Das Kinojahr 2016 hinterließ eine filmische Leiche, über die heute kaum noch jemand spricht, obwohl sie das Geschäftsmodell Hollywoods nachhaltiger erschütterte als so mancher Oscar-Preisträger. Wer heute an The Huntsman and the Ice Queen Film denkt, erinnert sich meist an ein visuell überladenes Spektakel, das irgendwie versuchte, die Lücke zu füllen, die Kristen Stewart nach ihrem turbulenten Abgang aus dem Franchise hinterlassen hatte. Doch die herrschende Meinung, es handele sich lediglich um eine missglückte Fortsetzung, greift zu kurz. In Wahrheit war diese Produktion das perfekte Symptom einer Industrie, die den Kontakt zur erzählerischen Notwendigkeit verloren hatte. Es war der Moment, in dem das Publikum kollektiv entschied, dass bekannte Gesichter und teure Kostüme nicht mehr ausreichen, um eine Geschichte zu rechtfertigen, die eigentlich gar nicht erzählt werden wollte. Das Werk scheiterte nicht an seinem Cast, sondern an der Hybris, ein Spin-off als notwendiges Epos zu verkaufen.
Hollywood glaubte damals fest an die Unbesiegbarkeit des Franchise-Modells. Wenn ein Film wie der Vorgänger weltweit fast 400 Millionen Dollar einspielte, war die logische Konsequenz für die Studiobosse von Universal Pictures eine Erweiterung dieses Universums. Man strich die Hauptfigur – Schneewittchen – und konzentrierte sich auf den Jäger. Das klingt auf dem Papier nach einer mutigen Dekonstruktion, war in der Praxis aber der verzweifelte Versuch, eine Marke am Leben zu erhalten, deren Kern bereits vollständig ausgeschöpft war. Ich erinnere mich gut an die ersten Trailer, die uns eine Welt versprachen, die düsterer und epischer sein sollte als alles zuvor. Doch was wir bekamen, war ein narratives Flickwerk, das verzweifelt versuchte, Prequel und Sequel zugleich zu sein, ohne jemals eine eigene Identität zu finden.
Das strukturelle Scheitern von The Huntsman and the Ice Queen Film
Das größte Problem bei diesem Unterfangen lag in der fundamentalen Fehlinterpretation dessen, was ein Märchen im 21. Jahrhundert leisten muss. Ein Märchen lebt von seiner klaren Moral und seiner archetypischen Kraft. Wenn man jedoch anfängt, diese Archetypen mit so viel psychologischem Ballast und komplizierten Hintergrundgeschichten zu überladen, dass die ursprüngliche Magie verloren geht, bleibt nur ein hohles Gerüst übrig. Die Geschichte der Eiskönigin Freya, gespielt von Emily Blunt, hätte ein faszinierendes Psychogramm über Trauer und Macht sein können. Stattdessen wurde sie in ein Korsett aus Spezialeffekten gezwängt, das ihr kaum Raum zum Atmen ließ. Man wollte den Erfolg von Disneys Frozen kopieren und ihn mit der Ästhetik von Game of Thrones kreuzen. Das Ergebnis war eine seltsame Chimäre, die weder die Kinder noch die Erwachsenen wirklich abholte.
Kritiker werfen dem Projekt oft vor, es sei lieblos produziert worden. Das ist falsch. Wenn man sich die Kostüme von Colleen Atwood ansieht, erkennt man eine Detailverliebtheit, die ihresgleichen sucht. Das Budget war auf der Leinwand in jeder Sekunde sichtbar. Doch genau hier liegt der Hund begraben: Man investierte in die Hülle, während das Herz der Erzählung längst aufgehört hatte zu schlagen. Die Industrie übersah, dass das Publikum eine feine Antenne dafür entwickelt hatte, wann ein Film aus künstlerischem Drang entsteht und wann er lediglich eine Excel-Tabelle der Marketingabteilung ist. Der Versuch, eine epische Vorgeschichte zu konstruieren, die den ersten Teil nachträglich mit Bedeutung aufladen sollte, wirkte konstruiert und unaufrichtig. Es war die Geburtsstunde des "Content", wie wir ihn heute hassen: hohl, glattgebügelt und austauschbar.
Die Illusion der Starpower
Oft wird argumentiert, dass eine Besetzung bestehend aus Chris Hemsworth, Charlize Theron, Emily Blunt und Jessica Chastain praktisch eine Garantie für Erfolg sein müsste. Wer könnte diesen vier Schauspielern auf dem Höhepunkt ihres Schaffens widerstehen? Skeptiker behaupten, das Marketing habe versagt oder der Veröffentlichungstermin sei ungünstig gewählt gewesen. Doch die Wahrheit ist schmerzhafter für die Traumfabrik. Diese geballte Ladung an Talent konnte das Drehbuch nicht retten, weil die Chemie zwischen den Figuren einer mathematischen Formel glich statt echtem menschlichem Empfinden. Wir sahen keine Charaktere, wir sahen Hollywood-Stars in teuren Kleidern, die sichtlich Mühe hatten, gegen die künstlichen CGI-Landschaften anzuspielen.
Man kann den Schauspielern keinen Vorwurf machen. Charlize Theron etwa legte in ihre Darstellung der Ravenna eine theatralische Wucht, die fast schon campy war, was dem Ganzen zumindest eine gewisse Unterhaltsamkeit verlieh. Aber selbst ihre Präsenz konnte nicht darüber hinwegtäuschen, dass die Motivationen ihrer Figur im luftleeren Raum hingen. Wenn die Antagonistin nur böse ist, weil das Skript es verlangt, und die Helden nur kämpfen, weil sie die Helden sind, dann bricht das narrative Vertrauensverhältnis zum Zuschauer. In Deutschland, wo wir eine tiefe kulturelle Verbindung zu den Originalmärchen der Gebrüder Grimm haben, wirkte diese amerikanisierte, aufgeblasene Version besonders fremd. Wir verstehen Märchen als dunkle Lektionen über das Menschsein, nicht als Vorwand für eine weitere Schlachtszene, die aussieht wie aus einem Videospiel.
Die wirtschaftliche Lektion einer gescheiterten Expansion
Der finanzielle Absturz war beispiellos. Bei Produktionskosten von über 115 Millionen Dollar – Marketing nicht eingerechnet – spielte das Werk weltweit nur etwa 165 Millionen Dollar ein. Für ein Studio ist das ein Desaster. Es markierte das Ende der Ambitionen, aus der Jäger-Figur ein langlebiges Franchise zu machen. Doch warum ist das heute noch relevant? Weil es die Art und Weise verändert hat, wie große Studios über Spin-offs denken. Nach diesem Debakel wurde man vorsichtiger. Die Ära, in der man einfach eine Nebenfigur nahm und ihr einen 100-Millionen-Dollar-Film widmete, ohne eine wirklich tragfähige Idee zu haben, neigte sich dem Ende zu.
Die Fehlkalkulation des Publikumsgeschmacks
Ein häufiger Trugschluss in der Branche ist die Annahme, dass das Publikum immer "mehr vom Gleichen" will. Man dachte, wenn die Leute den Jäger im ersten Teil mochten, würden sie ihn in einem eigenen Film lieben. Dabei ignorierte man, dass seine Funktion im ersten Teil gerade darin bestand, der mysteriöse Begleiter zu sein. Sobald man das Licht anmacht und jedes Detail seiner Vergangenheit in der Ausbildung einer Kindersoldaten-Armee erklärt, verschwindet der Reiz. Das ist ein Phänomen, das wir später auch bei anderen Franchises wie Star Wars und dem Solo-Film beobachten konnten. Manche Dinge sind besser, wenn sie im Schatten bleiben. Die Neugier der Zuschauer ist ein endliches Gut, das man nicht ungestraft melken kann.
Man muss sich vor Augen führen, dass The Huntsman and the Ice Queen Film in einer Zeit erschien, in der das Marvel Cinematic Universe gerade lernte, wie man Charaktere über Jahre hinweg organisch aufbaut. Universal hingegen versuchte, den Erfolg zu erzwingen. Man wollte ein Universum aus dem Boden stampfen, das keine Wurzeln hatte. Während Disney mühsam Stein auf Stein setzte, wollte man hier den Wolkenkratzer bauen, bevor das Fundament trocken war. Diese Ungeduld ist es, die viele moderne Blockbuster heute noch plagt. Man plant die Trilogie, bevor das Drehbuch für den ersten Teil steht. Das Ergebnis ist oft eine Geschichte, die sich wie eine zweistündige Einleitung für etwas anfühlt, das niemals kommen wird.
Warum wir das Märchen-Genre fast beerdigt hätten
Es gibt eine interessante Beobachtung, die man in der Kinolandschaft nach 2016 machen konnte. Die Flut an Realverfilmungen von Märchen, die nach dem Erfolg von Alice im Wunderland (2010) eingesetzt hatte, kühlte merklich ab oder verlagerte sich fast ausschließlich zu Disney, die ihre eigenen Zeichentrick-Klassiker recycelten. Andere Studios ließen die Finger davon. Dieses spezifische Feld der "düsteren Märchen-Neuinterpretation" wurde durch die hier besprochene Produktion effektiv vergiftet. Man hatte das Vertrauen der Zuschauer in diese Art von Erzählung verspielt. Es war nun mal so: Die Leute hatten genug von Spiegeln, Eiszaubern und schicksalhaften Prophezeiungen, die sich anfühlten, als kämen sie aus einem Zufallsgenerator für Fantasy-Tropen.
Die Ironie der Geschichte ist, dass das Werk handwerklich absolut solide war. Die Kameraarbeit von Phedon Papamichael war oft atemberaubend, und die Regie von Cedric Nicolas-Troyan, der zuvor für die visuellen Effekte zuständig gewesen war, zeigte ein hohes Maß an technischem Verständnis. Aber ein Film ist eben mehr als die Summe seiner Pixel. Wenn wir heute zurückblicken, sehen wir ein Monument der Verschwendung. Es ist ein Mahnmal dafür, dass man Charisma nicht herstellen kann, indem man berühmte Gesichter vor eine Green Screen stellt und sie Sätze sagen lässt, die nach Pathos klingen, aber keine Substanz haben.
Ich habe oft mit Brancheninsidern darüber gesprochen, warum gerade dieses Projekt so kolossal danebenging. Die Antwort war fast immer die gleiche: Es gab keinen "Warum-Faktor". Es gab keinen Grund, warum dieser Film existieren musste, außer um Geld zu verdienen. Und das Publikum spürt das. Es ist eine fast schon poetische Gerechtigkeit, dass ein Film über eine kalte Eiskönigin an der eigenen emotionalen Kälte scheiterte. Man kann die Herzen der Menschen nicht mit Spezialeffekten erwärmen, wenn die Geschichte dahinter so tiefgefroren ist wie das Schloss von Freya.
Man kann behaupten, dass das Scheitern dieses Films den Weg für mutigere, kleinere Produktionen ebnete, weil die Studios merkten, dass das Mittelmaß im Blockbuster-Bereich den sicheren Ruin bedeutet. Entweder man liefert etwas absolut Einzigartiges, oder man lässt es bleiben. Der Jäger und seine Eiskönigin waren weder das eine noch das andere. Sie waren der Versuch, eine sichere Nummer zu spielen, die sich als das größte Risiko von allen herausstellte. Wer heute durch die Streaming-Kataloge scrollt und auf diesen Titel stößt, sieht ein Relikt einer vergangenen Ära der Hollywood-Logik.
Es ist leicht, über die Schwächen zu spotten, aber wir sollten das Werk eher als eine wichtige Warnung begreifen. Es zeigt uns, dass die Zuschauer nicht so leicht zu manipulieren sind, wie manche Marketingstrategen glauben. Ein Film braucht eine Seele, einen Funken Wahnsinn oder zumindest eine Geschichte, die es wert ist, erzählt zu werden. Wenn diese Elemente fehlen, hilft auch der teuerste Spiegel an der Wand nicht weiter. Die Lektion ist klar: Ein Franchise ohne Identität ist wie ein Märchen ohne Moral – am Ende erinnert sich niemand an die Details, sondern nur an das schale Gefühl der Leere nach dem Abspann.
Die wahre Tragik liegt darin, dass wir hier vier der besten Schauspieler unserer Zeit in einem Vakuum arbeiten sahen. Wenn man bedenkt, was diese Talente in anderen Rollen leisten können, schmerzt die Verschwendung umso mehr. Es bleibt die Erkenntnis, dass das Blockbuster-Kino der 2010er Jahre an seiner eigenen Gigantomanie krankte. Man baute immer größere Bühnen für immer kleinere Ideen. Dieser Film war der Moment, in dem die Bühne unter dem Gewicht der eigenen Belanglosigkeit zusammenbrach und uns alle mit der Frage zurückließ, warum wir überhaupt zugesehen haben.
Wahre filmische Magie lässt sich nicht durch die bloße Abwesenheit von Fehlern oder die Anwesenheit von Stars erzwingen, sondern nur durch den Mut zum Risiko, den diese kalkulierte Produktion niemals aufzubringen wagte.
