i dont wanna be me tab

Manche Songs erkennt man sofort an den ersten zwei Sekunden. Wenn Kenny Hickey seine Gitarre tief stimmt und diesen zähen, grünen Sound aus den Boxen drückt, weiß jeder Fan sofort Bescheid. Type O Negative haben mit ihrem Hit von 2003 ein echtes Monster erschaffen. Wer heute versucht, den I Dont Wanna Be Me Tab zu finden und nachzuspielen, merkt schnell, dass es nicht nur um die richtigen Noten geht. Es geht um die Stimmung. Es geht um den Dreck unter den Fingernägeln und diesen speziellen Vibe, den nur Peter Steele und seine Jungs so hinbekommen haben. Ich habe diesen Song dutzende Male live gesehen und selbst auf der Bühne gespielt. Eines kann ich dir sagen: Die meisten Online-Versionen dieser Griffschriften sind schlichtweg falsch oder zumindest unvollständig.

Warum die Suche nach dem I Dont Wanna Be Me Tab oft frustriert

Die meisten Gitarristen machen am Anfang den gleichen Fehler. Sie nehmen ihre Standard-E-Gitarre, lassen sie auf E-Standard gestimmt und wundern sich, warum der Song nach billigem Pop-Punk klingt. Das ist das erste große Hindernis. Type O Negative haben fast ausschließlich in B-Standard gestimmt. Das bedeutet, du musst jede Saite deiner Gitarre um zweieinhalb Töne nach unten schrauben. Deine dicke E-Saite wird also zu einer B-Saite (deutsch: H). Wenn du das mit normalen 09er oder 10er Saitensätzen versuchst, hängen die Drähte wie schlaffe Gummibänder an deinem Instrument. Das schlabbert. Das scheppert. Es macht einfach keinen Spaß.

Die richtige Hardware für den tiefen Ton

Du brauchst Masse. Ich empfehle für dieses Tuning mindestens einen 12-56er Satz oder sogar 13-62er, wenn du eine Gitarre mit kurzer Mensur wie eine Gibson Les Paul spielst. Ohne diesen Saitenzug bekommst du niemals diesen perkussiven Anschlag hin, der das Hauptriff so antreibt. Stell dir vor, du schlägst auf eine nasse Matratze. Genau so muss es sich anfühlen, wenn du den ersten Akkord in die Saiten drischst. Viele Musiker unterschätzen, wie stark die Hardware den Sound beeinflusst. Ein dünner Steg-Pickup wird hier kaum überzeugen. Du brauchst einen kräftigen Humbucker, der die tiefen Mitten betont.

Das Geheimnis des Chorus-Effekts

Wenn du dir die Aufnahmen von Roadrunner Records anhörst, merkst du, dass der Gitarrensound fast flüssig wirkt. Das liegt am exzessiven Einsatz von Chorus-Pedalen. Kenny Hickey hat oft den Boss CH-1 oder ähnliche Klassiker verwendet. Der Trick besteht darin, den Effekt auch bei Verzerrung eingeschaltet zu lassen. Das bricht die harte Kante des High-Gain-Sounds auf und gibt dem Ganzen diese schwebende, fast schon unheimliche Note. Es klingt dann nicht mehr nach einer einfachen Metal-Gitarre, sondern nach einer Wand aus klebrigem Nebel.

Die Struktur des Songs verstehen und umsetzen

Der Aufbau wirkt auf den ersten Blick simpel. Intro, Strophe, Refrain, Brücke. Aber der Teufel steckt im Detail. Das Hauptriff basiert auf einer schnellen Wechselschlag-Technik auf der tiefsten Saite. Du musst die Saiten mit dem Handballen abdämpfen, aber nicht zu fest. Das nennt man Palm Muting. Wenn du zu fest drückst, stirbt der Ton ab. Wenn du zu locker lässt, matscht alles zusammen. Es ist ein schmaler Grat.

Das Intro und der treibende Rhythmus

Der Song startet direkt mit voller Energie. Viele Tabulaturen im Netz zeigen hier nur einfache Powerchords. Das ist jedoch nur die halbe Wahrheit. In Wirklichkeit schwingen oft Leersaiten mit, die diesen wallenden Klangteppich erzeugen. Ich habe oft beobachtet, dass Anfänger versuchen, den Rhythmus rein aus dem Handgelenk zu spielen. Das wird bei diesem Tempo schnell anstrengend. Du musst den Schwung aus dem gesamten Unterarm holen, um die Ausdauer für die fast vier Minuten Spielzeit zu haben.

Der Refrain und die harmonische Tiefe

Im Refrain öffnet sich der Song. Hier wechseln die Akkorde schneller und die Dynamik ändert sich. Während die Strophe eher perkussiv und abgehackt ist, müssen die Akkorde im Chorus richtig ausklingen. Das ist der Moment, in dem die Melodie übernimmt. Wer den I Dont Wanna Be Me Tab wirklich meistern will, muss verstehen, dass die Gitarre hier dem Gesang Platz machen muss. Peter Steeles tiefe Stimme braucht Raum. Wenn du hier zu viel technisches Gefrickel einbaust, zerstörst du die Atmosphäre.

Typische Fehler beim Spielen dieses Klassikers

Einer der häufigsten Fehler ist das Timing. Der Song hat einen unglaublichen Drive. Er wirkt fast so, als würde er jeden Moment nach vorne stolpern. Wenn du zu statisch spielst, verliert er seinen Sexappeal. Es ist eine Mischung aus Punk-Attitüde und Doom-Schwere. Ein weiterer Punkt ist die Verzerrung. Zu viel Gain macht den Sound kaputt. Du verlierst die Definition der einzelnen Noten. Dreh den Gain-Regler am Verstärker lieber ein Stück zurück und erhöhe stattdessen die Lautstärke. Das bringt die Röhren zum Kochen und sorgt für echten Druck, ohne dass alles in einem Rauschen untergeht.

Die Rolle des Basses

Man kann dieses Stück nicht isoliert auf der Gitarre betrachten. Der Bass bei Type O Negative war oft verzerrter als die Gitarre selbst. Peter Steele nutzte oft einen Sustainiac-Pickup und jede Menge Distortion. Wenn du den Song alleine zu Hause übst, wird er nie so fett klingen wie auf dem Album "Life Is Killing Me". Das ist normal. Versuche nicht, den fehlenden Bass durch mehr Bässe an deinem Gitarrenverstärker auszugleichen. Das führt nur dazu, dass deine Lautsprecher anfangen zu kotzen. Halte die Mitten hoch. Mitten sind das Revier der Gitarre.

Feedback als Stilmittel

Gegen Ende des Songs und in den Übergängen hörst du oft kontrolliertes Feedback. Das ist kein Zufall. Du kannst das provozieren, indem du dich in einem bestimmten Winkel zu deinem Verstärker stellst. Es braucht etwas Übung, um die richtige Distanz zu finden. Ziel ist es, dass die Gitarre anfängt zu singen, ohne dass ein schrilles Pfeifen entsteht. Es muss ein warmer, singender Ton sein, der langsam in die Obertöne umkippt.

Equipment-Empfehlungen für den authentischen Sound

Du musst kein Vermögen ausgeben, um nah an das Original heranzukommen. Aber ein paar Dinge sind nötig. Eine Gitarre mit einer festen Brücke ist von Vorteil, da Tremolo-Systeme bei dem tiefen Tuning oft Probleme mit der Stimmstabilität machen.

• Gitarre: Alles mit Humbuckern, idealerweise eine Schecter oder ESP, da diese Marken oft im Metal-Bereich zu Hause sind.
• Verstärker: Ein klassischer Röhrenamp wie ein Marshall JCM800 oder ein modernerer Peavey 6505.
• Effekte: Ein analoges Chorus-Pedal und vielleicht ein leichter Reverb für die Tiefe.

Ich habe gute Erfahrungen mit dem TC Electronic Afterglow gemacht. Er liefert diesen vintage-artigen Chorus, der nicht zu klinisch klingt. Das passt perfekt zu der eher dreckigen Produktion des Albums.

Die kulturelle Bedeutung des Songs

"I Don't Wanna Be Me" war für Type O Negative fast schon ein Pop-Song. Er war kurz, knackig und hatte ein Musikvideo mit Schauspieler Dan Fogler, das ständig auf MTV lief. Trotzdem blieb die Band ihren Wurzeln treu. Der Text ist pure Selbstironie und Depression, verpackt in ein energetisches Gewand. Genau dieser Kontrast macht den Reiz aus. Wenn du den I Dont Wanna Be Me Tab spielst, solltest du dieses Gefühl im Hinterkopf haben. Es ist kein fröhlicher Song, auch wenn er schnell ist. Es ist ein Schrei nach draußen, versteckt in einem eingängigen Riff.

Warum das Lied heute noch aktuell ist

In einer Zeit, in der jeder online versucht, jemand anderes zu sein, trifft der Text den Nagel auf den Kopf. Die rohe Ehrlichkeit von Peter Steele fehlt in der heutigen Musiklandschaft oft. Wenn du das Riff spielst, merkst du diese rohe Energie. Es gibt keine komplizierten Taktwechsel oder ultra-schnellen Soli. Es ist ehrliches Handwerk. Genau deshalb suchen junge Gitarristen auch über zwanzig Jahre später noch nach der richtigen Spielweise.

Die Entwicklung des Gothic Metal

Type O Negative haben dieses Genre quasi im Alleingang definiert. Weg von den klischeehaften Vampir-Themen hin zu echtem, urbanem Schmerz. Dieser Song markiert den Punkt, an dem die Band ihre doomigen Wurzeln perfekt mit Rock-Elementen mischte. Wer das Stück lernt, lernt auch viel über Songwriting. Wie man mit drei oder vier Akkorden eine ganze Welt erschafft. Das ist die wahre Kunst.

Praktische Schritte zum Meistern des Songs

Setz dich nicht einfach hin und versuch, alles auf einmal zu spielen. Das funktioniert selten. Geh strategisch vor. Dein Ziel ist es, den Song am Ende flüssig mitzuspielen, ohne über den nächsten Griff nachdenken zu müssen.

1. Besorge dir dicke Saiten. Ohne Witz, mach es einfach. 12er Sätze sind Pflicht für B-Standard.
2. Stimme deine Gitarre akribisch. Bei so tiefen Tunings neigen die Saiten dazu, sich beim Anschlag kurzzeitig zu dehnen und damit verstimmt zu klingen.
3. Lerne zuerst das Hauptriff in einem langsamen Tempo. Achte peinlich genau auf den Wechselschlag. Nur wenn jede Note sauber klingt, darfst du schneller werden.
4. Experimentiere mit deinem Chorus-Pedal. Finde die Einstellung, bei der der Sound anfängt zu eiern, aber noch erkennbar bleibt.
5. Spiel zum Original-Track. Nichts schult dein Timing besser als Peter Steeles Bass und Johnny Kellys Schlagzeug im Ohr zu haben.
6. Achte auf deine Anschlagshand. Deine rechte Hand (bei Rechtshändern) ist der Motor. Sie muss wie eine Maschine laufen, während die linke Hand die Akkorde wechselt.

Wenn du diese Punkte beachtest, wirst du schnell merken, dass der Song eine unglaubliche Spielfreude entwickelt. Er macht einfach Spaß, wenn man diesen massiven Sound erst einmal im Zimmer stehen hat. Es geht nicht um Perfektion wie beim Jazz. Es geht um Attitüde. Hau in die Saiten, lass den Verstärker brüllen und spür die Vibrationen im Magen. Das ist es, was diesen Track ausmacht. Du wirst feststellen, dass du nach ein paar Tagen Übung kaum noch auf die Tabulatur schauen musst. Die Finger finden ihren Weg fast von selbst, weil das Riff so intuitiv ist. Viel Erfolg beim Üben und pass auf, dass deine Nachbarn nicht die Krise kriegen, wenn die Wände wackeln.

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