergangenheit besteht. Diese Zusammenstellung ist das klangliche Äquivalent zu dieser Unfähigkeit. Wir stecken in einer Feedbackschleife fest. Wir konsumieren das, was unsere Eltern konsumierten, aber ohne den rebellischen Geist, der diese Musik einst ausmachte. Es ist nun mal so, dass Rebellion sich nicht gut verkauft, wenn sie in einen Milliarden-Dollar-Blockbuster integriert werden soll.
Warum die Qualität der Songs das Problem kaschiert
Skeptiker werden nun einwenden, dass die Songs an sich schlichtweg gut sind. Wer könnte ernsthaft etwas gegen Mr. Blue Sky sagen? Das ist das stärkste Argument der Verteidiger: Wenn die Qualität stimmt, spielt die Absicht keine Rolle. Doch genau hier liegt der Denkfehler. Die individuelle Qualität der Lieder dient als Schutzschild gegen die Kritik an der strukturellen Faulheit des Konzepts. Nur weil ein Gericht aus exzellenten Zutaten besteht, heißt das nicht, dass die Zusammenstellung innovativ oder gesund ist. Wenn wir uns nur noch von den Filetstücken der Musikgeschichte ernähren, verkümmern unsere Geschmacksnerven für alles, was experimentell, kantig oder schlichtweg neu ist.
Die Macht der Gewohnheit ist ein unterschätzter Faktor in der Unterhaltungsindustrie. Wir fühlen uns wohl, wenn wir Harmonien hören, die wir seit der Kindheit kennen. Aber Kunst sollte nicht nur dazu da sein, dass wir uns wohlfühlen. Sie sollte uns herausfordern. Die Musik in diesem Film tut das exakte Gegenteil. Sie betäubt uns mit Vertrautheit. Es ist die akustische Version einer warmen Decke, während draußen die Welt der zeitgenössischen Musik brennt und sich niemand mehr die Mühe macht, dort nach echtem Ausdruck zu suchen.
Die Illusion der Kuration
Echte Kuration bedeutet, Zusammenhänge herzustellen, die vorher nicht existierten. Es geht darum, das Verborgene ans Licht zu bringen. Wenn man sich jedoch die Trackliste ansieht, die als Gotg Awesome Mix Vol 2 vermarktet wurde, erkennt man eine Liste, die fast identisch von jedem klassischen Rock-Radiosender in Deutschland oder den USA stammen könnte. Wo ist das Wagnis? Wo ist der Mut, Musik aus anderen Kulturen oder Genres zu integrieren, die den kosmischen Rahmen der Erzählung wirklich widerspiegeln würden? Man entschied sich stattdessen für den kleinsten gemeinsamen Nenner des weißen Mittelklasse-Radios der 70er Jahre.
Das System funktioniert deshalb so reibungslos, weil es uns schmeichelt. Es suggeriert uns, wir hätten einen exquisiten Geschmack, weil wir diese alten Perlen schätzen. In Wahrheit folgen wir nur einem vorgegebenen Pfad. Die Musik wird uns nicht präsentiert, damit wir sie entdecken, sondern damit wir uns selbst in unserer vermeintlichen Kennerschaft bestätigt fühlen. Es ist ein geschlossener Kreislauf der Eitelkeit, der die eigentliche Funktion von Kunst – die Erweiterung des Horizonts – komplett aushebelt.
Die kulturelle Erosion durch den Nostalgie-Zwang
Wenn wir diesen Trend zu Ende denken, landen wir in einer Welt, in der neue Musik keine Chance mehr hat, kulturelle Relevanz zu erlangen. Die Dominanz von Katalogen gegenüber Neuerscheinungen ist ein statistisch belegtes Phänomen. Laut Daten von Luminate macht die sogenannte Katalog-Musik mittlerweile über siebzig Prozent des Marktes in den USA aus. Projekte, die diese Entwicklung befeuern, tragen eine Mitverantwortung für die finanzielle und kulturelle Auszehrung lebender Künstler. Warum sollte ein Studio in einen neuen Komponisten oder eine junge Band investieren, wenn es einfach die emotionalen Ernten der Vergangenheit einfahren kann?
Ich habe in den letzten Jahren oft mit Musikproduzenten gesprochen, die verzweifelt versuchen, Budgets für originäre Soundtracks zu bekommen. Die Antwort ist fast immer dieselbe: Gib uns etwas, das klingt wie damals. Gib uns etwas, das die Leute sofort wiedererkennen. Diese Angst vor dem Unbekannten ist das Gift, das die Kreativität lähmt. Wir haben eine Generation von Filmemachern erzogen, die glauben, dass ein gut platzierter Song von George Harrison ein schwaches Drehbuch retten kann. Und das Schlimmste daran ist, dass das Publikum ihnen recht gibt.
Die Verantwortung des Hörers
Du fragst dich vielleicht, was daran so schlimm sein soll. Es ist doch nur Musik in einem Film. Doch die Summe dieser Entscheidungen formt unser kulturelles Klima. Wenn wir akzeptieren, dass die Vergangenheit die einzige Quelle für Qualität ist, geben wir die Hoffnung auf eine eigenständige kulturelle Identität unserer eigenen Ära auf. Wir werden zu Verwaltern eines Museums, anstatt die Architekten einer neuen Welt zu sein. Die Begeisterung für solche Retrowellen ist oft nur eine Flucht vor der Komplexität der Gegenwart.
Es ist bezeichnend, dass gerade im Bereich der Science-Fiction, dem Genre, das eigentlich in die Zukunft schauen sollte, dieser Rückzug in die Vergangenheit so extrem ausfällt. Wir fliegen zu den Sternen, hören dabei aber die Platten, die schon auf der Erde des letzten Jahrhunderts im Ausverkauf waren. Das ist ein paradoxer Stillstand. Es zeigt eine tiefe Sehnsucht nach einer Zeit, die wir als einfacher und authentischer wahrnehmen, auch wenn diese Wahrnehmung selbst ein Konstrukt der Medien ist.
Der Mythos der organischen Verbindung
James Gunn betont oft, wie organisch die Musik in die Handlung eingeflochten sei. Er erzählt die Geschichte von Peter Quill, der durch die Kassette mit seiner verstorbenen Mutter verbunden bleibt. Das ist eine starke erzählerische Klammer, keine Frage. Aber sie dient auch als perfektes Alibi für eine kommerzielle Strategie. Durch die Personalisierung des Soundtracks wird Kritik als Angriff auf eine emotionale Figur gewertet. Man kritisiert nicht die Marketingabteilung von Disney, sondern das Erbe einer fiktiven Mutter. Das ist ein genialer Schachzug der emotionalen Abschirmung.
Doch wir müssen diese Trennung vornehmen. Wir müssen in der Lage sein, die handwerkliche Qualität eines Films zu schätzen, während wir gleichzeitig die Mechanismen hinterfragen, die unsere Hörgewohnheiten manipulieren. Die Musikindustrie hat in der Zusammenstellung alter Hits einen Goldesel gefunden, der kaum Kosten verursacht, aber maximale Rendite verspricht. Die Lizenzgebühren für diese Songs sind hoch, aber das Marketingrisiko ist gleich null. Ein neuer Song müsste erst mühsam etabliert werden. Ein alter Hit bringt sein eigenes Publikum mit.
Ein Plädoyer für das Unbekannte
Die Zukunft der Musik hängt davon ab, ob wir bereit sind, uns wieder auf das Wagnis des Unhörbaren einzulassen. Wir brauchen Soundtracks, die uns verstören, die uns neue Klangwelten eröffnen und die nicht als Best-of-Sammlung für die nächste Grillparty konzipiert sind. Wir müssen aufhören, Kuration mit Bequemlichkeit zu verwechseln. Nur weil eine Liste von Songs gut hintereinander wegfließt, ist sie noch lange kein kultureller Beitrag von Wert. Echte Expertise zeigt sich darin, Dinge zusammenzubringen, die eigentlich nicht zusammengehören, und daraus etwas völlig Neues entstehen zu lassen.
Wenn wir weiterhin jede nostalgische Welle als Geniestreich feiern, werden wir irgendwann in einer Welt aufwachen, in der keine neue Note mehr gespielt wird, die nicht vorher von einer Fokusgruppe auf ihren Wiedererkennungswert geprüft wurde. Die Gefahr ist nicht, dass die alte Musik schlecht ist. Die Gefahr ist, dass sie so gut und so präsent ist, dass sie der neuen Musik den Sauerstoff zum Atmen nimmt. Wir ersticken an der Exzellenz unserer Vorfahren, weil wir vergessen haben, wie man selbst atmet.
Wir müssen die kuratierte Nostalgie als das sehen, was sie ist: Eine komfortable Sackgasse, die uns vorgaukelt, wir würden eine Reise unternehmen, während wir in Wahrheit nur im Kreis fahren.
Die wahre Entdeckung beginnt erst dort, wo der Wiedererkennungswert endet und die Unsicherheit über das, was wir gerade hören, uns dazu zwingt, wirklich zuzuhören.
