Dave Mustaine war 1988 vermutlich der wütendste Mann im gesamten Musikgeschäft. Wenn du dir das Album Megadeth So Good So Far So What heute anhörst, spürst du diesen giftigen Atem in jeder einzelnen Note. Es ist kein poliertes Meisterwerk wie der Nachfolger, sondern ein roher, bisweilen chaotischer Wutausbruch, der genau deshalb so verdammt gut funktioniert. Viele Fans unterschätzen diese Platte, weil sie zwischen dem bahnbrechenden Peace Sells und dem technischen Meilenstein Rust in Peace eingeklemmt ist. Doch wer das ignoriert, verpasst die Essenz dessen, was Thrash Metal in den späten Achtzigern ausmachte: pure Aggression, technische Brillanz und ein absoluter Mangel an Kompromissen.
Der Kontext des Chaos nach dem großen Erfolg
Um zu verstehen, warum dieses Werk so klingt, wie es klingt, muss man die Situation der Band betrachten. Mustaine hatte gerade Chris Poland und Gar Samuelson gefeuert. Zwei Jazz-beeinflusste Musiker, die den Sound der ersten beiden Alben massiv geprägt hatten, waren weg. Stattdessen kamen Jeff Young und Chuck Behler an Bord. Das Klima war geprägt von massivem Drogenkonsum und internen Spannungen. Diese Instabilität hört man dem Material an. Es wirkt gehetzt, fast schon nervös. Aber genau das verleiht den Songs eine Dringlichkeit, die im Metal selten geworden ist. Die Produktion wird oft kritisiert, weil sie sehr höhenlastig und fast schon blechern wirkt. Ich finde gerade das charmant. Es klingt nach einer Band, die kurz vor der Explosion steht.
Die Besetzungswechsel und ihr Einfluss auf den Sound
Jeff Young war technisch versiert, brachte aber eine ganz andere Energie als Poland mit. Seine Soli auf dem Album sind flüssig, fast schon neoklassisch angehaucht, was einen interessanten Kontrast zu Mustaines abgehacktem Rhythmusspiel bildet. Chuck Behler am Schlagzeug hatte die schwere Aufgabe, in die Fußstapfen von Samuelson zu treten. Er spielte geradliniger, weniger verspielt, was den Songs eine brutalere Stoßrichtung gab. Viele Kritiker behaupten, das hätte der Band die Finesse genommen. Ich sehe das anders. Es hat Megadeth in dieser Phase geerdet und sie gefährlicher klingen lassen. Es war kein Jazz-Metal mehr. Es war Krieg.
Produktionstücken und der Kampf im Studio
Die Aufnahmen fanden in einer Zeit statt, in der die Bandmitglieder mehr mit ihren eigenen Dämonen als mit ihren Instrumenten beschäftigt waren. Produzent Paul Lani und die Band gerieten ständig aneinander. Mustaine übernahm schließlich einen Großteil der Kontrolle. Das Ergebnis ist ein Sound, der sehr trocken ist. Man hört jedes Kratzen der Plektren auf den Saiten. Wenn du die Originalpressung auf Vinyl hörst, merkst du, dass die Bässe fast komplett fehlen. Erst spätere Remaster-Versionen haben hier nachgebessert, wobei Puristen das Original wegen seiner giftigen Atmosphäre bevorzugen.
Warum Megadeth So Good So Far So What ein technisches Biest ist
Trotz der widrigen Umstände lieferte Mustaine einige seiner komplexesten Riff-Strukturen ab. Der Opener Into the Lungs of Hell zeigt sofort, wo der Hammer hängt. Ein Instrumental, das ohne Umschweife klarmacht, dass hier keine Gefangenen gemacht werden. Es ist eine Machtdemonstration. Die Übergänge zwischen den einzelnen Parts sind so schnell, dass man kaum Zeit zum Atmen hat. Wer behauptet, Thrash Metal sei nur stumpfes Gekloppe, hat dieses Album nie aufmerksam analysiert.
Set the World Afire als politisches Statement
Dieser Song ist ein Paradebeispiel für Mustaines Songwriting-Stil jener Ära. Er beginnt mit einem nostalgischen Intro, nur um dann in ein Riff-Gewitter auszubrechen, das die nukleare Vernichtung thematisiert. Die Texte sind bissig und reflektieren die Paranoia des Kalten Krieges, die Ende der Achtziger immer noch allgegenwärtig war. Mustaine nutzt seine Stimme hier fast wie ein zusätzliches Perkussionsinstrument. Er spuckt die Worte förmlich aus. Die Dynamikwechsel in diesem Track sind für die damalige Zeit wegweisend gewesen. Man merkt, dass hier jemand saß, der die Grenzen des Genres aktiv verschieben wollte.
Die Kontroverse um In My Darkest Hour
Dies ist wohl der emotionalste Song der gesamten Diskographie. Geschrieben direkt nach der Nachricht vom Tod des ehemaligen Metallica-Bassisten Cliff Burton, zeigt der Track eine verletzliche Seite der Band. Der Aufbau von der melancholischen Akustikgitarre bis zum rasenden Finale ist schlicht brillant. Hier zeigt sich, dass Wut allein nicht ausreicht, um ein zeitloses Album zu schaffen. Es braucht Seele. Der Song wurde zu einer Hymne für Außenseiter und unterstreicht die tiefe Verbundenheit Mustaines mit seiner Vergangenheit, auch wenn er sie oft verleugnete.
Die Cover-Version von Anarchy in the UK
Man kann nicht über dieses Album sprechen, ohne das Sex-Pistols-Cover zu erwähnen. Viele Fans hassen es, ich liebe es. Warum? Weil es den Geist des Punk perfekt in den Metal integriert. Steve Jones von den Sex Pistols spielte sogar ein Gast-Solo ein, auch wenn er angeblich so betrunken war, dass er kaum stehen konnte. Das passt perfekt zur Attitüde des gesamten Albums. Es ist dreckig, es ist laut und es schert sich einen Dreck um Perfektion. Mustaine änderte sogar einige Texte ab, was damals für Gesprächsstoff sorgte. Es war eine klare Ansage: Wir machen, was wir wollen.
Die Bedeutung für die Big Four
Zu diesem Zeitpunkt war das Rennen zwischen Metallica, Slayer, Anthrax und Megadeth in vollem Gange. Während Metallica mit dem Album ...And Justice for All in progressive Höhen strebten, blieben Megadeth mit ihrer dritten Platte in der Gosse – aber mit einem verdammt hohen IQ. Man kann die offizielle Webseite von Megadeth besuchen, um zu sehen, wie sehr sie ihr Erbe heute noch pflegen. Dieses Album war der notwendige Schritt, um die Band auf Rust in Peace vorzubereiten. Ohne die Experimente und den Frust dieser Phase wäre der spätere Erfolg nicht möglich gewesen.
Einflüsse auf moderne Bands
Wenn man moderne Tech-Thrash-Bands hört, erkennt man oft die DNA dieses Albums wieder. Die unvorhersehbaren Rhythmuswechsel und die giftige Gesangsdarbietung haben ganze Generationen geprägt. Bands wie Havok oder Municipal Waste greifen immer wieder auf diesen rohen Sound zurück. Es war eine Abkehr vom glatten Radio-Rock, der damals die Charts dominierte. Megadeth zeigten, dass man auch mit einer "Scheißegal"-Einstellung musikalisch auf höchstem Niveau agieren kann.
Tipps für Sammler und Audiophile
Wer das Album heute physisch erwerben möchte, steht vor einer wichtigen Entscheidung. Es gibt das Original von 1988 und das 2004er Remaster. Das Remaster hat deutlich mehr Druck und moderne Bässe, verliert aber etwas von der ursprünglichen Boshaftigkeit. Ich empfehle jedem, sich beide Versionen anzuhören. Die Unterschiede in der Abmischung sind eklatant. Wer das volle Erlebnis sucht, sollte nach der japanischen Erstpressung Ausschau halten. Diese gilt unter Kennern als klanglich überlegen.
Das Artwork und seine Symbolik
Das Cover zeigt Vic Rattlehead in einer postapokalyptischen Landschaft. Es fängt die Stimmung der Musik perfekt ein. Das Design ist minimalistischer als bei den Vorgängern, wirkt dadurch aber bedrohlicher. In einer Zeit vor Photoshop wurde hier noch mit echten Modellen und Fotografie gearbeitet. Das verleiht dem Ganzen eine haptische Qualität, die digitalen Covern heute oft fehlt. Es ist ein visuelles Statement gegen das Establishment der Musikindustrie.
Lyrics und Themenwelten
Mustaine war schon immer ein scharfer Beobachter der Gesellschaft. In Songs wie Mary Jane verarbeitet er Urban Legends und Okkultismus, was einen interessanten Kontrast zu den eher politischen Themen bildet. Die Texte sind oft kryptisch, laden aber zur Interpretation ein. Das unterscheidet die Band von vielen Zeitgenossen, die sich in Klischees über Satan oder Bier trinken verloren. Hier gibt es echte Substanz. Man spürt die Paranoia, die Mustaine damals umgab.
Der langfristige Einfluss auf die Karriere der Band
Nach der Veröffentlichung tourten Megadeth exzessiv, unter anderem auf dem legendären Monsters of Rock Festival. Die Spannungen innerhalb der Band führten jedoch bald dazu, dass Young und Behler wieder gehen mussten. Doch das Album hatte seinen Zweck erfüllt. Es zementierte den Ruf der Band als unberechenbare Kraft im Metal. Wer heute über die Diskographie der Band spricht, kommt an Megadeth So Good So Far So What nicht vorbei, auch wenn es oft im Schatten der "großen Drei" (Killing, Peace, Rust) steht. Es ist das Bindeglied zwischen jugendlichem Leichtsinn und reifer Meisterschaft.
Vergleiche mit der Konkurrenz
Im Jahr 1988 passierte im Metal viel. Slayer veröffentlichten South of Heaven, Metallica ihr Justice-Album. Im Vergleich dazu wirkt das hier besprochene Werk fast schon punkig. Es ist weniger durchkomponiert als Metallica, aber technischer als Slayer. Es besetzt eine Nische, die genau den Nerv der Zeit traf. Die Fangemeinde war damals gespalten, doch heute wird die Platte als Kultklassiker verehrt. Wer die Wurzeln des extremen Metal verstehen will, kommt an diesen acht Songs nicht vorbei.
Die Rolle von David Ellefson
Man darf den Einfluss des Bassisten David Ellefson nicht unterschätzen. In einer Phase, in der Mustaine oft unberechenbar war, bildete Ellefson den stabilen Kern. Seine Basslinien sind auf diesem Album präsenter, als viele denken. Er füllt die Lücken, die durch die scharfen Gitarren entstehen. Besonders bei Hook in Mouth zeigt er, wie man Thrash-Bass spielt, ohne nur die Grundtöne der Gitarre zu doppeln. Er bringt einen Groove rein, der die Songs tanzbar macht – sofern man bei 200 BPM von Tanzen sprechen kann.
Warum du das Album heute wieder hören solltest
In einer Welt, in der vieles klinisch rein produziert wird, wirkt diese Aufnahme wie ein Schlag in die Magengrube. Die Fehler, die kleinen Unsauberkeiten und die schiere Energie sind erfrischend. Es erinnert uns daran, dass Musik von Menschen gemacht wird, die etwas zu sagen haben. Wenn du dich durch die Diskographie auf Rock Hard wühlst, wirst du sehen, dass Kritiker die Platte heute oft viel positiver bewerten als zum Zeitpunkt ihres Erscheinens. Zeit heilt eben doch alle Wunden, oder in diesem Fall: Sie lässt den Wein besser reifen.
Die Bedeutung von Hook in Mouth
Der abschließende Track des Albums ist eine wütende Abrechnung mit der Zensurbehörde PMRC. Tipper Gore und ihre Mitstreiter waren damals ein rotes Tuch für jeden Metalhead. Mustaine buchstabiert das Wort "Freedom" im Refrain und macht sich über die Moralapostel lustig. Es ist ein kraftvoller Abschluss für ein Album, das von Anfang bis Ende gegen den Strom schwimmt. Die Aggressivität in diesem Song ist fast greifbar. Es ist die perfekte Zusammenfassung der gesamten Platte: intelligent, wütend und absolut kompromisslos.
Technische Aspekte für Musiker
Für Gitarristen ist das Material eine echte Herausforderung. Die Riffs sind nicht nur schnell, sondern erfordern eine präzise Anschlagstechnik. Mustaine verwendet oft "Spider Chords", eine Technik, die er selbst entwickelt hat, um Saitenwechsel effizienter zu gestalten. Wer versucht, Songs wie 502 nachzuspielen, wird schnell merken, wie viel Arbeit in diesen vermeintlich simplen Tracks steckt. Es ist eine Lektion in Sachen Rhythmusarbeit und Songaufbau.
- Besorge dir die Originalversion auf Vinyl oder CD für den authentischen Achtziger-Sound.
- Höre das Album am Stück laut über Kopfhörer, um die Details im Gitarrenspiel von Mustaine und Young zu erfassen.
- Lies die Texte mit, während du hörst, um den bissigen Humor und die politische Kritik zu verstehen.
- Vergleiche den Sound direkt mit Peace Sells, um die Entwicklung der Band innerhalb von nur zwei Jahren nachzuvollziehen.
- Achte besonders auf die Bassarbeit von Ellefson in den ruhigeren Momenten von In My Darkest Hour.
Dieses Werk ist kein einfaches Album. Es ist sperrig, es ist laut und es fordert den Hörer heraus. Aber genau das macht es zu einem der wichtigsten Meilensteine des Thrash Metal. Es zeigt eine Band am Abgrund, die sich mit aller Kraft gegen den Untergang stemmt und dabei einige der ikonischsten Momente der Metal-Geschichte erschafft. Wer Megadeth verstehen will, muss dieses Album fühlen. Es gibt keine Abkürzung durch die Wut der späten Achtziger. Du musst da durch, und am Ende wirst du es lieben.
