Es gibt einen weit verbreiteten Irrtum in der Filmgeschichte, der besagt, dass das Genre des Italowesterns an seiner eigenen Brutalität und politischen Schwere zugrunde ging. Man erzählt sich gerne, die Zuschauer hätten irgendwann genug von staubigen Antihelden und zynischen Rachegeschichten gehabt, die in der Hitze Andalusiens gedreht wurden. Doch wer die Kinokassen der frühen siebziger Jahre analysiert, stößt auf eine ganz andere Wahrheit. Der wahre Disruptor war kein langsamer kultureller Wandel, sondern ein gezielter, fast chirurgischer Schlag gegen die Ernsthaftigkeit des Mediums. Als der Film Movie They Call Me Trinity in die Kinos kam, geschah etwas Unumkehrbares. Er war nicht einfach nur eine Komödie, die ein ernstes Genre parodierte. Er war die Geburtsstunde einer neuen Art von Massenunterhaltung, die den Mythos des einsamen Wolfs nicht nur dekonstruierte, sondern ihn in einen Haufen Bohneneintopf verwandelte. Ich behaupte, dass dieser Film der Moment war, in dem das europäische Kino seine Unschuld verlor und sich dem reinen Slapstick ergab, was langfristig die kreative Substanz des kontinentalen Filmschaffens mehr aushöhlte, als es jeder schlechte Sandalenfilm zuvor geschafft hatte.
Die radikale Absage an den Schmutz des Realismus
Bevor dieses Phänomen die Leinwände eroberte, definierte sich der Italowestern über eine fast schon opernhafte Schwere. Sergio Leone hatte mit seiner Dollar-Trilogie eine Welt geschaffen, in der Schweiß, Blut und moralische Grauzonen die Währung waren. Die Helden waren dreckig, die Bösewichte noch dreckiger, und jeder Schusswechsel fühlte sich an wie ein Urteil des Schicksals. Man kann sich heute kaum vorstellen, wie schockierend der Kontrast war, den Enzo Barboni unter seinem Pseudonym E.B. Clucher plötzlich präsentierte. Er nahm die vertrauten Kulissen, die vertraute Musikästhetik und sogar die vertraute Optik der staubigen Grenzstädte und füllte sie mit einer Leichtigkeit, die fast schon blasphemisch wirkte. Der Held war plötzlich nicht mehr der rachsüchtige Rächer, sondern ein Typ, der sich auf einer Schleifbahre von seinem Pferd durch den Wüstensand ziehen ließ, weil er schlichtweg zu faul zum Reiten war.
Dieser Ansatz war kein Zufall, sondern eine bewusste Marktanalyse. Das Publikum in Italien, Deutschland und Frankreich war am Ende der sechziger Jahre gesättigt von der politischen Aufladung und dem Nihilismus, der viele Produktionen jener Zeit prägte. Man sehnte sich nach einer Entlastung. Doch diese Entlastung kam zu einem hohen Preis. Indem man die Gewalt in harmlose Schlägereien verwandelte, bei denen Zähne flogen, aber niemals Blut floss, wurde der Western seiner existenziellen Bedeutung beraubt. Es war der Übergang vom Drama zum Cartoon. Kritiker mögen einwenden, dass Parodie ein legitimes Zeichen für die Reife eines Genres ist. Doch hier handelte es sich nicht um eine feinsinnige Dekonstruktion wie bei Mel Brooks. Es war die Etablierung eines neuen Standards der Harmlosigkeit, der fortan das europäische Unterhaltungskino dominieren sollte.
Der kommerzielle Siegeszug von Movie They Call Me Trinity
Der Erfolg war so überwältigend, dass er die gesamte Branche in eine Schockstarre versetzte. In Deutschland etwa lockte der Streifen Millionen in die Lichtspielhäuser und begründete den beispiellosen Kult um das Duo Bud Spencer und Terence Hill. Der Titel Movie They Call Me Trinity wurde zum Synonym für eine Goldgrube. Produzenten, die zuvor mühsam versucht hatten, anspruchsvolle Genrefilme zu finanzieren, schwenkten innerhalb weniger Monate um. Warum sollte man in ein komplexes Drehbuch investieren, wenn das Publikum lediglich sehen wollte, wie ein bärtiger Hüne jemanden mit der flachen Hand auf den Kopf schlägt, untermalt von einem comicartigen Soundeffekt?
Ich habe mit Kinobetreibern gesprochen, die sich an diese Ära erinnern als eine Zeit, in der das Niveau der gezeigten Filme rapide sank, während die Einnahmen stiegen. Es entstand eine Form der Monokultur. Plötzlich musste jeder Western diesen humoristischen Einschlag haben. Selbst gestandene Regisseure des Genres versuchten, auf den Zug aufzuspringen, was oft in peinlichen Hybriden endete, die weder als Komödie noch als ernsthafter Film funktionierten. Die Industrie fraß ihre eigenen Kinder. Die ernsthafte Auseinandersetzung mit der Geschichte des Wilden Westens, die im europäischen Kino ohnehin immer eher eine Reflexion der eigenen gesellschaftlichen Krisen war, wurde durch eine endlose Abfolge von Fressszenen und Prügeleien ersetzt. Das war kein Fortschritt, sondern eine Kapitulation vor dem kleinsten gemeinsamen Nenner.
Das Missverständnis der schauspielerischen Leistung
Oft hört man das Argument, dass die Chemie zwischen den beiden Hauptdarstellern so einzigartig gewesen sei, dass sie den künstlerischen Wert des Ganzen rechtfertige. Es stimmt zwar, dass Mario Girotti und Carlo Pedersoli, wie sie mit bürgerlichem Namen hießen, eine perfekte Symbiose bildeten. Der eine der blauäugige Schelm, der andere der brummige Bär mit dem goldenen Herzen. Das ist klassische Commedia dell'arte in modernem Gewand. Doch die Fixierung auf diese Typologie führte dazu, dass beide Schauspieler in diesen Rollen gefangen blieben. Sie wurden zu Karikaturen ihrer selbst. Jedes Mal, wenn sie versuchten, aus diesem Schema auszubrechen, strafte sie das Publikum ab.
Man darf nicht vergessen, dass Pedersoli ein hochgebildeter Mann war, ein olympischer Schwimmer und Jurist, während Girotti unter Regisseuren wie Luchino Visconti gearbeitet hatte. Die Frage ist also nicht, ob sie talentiert waren, sondern was dieses neue Format mit ihrem Talent anstellte. Es reduzierte sie auf physische Gags. Die Komplexität, die das Kino eigentlich ausmacht, wurde zugunsten einer verlässlichen Warenform geopfert. Wenn du heute einen dieser Filme siehst, erkennst du sofort das Muster. Es gibt keine Überraschungen mehr. Die Vorhersehbarkeit wurde zum obersten Prinzip erhoben, was den Tod jeder echten filmischen Spannung bedeutet.
Die akustische Transformation des Kinos
Ein oft übersehener Aspekt dieser Ära ist die Veränderung der Tonspur. Die Musik von Franco Micalizzi für diesen speziellen Film setzte neue Maßstäbe. Weg waren die elegischen Trompeten und die peitschenden Gitarren eines Ennio Morricone. Stattdessen dominierten beschwingte Melodien und Pfeifchöre. Das war eingängig, keine Frage. Aber es veränderte auch die Art und Weise, wie wir Bilder konsumieren. Die Musik fungierte nicht mehr als emotionaler Verstärker für die innere Zerrissenheit der Figuren, sondern als Signalgeber für den Zuschauer: Jetzt darf gelacht werden. Diese Form der emotionalen Bevormundung ist heute im Blockbuster-Kino allgegenwärtig, doch damals war sie in dieser Intensität neu für das europäische Publikum. Man lernte, dass Kino nicht mehr fordern musste. Es reichte, wenn es den Zuschauer sanft in den Sessel drückte und ihn mit einer akustischen Decke aus Wohlfühlklängen umhüllte.
Ein Erbe der Belanglosigkeit
Man könnte nun sagen, dass jeder Film das Recht hat, einfach nur zu unterhalten. Das ist ein starkes Argument, und ich würde dem grundsätzlich nicht widersprechen. Aber wir müssen die langfristigen Folgen betrachten. Nach dem Erfolg dieser Produktion war der klassische Western in Europa faktisch tot. Er wurde nicht durch ein neues, spannendes Genre ersetzt, sondern durch eine endlose Reihe von Kopien, die immer flacher und alberner wurden. Die Ernsthaftigkeit, mit der Regisseure wie Sergio Corbucci oder Damiano Damiani politische und soziale Themen in das Gewand des Westerns gekleidet hatten, verschwand fast vollständig.
Was übrig blieb, war eine Industrie, die nur noch auf Sicherheit setzte. Das europäische Genrekino, das einst als mutiges Pendant zu Hollywood galt, wurde zu einer Spielwiese für billige Klamotten. Diese Entwicklung lässt sich bis in die heutige Zeit verfolgen, in der das deutsche und europäische Mainstream-Kino oft an einer seltsamen Form der Mutlosigkeit leidet. Man traut dem Zuschauer nicht mehr zu, komplexe Emotionen zu verarbeiten, ohne sie sofort mit einem Witz aufzulösen. Diese Angst vor dem Pathos, vor der echten Tragik, begann genau in dem Moment, als die Massen über einen Helden lachten, der schlafend in einer Staubwolke ankam.
Der kulturelle Kontext der Gewaltlosigkeit
Man muss sich vor Augen führen, in welcher Zeit dieser Wandel stattfand. Die frühen siebziger Jahre waren in Europa geprägt von politischen Unruhen, vom Kalten Krieg und von inneren Spannungen. Das Kino reagierte darauf oft mit einer Spiegelung dieser Gewalt. Filme wie Movie They Call Me Trinity boten einen radikalen Eskapismus. Die Gewalt in diesen Filmen war sicher, weil sie keine Konsequenzen hatte. Niemand starb wirklich, niemand litt Schmerzen, die über ein kurzes Schwindelgefühl hinausgingen. Das war eine Form der kollektiven Therapie, aber eine, die die Realität verleugnete, anstatt sie zu verarbeiten.
Indem man die Waffe zur Requisite einer Zirkusnummer machte, entzog man der filmischen Sprache eines ihrer mächtigsten Werkzeuge. Gewalt im Film sollte wehtun, sie sollte abschrecken oder zumindest eine moralische Entscheidung erzwingen. Wenn sie aber nur noch dazu dient, den nächsten lustigen Sturz einzuleiten, verliert sie ihre Bedeutung. Das Publikum wurde darauf konditioniert, Konflikte als harmlose Rangeleien wahrzunehmen. Das mag für die Dauer von neunzig Minuten angenehm sein, aber es stumpft die Wahrnehmung für die Schwere realer Konflikte ab. Es ist eine Infantilisierung des Zuschauers, die hier ihren Ursprung nahm.
Die Illusion des subversiven Helden
Ein Punkt, den Verteidiger dieses Stils oft anführen, ist die vermeintliche Subversivität der Hauptfiguren. Sie sind Außenseiter, sie pfeifen auf das Gesetz und sie legen sich mit den Mächtigen an. Das klingt nach dem klassischen Revolutionshelden des Italowesterns. Aber bei näherer Betrachtung ist diese Rebellion völlig zahnlos. Die Helden dieser Ära kämpfen nicht für eine bessere Welt oder gegen Ungerechtigkeit; sie kämpfen meistens für ihre Ruhe oder für eine Mahlzeit. Ihr Nonkonformismus ist rein egoistisch und damit perfekt kompatibel mit der aufkommenden Konsumgesellschaft.
Sie sind keine Gefahr für das System, weil sie keine Ideale haben. Sie sind lediglich Sand im Getriebe, der am Ende doch dafür sorgt, dass die Maschine weiterläuft, solange sie genug Bohnen bekommen. Das ist die eigentliche Tragik hinter der Komik. Wir haben gelernt, einen Helden zu feiern, dessen größte Leistung darin besteht, sich nicht anstrengen zu wollen. In einer Zeit, in der das europäische Kino hätte wachsen können, entschied es sich dafür, wieder in den Kindergarten zu gehen.
Das Ende einer Ära und der Beginn der Formelhaftigkeit
Wenn wir heute auf diese Phase zurückblicken, müssen wir anerkennen, dass sie den Standard für das gesetzt hat, was wir heute als Formatfernsehen bezeichnen. Die Struktur dieser Filme war bereits so formelhaft, dass man sie fast maschinell hätte erstellen können. Ein bisschen Slapstick am Anfang, eine große Schlägerei in der Mitte und ein Finale, bei dem das Gute siegt, ohne dass es jemanden etwas kostet. Diese Vorhersehbarkeit ist das Gift für jede Kunstform. Es gab keine Experimente mehr mit der Kameraführung oder dem Schnitt, die in den Jahren zuvor das Genre so innovativ gemacht hatten. Die Kamera wurde zum passiven Beobachter der physischen Comedy degradiert.
Es ist nun mal so, dass wir die Vergangenheit oft durch eine rosarote Brille der Nostalgie sehen. Wir erinnern uns an die gemütlichen Sonntagnachmittage vor dem Fernseher, an das vertraute Lachen und die unbeschwerte Atmosphäre. Das ist menschlich. Aber als Experten müssen wir tiefer graben. Wir müssen sehen, dass diese Unbeschwertheit der Grabstein für eine der kreativsten Perioden des europäischen Kinos war. Der Übergang vom schmutzigen, schmerzhaften Western zum sauberen, schmerzfreien Prügelfilm war kein evolutionärer Schritt nach vorne, sondern ein Rückzug in eine Komfortzone, aus der das kommerzielle europäische Kino bis heute nur selten wieder herausgefunden hat.
Man kann die Bedeutung dieses Wendepunkts kaum überschätzen, da er die Sehgewohnheiten ganzer Generationen radikal vereinfachte. Es war nicht die Gewalt, die das Genre tötete, sondern der harmlose Witz, der an ihre Stelle trat. Wir haben die Fähigkeit verloren, das Kino als einen Ort des echten Risikos zu begreifen, weil wir uns daran gewöhnt haben, dass am Ende alles nur ein großer Spaß ist, bei dem niemand ernsthaft zu Schaden kommt. Die wahre investigative Erkenntnis liegt darin, dass wir den Untergang des anspruchsvollen Genrefilms nicht beklagen können, ohne den Erfolg derer zu hinterfragen, die ihn mit einem Lächeln auf den Lippen und einer Pfanne in der Hand ersetzten.
Das Lachen des Publikums im Jahr 1970 war in Wirklichkeit der Abspann für das Kino als relevante moralische Instanz.
