Wer an Umberto Ecos Meisterwerk denkt, hat meist sofort das markante Gesicht von Sean Connery vor Augen, der als William von Baskerville mit fast moderner Arroganz durch ein nebliges Kloster schreitet. Es ist ein Bild, das sich so tief in unser kulturelles Gedächtnis eingebrannt hat, dass jede Neuinterpretation von vornherein als Sakrileg gilt. Doch genau hier liegt der Denkfehler vieler Kritiker und Zuschauer. Während Jean-Jacques Annauds Verfilmung von 1986 das Buch zu einem atmosphärischen Krimi-Thriller eindampfte, wagte die Im Namen Der Rose Serie von 2019 etwas viel Gefährlicheres. Sie versuchte nicht, einen Blockbuster zu imitieren, sondern gab dem intellektuellen Labyrinth des Romans den Raum, den ein zweistündiger Film zwangsläufig ersticken muss. Wer behauptet, das serielle Format würde die Geschichte nur unnötig in die Länge ziehen, verkennt die Komplexität von Ecos eigentlichem Anliegen.
Das Missverständnis der filmischen Kürze
Die landläufige Meinung besagt, dass eine Geschichte gewinnt, wenn man sie auf ihren Kern reduziert. Bei einem Whodunnit mag das stimmen. Aber Ecos Werk war nie nur ein Krimi im Mönchsgewand. Es war eine semiotische Abhandlung, ein kirchenpolitisches Manifest und eine philosophische Auseinandersetzung mit der Macht des Lachens. Der Film von 1986 ist zweifellos ein visuelles Meisterwerk, aber er opferte die theologische Tiefe zugunsten einer linearen Jagd nach dem Mörder. Die Produktion aus dem Jahr 2019 hingegen nutzt ihre acht Stunden Laufzeit, um die politischen Spannungen zwischen dem Papst in Avignon und dem Franziskanerorden so darzustellen, dass man die ideologische Zerreißprobe der damaligen Zeit physisch spüren kann. Ich habe oft beobachtet, wie Zuschauer von der Detailfülle der Serie zunächst abgeschreckt waren, nur um später zu begreifen, dass das Mittelalter genau so funktionierte: durch endlose Disputationen, die über Leben und Tod entschieden.
Es ist eine mutige Entscheidung, den Fokus weg von der reinen Detektivarbeit hin zu den komplexen Machtstrukturen zu verschieben. In der Im Namen Der Rose Serie sehen wir einen William von Baskerville, verkörpert durch John Turturro, der weniger wie ein mittelalterlicher Sherlock Holmes wirkt und mehr wie ein erschöpfter Intellektueller, der gegen die Windmühlen des Fanatismus kämpft. Turturro spielt ihn nicht als unfehlbaren Helden. Er zeigt uns einen Mann, der zweifelt. Dieser Zweifel ist der Motor der Erzählung. Wer nur auf die Auflösung der Morde wartet, verpasst das eigentliche Drama: den Untergang einer Weltordnung, die durch das Aufkommen neuer Denkweisen ins Wanken gerät. Die Serie erlaubt es uns, Zeuge der langwierigen theologischen Debatten zu werden, die im Film lediglich als Hintergrundrauschen dienten. Das ist nicht langatmig, das ist notwendig, um die Fallhöhe der Handlung zu verstehen.
Im Namen Der Rose Serie und die Rekonstruktion des Schmutzes
Ein häufiger Vorwurf gegen moderne historische Produktionen ist ihre vermeintliche Sterilität. Man wirft ihnen vor, die Vergangenheit zu glätten oder durch digitale Effekte künstlich aufzuwerten. Doch bei diesem Projekt verhält es sich anders. Die visuelle Gestaltung wählt einen Mittelweg, der die Düsternis des Klosters beibehält, aber die politische Welt außerhalb der Klostermauern weitaus farbenfroher und damit realistischer darstellt. Die Geschichte des Mittelalters ist keine monochrome Angelegenheit aus Grau und Braun. Es war eine Ära der extremen Kontraste, in der die Pracht der päpstlichen Gesandten auf die nackte Armut der einfachen Bauern prallte. Die Inszenierung versteht diesen Kontrast und nutzt ihn, um die Heuchelei der Institution Kirche bloßzustellen.
Die Rolle der Frau im Schatten der Bibliothek
Ein Aspekt, der in der Kinofassung fast völlig unterging, war die Figur des namenlosen Mädchens. Im Film blieb sie ein bloßes Objekt der Begierde für Adson von Melk, eine fast schon klischeehafte Darstellung der Versuchung. Die Serie gibt ihr eine eigene Geschichte, eine Identität und eine Stimme, ohne dabei in modernen Anachronismus zu verfallen. Sie steht stellvertretend für die vergessenen Opfer der großen kirchenpolitischen Spiele. Durch ihre Augen sehen wir die Grausamkeit der Inquisition auf eine Weise, die uns William, der in seiner Gelehrtenwelt gefangen ist, nicht zeigen kann. Es ist eine Erweiterung des Stoffes, die Eco selbst vermutlich begrüßt hätte, da er zeitlebens betonte, dass seine Texte offen für Interpretationen seien. Man könnte argumentieren, dass diese zusätzlichen Handlungsstränge den Fokus verwässern. Doch ich bin der festen Überzeugung, dass sie das Bild erst vervollständigen. Das Kloster ist kein isolierter Raum, sondern ein Mikrokosmos, der von den Stürmen der Außenwelt getroffen wird.
Skeptiker werden nun einwenden, dass John Turturro niemals das Charisma eines Sean Connery erreichen kann. Das ist faktisch korrekt, aber völlig irrelevant für die Qualität der Darstellung. Connery spielte Connery im Habit. Turturro hingegen spielt einen Gelehrten, dessen Geist seine schärfste Waffe ist, der aber gleichzeitig von einer tiefen Melancholie geplagt wird. Sein William ist menschlicher, nahbarer und in seiner intellektuellen Arroganz deutlich nuancierter. Man muss sich von dem Gedanken verabschieden, dass eine Neuverfilmung die alte ersetzen will. Sie ist vielmehr eine Ergänzung, ein Korrektiv, das die blinden Flecken der Vergangenheit ausleuchtet. Die Serie wagt es, die Langsamkeit des klösterlichen Lebens abzubilden, anstatt sie durch künstliche Action-Sequenzen zu kaschieren.
Das Erbe der Inquisition als Systemkritik
Ein zentraler Punkt, den die längere Erzählform ermöglicht, ist die detaillierte Darstellung von Bernardo Gui. Rupert Everett verleiht dem Inquisitor eine Kälte, die weit über das Karikaturhafte hinausgeht. Hier wird deutlich, dass die Inquisition kein Haufen von Wahnsinnigen war, sondern ein hocheffizientes bürokratisches System der Unterdrückung. Die Serie macht den Prozess der Wahrheitsfindung – oder vielmehr der Wahrheitserfindung durch Folter – zu einem beklemmenden Kammerspiel. Wir sehen nicht nur die Gewalt, wir sehen die Logik dahinter. Das ist der wahre Horror des Mittelalters: nicht die Dunkelheit, sondern die Überzeugung, im Namen einer höheren Macht das Richtige zu tun, während man Menschen vernichtet.
Ich erinnere mich an eine Szene, in der die juristischen Feinheiten der Befragung so präzise seziert werden, dass man unweigerlich Parallelen zu modernen totalitären Systemen zieht. Das ist die Stärke dieses Formats. Es gibt uns die Zeit, die Mechanismen der Macht zu studieren. In einer Ära, in der wir von Kurznachrichten und schnellen Schnitten überflutet werden, ist diese bewusste Entschleunigung ein Akt des Widerstands. Es zwingt dich als Zuschauer, dich mit den Argumenten auseinanderzusetzen, anstatt dich nur berieseln zu lassen. Die Komplexität von Ecos Sprache findet hier eine visuelle Entsprechung, die im Film unmöglich war. Man muss bereit sein, zuzuhören, wenn die Mönche über die Armut Christi streiten, denn in diesem Streit verbirgt sich der Kern des gesamten Konflikts.
Es gibt eine interessante Beobachtung, die man machen kann, wenn man die Reaktionen auf die verschiedenen Versionen vergleicht. Diejenigen, die den Roman lieben, neigen dazu, die Serie für ihre Treue zum Text zu schätzen. Diejenigen, die nur den Film kennen, empfinden sie oft als sperrig. Das zeigt uns, dass unsere Wahrnehmung von Qualität oft nur eine Frage der Gewohnheit ist. Wir haben gelernt, dass Kino "schnell" sein muss und Fernsehen "spannend". Aber was, wenn die Spannung gerade aus der Tiefe resultiert? Die Produktion beweist, dass man ein Millionenpublikum nicht unterschätzen darf. Man kann den Menschen zutrauen, dass sie den Unterschied zwischen einem flachen Krimi und einer tiefschürfenden historischen Analyse verstehen.
Das System der Serie funktioniert deshalb so gut, weil es die Bibliothek nicht nur als Kulisse, sondern als lebendigen Charakter begreift. Die Architektur des Labyrinths wird hier greifbar. Wir wandern mit den Protagonisten durch die staubigen Gänge, spüren die Ehrfurcht vor den verbotenen Büchern und begreifen die physische Gefahr, die von Wissen ausgehen kann. Wissen war im 14. Jahrhundert eine Währung und eine Waffe zugleich. Die Serie nimmt sich die Freiheit, die Geschichte der Bücher selbst zu erzählen, was im Medium Film meist der Schere zum Opfer fällt. Es ist eine Hommage an das Lesen und an die Macht des geschriebenen Wortes, die in unserer heutigen Zeit der digitalen Beliebigkeit fast schon nostalgisch wirkt.
Wenn man den Blick weitet, erkennt man, dass die Kritik an der Serie oft eine Kritik an der eigenen Ungeduld ist. Wir wollen die Lösung, aber wir wollen den Weg dorthin nicht gehen. Doch genau dieser Weg ist das Ziel von Umberto Eco gewesen. Er wollte, dass wir uns verirren, dass wir zweifeln und dass wir am Ende begreifen, dass es keine absolute Wahrheit gibt, sondern nur Interpretationen. Die Im Namen Der Rose Serie ist die einzige Adaption, die diesen philosophischen Kern wirklich ernst nimmt und ihn konsequent bis zum bitteren Ende durchzieht. Sie ist kein Remake des Films, sondern eine eigenständige, tiefgründige Auseinandersetzung mit einem der wichtigsten literarischen Werke des 20. Jahrhunderts.
Die wahre Erkenntnis liegt nicht darin, wer die Morde begangen hat, sondern in der Einsicht, dass jedes System, das den Anspruch auf die alleinige Wahrheit erhebt, zwangsläufig in den Ruin führt.
