Der Geruch von abgestandenem Bier und feuchtem Beton hängt schwer in der Luft, während draußen der Berliner Regen gegen die hohen Fenster der Columbiahalle peitscht. Auf der Bühne steht ein Mann mit einer Brille, die ein wenig zu groß für sein Gesicht wirkt, und hält eine Blockflöte in der Hand, als wäre sie das wertvollste Instrument der Weltgeschichte. Es gibt keinen dramatischen Vorhang, keine pyrotechnischen Effekte, die den Atem rauben. Stattdessen hört man das trockene Klicken eines Gameboys und das Surren eines alten Casio-Keyboards, das eigentlich in den Sperrmüll gehört hätte. In diesem Moment, bevor der erste Basslauf den Boden erzittern lässt, spürt man die seltsame, fast schüchterne Elektrizität, die von den Mitglieder Von Wegen Lisbeth ausgeht. Sie wirken nicht wie Rockstars, die gerade eine ausverkaufte Tournee beenden, sondern eher wie eine Gruppe von Architekturstudenten, die versehentlich in ein Rampenlicht gestolpert sind und beschlossen haben, das Beste daraus zu machen. Es ist eine Nahbarkeit, die fast wehtut, weil sie den Glamour der Musikindustrie nicht nur ablehnt, sondern ihn mit einer freundlichen Geste ignoriert.
Diese fünf jungen Männer, die sich seit ihrer Schulzeit am Berliner Kant-Gymnasium kennen, haben eine Sprache gefunden, die das Lebensgefühl einer Generation zwischen Gentrifizierungsschmerz und der Suche nach dem perfekten Avocado-Toast präzise einfängt. Matthias Rohde, der Sänger mit der markanten, leicht quengeligen und doch ungemein charmanten Stimme, singt nicht über die großen, heroischen Tragödien. Er singt über den Döner an der Ecke, über das Warten an der Supermarktkasse und über die Absurdität, im Internet nach Antworten zu suchen, die man im echten Leben längst verloren hat. Es ist eine Form von Alltagsbeobachtung, die in der deutschen Popkultur oft als belanglos abgetan wird, hier aber eine fast philosophische Tiefe erreicht. Wenn die Bandmitglieder ihre Instrumente tauschen – und sie tauschen sie oft –, wirkt das wie ein eingespielter Tanz, der ohne große Worte auskommt. Man sieht die Jahre der gemeinsamen Proben in stickigen Kellern in jeder Bewegung, in jedem Blickkontakt, der länger dauert als unbedingt nötig.
Die Geschichte dieser Gruppe ist untrennbar mit dem Bezirk Steglitz verbunden, einem Ort, der so herrlich unspektakulär ist, dass er fast schon wieder radikal wirkt. Während andere Berliner Bands versuchen, die dunkle Coolness von Neukölln oder den verblichenen Schick von Mitte zu verkörpern, blieben diese Musiker bei ihren Wurzeln im bürgerlichen Südwesten. Diese Bodenhaftung ist kein Image, sondern eine Notwendigkeit. Sie schützt vor dem Größenwahn, der so viele andere Kollektive zerfrisst, sobald die ersten Charterfolge eintreffen. Bei ihnen gibt es keine Hierarchien, die nach außen hin sichtbar werden. Sie sind eine Einheit, ein Organismus, der aus fünf verschiedenen Köpfen besteht, die jedoch im gleichen Takt schlagen. Es ist diese kollektive Identität, die ihre Musik so unverwechselbar macht: ein Flickenteppich aus Indie-Pop, 8-Bit-Sounds und Texten, die so scharfkantig sind, dass man sich erst beim zweiten Hinhören an ihnen schneidet.
Die Mitglieder Von Wegen Lisbeth und die Kunst der Ironie
Hinter der scheinbaren Leichtigkeit der Melodien verbirgt sich eine akribische Detailarbeit, die fast schon an Besessenheit grenzt. Robert, Doz, Julian, Julian und Matthias – Namen, die so gewöhnlich klingen, dass sie fast schon wieder subversiv wirken – haben eine klangliche Welt erschaffen, die auf Fundstücken basiert. Da wird ein Kinder-Xylophon zur tragenden Säule eines Refrains, eine leere Glasflasche dient als Perkussionsinstrument, und ein altes Diktiergerät liefert die Lo-Fi-Textur für eine melancholische Bridge. Diese Liebe zum Unperfekten, zum Flohmarkt-Charme, ist eine direkte Antwort auf die glattpolierten Produktionen, die das Radio dominieren. Sie beweisen, dass man keine Millionen-Budgets braucht, um eine emotionale Resonanz zu erzeugen, sondern lediglich ein offenes Ohr für die Geräusche der Umgebung.
In den Proberäumen, die sie im Laufe der Jahre bewohnten, stapelten sich die kuriosesten Gegenstände. Es heißt, sie hätten einmal Stunden damit verbracht, den exakten Klang eines fallenden Schlüssels aufzunehmen, nur um ihn dann im fertigen Song so weit im Hintergrund zu vergraben, dass man ihn kaum noch wahrnimmt. Doch genau diese Schichten sind es, die den Reichtum ihrer Musik ausmachen. Es ist ein ständiges Spiel mit der Erwartungshaltung des Publikums. Wenn man glaubt, man hätte das Muster eines Songs verstanden, biegen sie plötzlich in eine jazzige Improvisation ab oder lassen den Rhythmus komplett in sich zusammenbrechen, nur um ihn Sekunden später wieder glorreich aufzubauen. Diese spielerische Freiheit ist ein Privileg, das sie sich hart erarbeitet haben, indem sie sich weigerten, in die gängigen Schubladen des Deutschpop zu passen.
Die Texte von Matthias Rohde fungieren dabei als das Bindegewebe, das diese klanglichen Experimente zusammenhält. Er beobachtet die Menschen in der U-Bahn, die Paare im Park und die einsamen Gestalten an den Spätis mit einer Mischung aus Empathie und Distanz. Er ist ein Chronist der kleinen Momente. In seinen Zeilen spiegeln sich die Unsicherheiten einer Jugend wider, die mit einer endlosen Auswahl an Möglichkeiten konfrontiert ist und sich gerade deshalb oft gelähmt fühlt. Es geht um die Angst, etwas zu verpassen, und gleichzeitig um den tiefen Wunsch, einfach mal den Stecker zu ziehen. Die Ironie ist dabei nie ein Schutzschild, um echte Gefühle zu verbergen, sondern ein Werkzeug, um die Absurdität des modernen Lebens überhaupt erträglich zu machen. Es ist ein Humor, der nicht auslacht, sondern einlädt, über die eigene Unzulänglichkeit zu schmunzeln.
Die Bühne als Wohnzimmer
Wer ein Konzert der Band besucht, merkt schnell, dass die vierte Wand hier kaum existiert. Es gibt keine einstudierten Posen oder choreografierten Bewegungen. Die Interaktion zwischen den Musikern wirkt so natürlich, als säßen sie noch immer in ihrem alten Proberaum und würden für sich selbst spielen, während zufällig ein paar tausend Leute zusehen. Diese Authentizität ist ihr wertvollstes Gut. Wenn Matthias sich zwischen zwei Liedern verhaspelt oder Julian einen Witz reißt, der nur für die anderen vier Sinn ergibt, bricht das Eis sofort. Das Publikum ist kein passiver Konsument, sondern wird Teil einer Gemeinschaft, die für zwei Stunden den Ernst der Welt aussperrt.
Man kann die Entwicklung der Gruppe nicht betrachten, ohne die tiefe Freundschaft zu erwähnen, die alles überdauert hat. In einer Branche, in der Bands oft schneller zerbrechen, als sie ihre erste Goldene Schallplatte erhalten, wirken sie wie ein Anachronismus. Sie haben den Hype der frühen Jahre überstanden, die anstrengenden Tourneen in engen Bullis und den Druck, immer wieder etwas Neues liefern zu müssen. Dass sie heute noch immer in der ursprünglichen Besetzung zusammenstehen, grenzt an ein kleines Wunder. Es zeigt, dass ihr Projekt mehr ist als nur eine geschäftliche Übereinkunft. Es ist ein gemeinsames Aufwachsen, ein Festhalten an Idealen, während sich alles um sie herum verändert.
Der Klang der Vorstadt
Es gibt eine spezifische Melancholie, die in ihren neueren Werken mitschwingt. Vielleicht ist es das Älterwerden, das langsame Verschwinden der unbeschwerten Zwanziger, das seine Spuren hinterlässt. Die Texte sind nachdenklicher geworden, die Musik stellenweise komplexer. Doch der Kern bleibt unverändert. Sie sind immer noch die Jungs, die sich über die seltsamen Namen von hippen Restaurants wundern und die sich fragen, warum eigentlich alle so tun, als hätten sie einen Plan vom Leben. Diese Ehrlichkeit ist es, die sie von den vielen austauschbaren Bands unterscheidet, die versuchen, das Lebensgefühl von Berlin künstlich zu kopieren. Bei ihnen ist Berlin nicht der Schauplatz eines coolen Musikvideos, sondern eine Stadt mit hässlichen Ecken, langen Wintern und Menschen, die versuchen, irgendwie zurechtzukommen.
Die Mitglieder Von Wegen Lisbeth haben es geschafft, eine Nische zu besetzen, von der man vorher gar nicht wusste, dass sie existiert. Sie sind die Stimme derer, die sich in den großen Erzählungen der Popmusik nicht wiederfinden. Sie sind für die Menschen da, die lieber eine Kassette hören als eine perfekt kuratierte Playlist und die Schönheit in einem verrosteten Fahrradständer sehen können. Ihre Musik ist ein Plädoyer für das Unspektakuläre, für die Nuancen und für den Mut, einfach man selbst zu sein, auch wenn das bedeutet, dass man mit einer Blockflöte auf einer großen Bühne steht.
Wenn man sie nach ihrem Erfolg fragt, reagieren sie meist mit einem bescheidenen Achselzucken. Es scheint ihnen fast ein wenig unangenehm zu sein, dass ihre kleinen Lieder über Lina und die anderen so weite Kreise gezogen haben. Doch genau diese Bescheidenheit ist es, die sie so unantastbar macht. Sie jagen keinen Trends hinterher, sondern setzen sie, indem sie sie ignorieren. Jedes neue Album ist ein Update aus ihrer Welt, ein Brief an alte Freunde, der uns daran erinnert, dass die wichtigsten Geschichten oft direkt vor unserer Haustür passieren, wenn wir nur genau genug hinschauen.
Die Lichter in der Halle gehen langsam aus, und das Echo des letzten Songs verhallt in den Ohren der Zuschauer. Es ist dieser Moment der Stille, bevor der Applaus losbricht, in dem man begreift, was diese Band eigentlich leistet. Sie geben uns das Gefühl, dass wir nicht allein sind mit unseren kleinen Sorgen und unseren merkwürdigen Hobbys. Sie sind die musikalische Entsprechung eines warmen Regens an einem schwülen Sommertag – unerwartet, erfrischend und zutiefst notwendig. Man verlässt das Konzert nicht mit dem Wunsch, ein Rockstar zu sein, sondern mit dem Wunsch, seine alten Freunde anzurufen und einfach mal wieder über gar nichts zu reden.
Draußen ist der Regen schwächer geworden. Die Menschen strömen aus der Halle, ihre Atemwolken vermischen sich in der kalten Nachtluft. Jemand summt eine Melodie, die nach Casio-Keyboards und Sommernächten klingt, während in der Ferne die U-Bahn rattert. Das Licht der Straßenlaternen spiegelt sich in den Pfützen auf dem Asphalt, und für einen kurzen Augenblick sieht die Stadt gar nicht mehr so grau aus wie sonst. Es ist die Art von Moment, die Matthias Rohde wahrscheinlich in einen Text verwandeln würde, unspektakulär und doch voller Leben. Ein paar Meter weiter packen fünf Freunde ihre Instrumente in einen Transporter, lachen über einen misslungenen Einsatz und planen schon den nächsten Halt auf ihrer Reise durch den ganz normalen Wahnsinn.
In der Ferne verblasst das rote Licht eines Rückstrahlers im Berliner Nebel.
