Der Staub auf dem Jahrmarkt von Kansas wirbelte in kleinen, giftigen Teufeln um die Stiefel von Oscar Diggs, während der Himmel eine Farbe annahm, die man nur als das Versprechen eines Unheils beschreiben konnte. In diesem sepiafarbenen Nirgendwo, weit entfernt von jedem Glanz, klammerte sich ein kleiner Betrüger an seinen Zylinder, während die Leinwand unter der Wucht eines aufziehenden Tornados zu beben schien. Es war das Jahr 1905 in der Erzählung, aber im Kinosaal des Jahres 2013 fühlte es sich an wie eine bewusste Rückkehr zur mechanischen Magie der Vergangenheit. Die Zuschauer sahen zu, wie sich das Bildformat langsam weitete, wie die staubige Enge des 4:3-Verhältnisses aufbrach und einer Explosion von Technicolor-Smaragdgrün wich. In diesem Moment wurde Oz The Great And Powerful Film zu mehr als einer bloßen Vorgeschichte; es wurde eine Meditation darüber, wie wir uns unsere eigenen Götter und Helden aus Draht, Spiegeln und einer ordentlichen Portion Hochstapelei zusammenbauen.
Sam Raimi, ein Regisseur, der seine Karriere damit verbrachte, das Grauen im Alltäglichen und das Fantastische im Absurden zu finden, stand vor der gewaltigen Aufgabe, ein Denkmal zu restaurieren, das eigentlich niemand berühren wollte. Das Erbe von 1939 lastete schwer auf den Schultern der Produktion. Es ging nicht nur darum, eine neue Welt zu erschaffen, sondern eine bestehende Mythologie so zu erweitern, dass sie sich nicht wie ein Sakrileg anfühlte. Die Geschichte von Oscar, dem egoistischen Zauberkünstler, der durch Zufall zum Retter eines Volkes wird, das er eigentlich nur bestehlen will, spiegelt die Ambivalenz des Filmemachens selbst wider. Wir wissen, dass es ein Trick ist. Wir wissen, dass die Lichtstrahlen und die orchestrale Untermalung nur dazu dienen, unsere Sinne zu täuschen. Doch wie die Bewohner der Smaragdstadt entscheiden wir uns aktiv dafür, an die Illusion zu glauben, weil die Realität oft zu grau und zu staubig ist.
Die Arbeit am Set in Michigan war ein Kraftakt der physischen Konstruktion in einer Ära, die bereits fast vollständig dem digitalen Äther verfallen war. Robert Stromberg, der Produktionsdesigner, der zuvor die Welten von Avatar geprägt hatte, bestand darauf, riesige physische Sets zu bauen. Er wollte, dass die Schauspieler den gelben Ziegelsteinweg unter ihren Füßen spürten. Er ließ den Thronsaal in einer Opulenz errichten, die an die deutschen Stummfilmklassiker eines Fritz Lang erinnerte, kombiniert mit dem Optimismus der Weltausstellungen des frühen zwanzigsten Jahrhunderts. Es entstand eine Spannung zwischen der haptischen Realität der Kostüme und der digitalen Unendlichkeit der Horizonte, eine Spannung, die den Kern der Erzählung trifft: Ein Mann aus Fleisch und Blut in einer Welt aus reiner Fantasie.
Die Mechanik des Glaubens in Oz The Great And Powerful Film
Wenn man James Franco dabei beobachtet, wie er als Oscar Diggs versucht, mit einer Schachtel voller Taschenspielertricks gegen echte Hexenmacht anzutreten, erkennt man eine tiefe Sehnsucht nach dem Analogen. In einer der stärksten Sequenzen des Werks begegnet der Zauberer dem Porzellanmädchen. Ihr Dorf wurde zerstört, sie ist zerbrechlich, buchstäblich aus Keramik, und ihre Beine sind zerbrochen. Anstatt einen Zauberspruch zu murmeln, greift Oscar zu seinem Kleber. Es ist ein Moment von fast schmerzhafter Intimität. Hier wird die Magie durch Handwerk ersetzt. Die emotionale Resonanz dieser Szene rührt daher, dass sie uns daran erinnert, dass Heilung oft ein mühsamer Prozess des Zusammenfügens ist, Stein für Stein, Scherbe für Scherbe.
Die drei Hexen – Theodora, Evanora und Glinda – repräsentieren unterschiedliche Pfade der Macht, aber auch verschiedene Arten, wie Frauen in der klassischen Erzählung wahrgenommen werden. Mila Kunis verkörpert eine Verletzlichkeit, die in bittere Enttäuschung umschlägt, eine Transformation, die durch ein vergiftetes Geschenk ausgelöst wird. Es ist die Tragödie der Naivität. Rachel Weisz hingegen spielt die Manipulation mit einer kühlen Eleganz, während Michelle Williams als Glinda die einzige ist, die den Betrug des Zauberers erkennt und ihn dennoch gewähren lässt. Sie versteht, dass das Volk keinen echten Magier braucht, sondern ein Symbol. Sie ist die Regisseurin hinter dem Vorhang, die erkennt, dass eine gut erzählte Lüge manchmal mehr Gutes bewirken kann als eine unbequeme Wahrheit.
In den Archiven der Kinogeschichte wird oft darüber debattiert, ob Prequels die Originale schmälern oder bereichern. Im Fall dieser Reise nach Oz liegt der Wert in der Dekonstruktion des Mythos. Wir sehen nicht den allmächtigen Kopf, der aus den Flammen spricht, sondern den schwitzenden Mann, der die Hebel bedient. Diese Perspektive ist zutiefst menschlich. Sie nimmt dem Wunder nicht seine Kraft, sondern verleiht ihm eine Schicht von Tapferkeit. Es erfordert Mut, so zu tun, als sei man ein Riese, wenn man weiß, dass man nur ein kleiner Mann aus Kansas ist, der vor seinem eigenen Schatten flieht.
Die Architektur der Sehnsucht
Hinter den Kulissen kämpfte das Team mit der Last der Ästhetik. Wie erschafft man etwas, das modern aussieht, aber die Seele eines Märchens aus dem Jahr 1900 besitzt? Die Kostümbildner Gary Jones und Michael Kutsche entwarfen über zweitausend Outfits. Jedes einzelne sollte eine Geschichte erzählen, von den fliegenden Pavianen, die wie eine dunkle Wolke aus Albträumen wirken, bis hin zu den Munchkins, deren Kleidung an europäische Trachten erinnert, die in einem Farbtopf explodiert sind. Es ist diese Liebe zum Detail, die verhindert, dass die Geschichte im reinen CGI-Spektakel versinkt.
Man spürt den Einfluss der deutschen Romantik in den dunklen Wäldern, durch die sich die Protagonisten bewegen müssen. Die knorrigen Bäume und der dichte Nebel könnten direkt aus einem Gemälde von Caspar David Friedrich stammen, wären sie nicht mit den grellen Farben der Popkultur überzogen. Dieser Kontrast erzeugt eine ständige Unruhe. Man weiß nie ganz genau, ob man sich in einem Traum oder in einer Falle befindet. Es ist eine Welt, die auf den ersten Blick einladend wirkt, aber deren Flora und Fauna ständig bereit sind, zuzubeißen.
Die Filmmusik von Danny Elfman verstärkt dieses Gefühl. Elfman, der für seine Fähigkeit bekannt ist, das Skurrile mit dem Heroischen zu verweben, schuf ein Thema, das gleichzeitig triumphierend und melancholisch ist. Es ist der Klang von jemandem, der pfeift, während er durch den dunklen Wald geht, um seine eigene Angst zu überdecken. Die Musik fungiert als Bindeglied zwischen den Generationen von Kinogängern. Sie zitiert die Vergangenheit, ohne sie sklavisch zu kopieren, und findet eigene Wege, um das Staunen auszudrücken, das entsteht, wenn man zum ersten Mal die Türme der Smaragdstadt am Horizont aufblitzen sieht.
Ein Erbe aus Licht und Schatten
Man kann die Bedeutung von Oz The Great And Powerful Film nicht verstehen, ohne über das Konzept des Betrugs nachzudenken. In einer Zeit, in der wir von perfekt kuratierten digitalen Identitäten umgeben sind, ist Oscar Diggs eine erschreckend aktuelle Figur. Er ist der Urvater des Influencers, ein Mann, der sich seinen Ruhm durch Scheinwerferlicht und geschickte Kameraperspektiven erarbeitet hat. Doch der Film stellt eine radikale Behauptung auf: Der Wille, eine bessere Version seiner selbst zu projizieren, kann schließlich dazu führen, dass man diese Version tatsächlich wird. Die Projektion wird zur Realität, wenn die Taten mit dem Bild gleichziehen.
Die Smaragdstadt selbst, als sie im Finale unter Beschuss gerät, wird nicht durch Schwerter verteidigt, sondern durch Lichtspiele. Es ist eine Hommage an die Anfänge des Kinos, an die Laterna Magica und die Phantasmagorien des 18. Jahrhunderts. Die Bürger von Oz kämpfen mit Projektoren. Sie werfen ein Bild des Zauberers in den Himmel, das so groß und furchteinflößend ist, dass die Feinde fliehen. Es ist der ultimative Triumph der Kunst über die Gewalt. Hier zeigt sich die tiefe Liebe des Regisseurs zum Medium Film als Werkzeug der Verwandlung. Es geht nicht um die Wahrheit der Physik, sondern um die Wahrheit der Wahrnehmung.
In der europäischen Erzähltradition, von den Gebrüdern Grimm bis zu Michael Ende, gibt es oft diesen Moment, in dem die Fantasiewelt ihre Unschuld verliert. In dieser Geschichte geschieht das durch die Verwandlung von Theodora. Ihr Schmerz ist echt, ihr Herz wird buchstäblich zu Stein, und ihre grüne Haut ist nicht nur ein Zeichen von Bosheit, sondern ein Brandmal des Verrats. Dass ein Blockbuster für ein Millionenpublikum solche Grausamkeit zulässt, ist bemerkenswert. Es erinnert uns daran, dass echte Märchen immer eine dunkle Kante haben müssen, an der man sich schneiden kann. Ohne die Gefahr der ewigen Verdammnis wäre das Licht von Glinda nur billiger Kitsch.
Die Reise endet nicht mit einer Rückkehr nach Hause, wie wir es von Dorothy kennen. Für Oscar ist Oz das Zuhause, weil er dort endlich die Anerkennung findet, die ihm in Kansas verwehrt blieb. Doch es ist eine einsame Art von Ruhm. Er muss für immer hinter dem Vorhang bleiben. Er muss die Fassade aufrechterhalten, um den Frieden zu bewahren. Das ist der Preis für seinen Aufstieg: Er darf nie wieder er selbst sein, wenn er der große Zauberer bleiben will. Es ist ein tragisches Ende, das unter dem Deckmantel eines Happy Ends versteckt ist, eine Nuance, die das Werk weit über einen gewöhnlichen Abenteuerfilm hinaushebt.
Wenn man heute auf das Jahr 2013 zurückblickt, wirkt das Werk wie ein letztes großes Aufbäumen einer bestimmten Art von Kinoerfahrung. Es war ein Versuch, das Staunen des klassischen Hollywoods mit den technischen Möglichkeiten der Moderne zu vermählen, ohne dabei die Seele des Jahrmarkts zu verlieren. Die Farben mögen auf manchen Bildschirmen zu gesättigt wirken, und die Spezialeffekte mögen an manchen Stellen gealtert sein, aber der emotionale Kern bleibt stabil. Es ist die Geschichte eines Mannes, der lernt, dass sein größter Trick nicht darin besteht, Kaninchen aus dem Hut zu zaubern, sondern Hoffnung in den Herzen von Fremden zu pflanzen.
Die letzte Einstellung zeigt keine große Parade, sondern ein kleines Geschenk. Eine Spieluhr, die repariert wurde. Ein Versprechen, das gehalten wurde. In einer Welt, die von Hexen beherrscht wird, die Feuerbälle werfen können, ist das wertvollste Gut die Fähigkeit eines Sterblichen, etwas Ganzes aus Trümmern zu schaffen. Oscar Diggs sitzt in seinem Thronsaal, umgeben von Schaltern und Rädern, ein einsamer Gott in einer Maschine aus Glas und Gold. Er lächelt, nicht weil er alle getäuscht hat, sondern weil er zum ersten Mal in seinem Leben etwas erschaffen hat, das Bestand hat.
Die Lichter im Kino gehen an, und man blinzelt gegen die plötzliche Helligkeit der Realität an. Draußen wartet kein Tornado, sondern nur der graue Asphalt und das leise Rauschen des Verkehrs. Doch für einen kurzen Moment trägt man das Grün der Smaragdstadt noch in den Augenwinkeln mit sich herum. Man erinnert sich an den Mann hinter dem Vorhang und fragt sich, welche Hebel man selbst im eigenen Leben bedient, um die Illusion aufrechtzuerhalten, dass alles einen tieferen Sinn hat. Vielleicht ist das die größte Magie von allen: dass wir uns weigern, die Welt nur so zu sehen, wie sie ist, und stattdessen darauf beharren, sie so zu sehen, wie sie sein könnte.
Der Kleber am Porzellanbein ist längst getrocknet, und die Wolken über Kansas sind weitergezogen, aber die Melodie der Spieluhr klingt noch leise nach, bis sie schließlich ganz im Wind verweht.
