Manche Menschen behaupten bis heute, dass der wahre Geist dieser kalifornischen Funk-Rock-Institution im Jahr 2009 starb, als John Frusciante die Band zum zweiten Mal verließ. Die landläufige Meinung besagt, dass die darauffolgende Dekade lediglich eine lauwarme Übergangsphase war, ein verzweifeltes Festhalten an altem Ruhm mit einem Ersatzgitarristen, der nie ganz in die übergroßen Fußstapfen seines Vorgängers passte. Doch diese Sichtweise verkennt die musikalische Radikalität, die im Jahr 2016 Gestalt annahm. Als Red Hot Chili The Getaway in den Verkaufsregalen landete, markierte dies nicht den zaghaften Versuch einer Fortsetzung, sondern den mutigsten Bruch in der gesamten Bandgeschichte. Es war der Moment, in dem sich die Gruppe von ihrem langjährigen Mentor Rick Rubin emanzipierte und sich stattdessen in die Hände von Danger Mouse begab. Wer dieses Werk als bloßes Nebenprodukt abtut, ignoriert, dass hier eine Band versuchte, ihre eigene Identität zu dekonstruieren, bevor sie Jahre später wieder in die Komfortzone des Altbekannten flüchtete.
Der Wechsel des Produzenten war kein kleiner Schritt, sondern eine Operation am offenen Herzen des Bandgefüges. Rubin hatte über Jahrzehnte hinweg einen Sound kultiviert, der auf roher Energie, Live-Interaktion und einer fast schon heiligen Verehrung des Jams basierte. Brian Burton, besser bekannt als Danger Mouse, warf dieses Konzept komplett über den Haufen. Er verbot den Musikern, mit fertigen Songs ins Studio zu kommen. Er forderte sie heraus, Fragmente im Kontrollraum zu entwickeln, Schichten übereinander zu legen und elektronische Texturen zuzulassen, die Anthony Kiedis und seine Mitstreiter zuvor strikt abgelehnt hatten. Ich erinnere mich gut an die ersten Reaktionen der Hardcore-Fans, die entsetzt waren über die gedämpften Drums und die melancholische, fast schon klaustrophobische Atmosphäre einiger Stücke. Sie suchten den sonnendurchfluteten Stadion-Rock von früher und fanden stattdessen ein Album, das nach verregneten Nächten in einer anonymen Metropole klang. Derweil können Sie ähnliche Nachrichten hier finden: Warum das Kino des gnadenlosen Rächers eine Illusion der Kontrolle verkauft.
Die unterschätzte Brillanz von Red Hot Chili The Getaway
Die Kritik an der Produktion von Burton greift oft zu kurz, weil sie Modernität mit einem Verrat an den Wurzeln verwechselt. Es wird oft argumentiert, der Sound sei zu dünn oder zu sehr beschnitten. Doch genau diese Reduktion war notwendig. Flea, dessen Bassspiel normalerweise den Raum mit einer Urgewalt flutet, musste sich hier zurücknehmen und Platz machen für Melodien, die nicht aus dem Slapping, sondern aus der Stille entstanden. In Titeln wie Dark Necessities zeigt sich, dass die Band fähig war, ihre Aggression gegen eine tiefgründige Introspektion einzutauschen. Es ist ein Missverständnis zu glauben, dass Funk immer laut und verschwitzt sein muss. Hier wurde eine Form von Kammer-Funk kreiert, die in der Diskografie der Kalifornier einzigartig bleibt. Josh Klinghoffer, der oft als das schwächste Glied in der Kette bezeichnet wurde, lieferte auf dieser Platte seine wohl nuancierteste Arbeit ab. Er versuchte nicht länger, Frusciante zu imitieren, sondern webte feine, fast schon impressionistische Klangteppiche, die den Songs eine Textur verliehen, die man auf den späteren Reunion-Alben schmerzlich vermisst.
Skeptiker führen gerne an, dass die Verkaufszahlen und die Radio-Präsenz im Vergleich zu Meilensteinen wie Californication abgenommen hatten. Das ist faktisch korrekt, aber künstlerisch irrelevant. Wenn wir die Qualität eines kreativen Werks nur an seiner Massentauglichkeit messen, müssten wir jedes Experiment im Keim ersticken. Die Bedeutung dieses elften Studioalbums liegt darin, dass es das Altern einer Rockband thematisierte, ohne peinlich zu wirken. Während viele Zeitgenossen versuchten, mit Mitte 50 immer noch so zu klingen wie mit 20, erlaubte sich dieses Quartett eine Phase der Verletzlichkeit. Die Texte von Kiedis wirkten gereifter, weg von den kryptischen Wortspielen über Kalifornien, hin zu einer Auseinandersetzung mit Verlust und der eigenen Endlichkeit. Es ist ein Album für Erwachsene, die wissen, dass der Sommer nicht ewig dauert. Wer tiefer einsteigen möchte über den Hintergrund, findet bei GameStar eine informative Einordnung.
Der Bruch mit der Tradition als Überlebensstrategie
Man muss verstehen, wie das System dieser Band normalerweise funktioniert. Normalerweise hängen sie wochenlang in einem Raum zusammen, spielen sich in Ekstase und filtern aus stundenlangen Aufnahmen die besten Riffs heraus. Dieser Prozess ist organisch, aber er birgt die Gefahr der Wiederholung. Danger Mouse erkannte das. Er zwang die Musiker, Songs direkt am Computer zu bauen oder ungewöhnliche Instrumente wie Keyboards und Synthesizer in den Vordergrund zu rücken. Das war für eine Gruppe, die ihren Stolz aus dem handgemachten analogen Sound bezieht, fast schon ein Affront. Aber genau dieser Reibungspunkt erzeugte eine Spannung, die auf den Vorgängeralben fehlte. Es gab keinen Sicherheitsgurt mehr. Wenn man heute diese Phase analysiert, erkennt man, dass die Band hier zum ersten Mal seit den frühen Neunzigern wirklich Angst vor dem Scheitern hatte. Und genau diese Angst ist oft der beste Treibstoff für echte Kunst.
Ein oft übersehener Aspekt ist die rhythmische Komplexität, die Chad Smith in dieses Projekt einbrachte. Er, der oft als das menschliche Metronom für harten Rock gilt, musste sich auf minimalistische Beats einlassen, die fast schon an Trip-Hop erinnerten. Das Zusammenspiel zwischen Bass und Schlagzeug wurde auf das Wesentliche skelettiert. Wer behauptet, dass dies den Druck aus der Musik nahm, hat nicht genau hingehört. Der Druck verlagerte sich lediglich. Er war nicht mehr physisch spürbar wie ein Schlag in den Magen, sondern psychisch wie ein unterschwelliges Rauschen. Diese klangliche Entscheidung war mutig in einer Zeit, in der die Rockmusik insgesamt darum kämpfte, im Streaming-Zeitalter überhaupt noch wahrgenommen zu werden.
Die Rückkehr zur Sicherheit und das Erbe des Experiments
Wenn man die neueren Veröffentlichungen seit 2022 betrachtet, wirkt alles sehr vertraut. Frusciante ist zurück, Rubin sitzt wieder am Mischpult, und der Sound ist genau das, was die Fans erwarten. Es ist großartige Musik, keine Frage. Aber sie ist auch sicher. Sie fordert niemanden mehr heraus. Im Rückblick erscheint die Ära von Red Hot Chili The Getaway wie ein kurzer Moment der Rebellion gegen das eigene Erbe. Es war der Versuch, nicht zur eigenen Karikatur zu werden. Die Tatsache, dass viele Hörer dieses Werk heute eher stiefmütterlich behandeln, liegt vielleicht daran, dass es uns mit einer Wahrheit konfrontiert, die wir im Rock-Business ungern sehen: dass Wachstum oft bedeutet, das wegzulassen, was einen berühmt gemacht hat.
Josh Klinghoffer wurde schließlich entlassen, fast so, als wollte man diesen Ausflug in die Moderne ungeschehen machen. Man kehrte zum Bewährten zurück. Doch die Spuren jenes Sommers 2016 lassen sich nicht einfach tilgen. Die Nuancen, die in dieser Zeit entdeckt wurden, haben bewiesen, dass diese Band mehr ist als nur eine Funk-Maschine mit Socken an unpassenden Stellen. Sie haben bewiesen, dass sie in der Lage sind, Schönheit in der Zurückhaltung zu finden. Es ist leicht, das zu lieben, was man kennt. Es ist schwer, das zu schätzen, was einen verunsichert. Doch genau in dieser Verunsicherung liegt der Wert einer Diskografie, die sonst Gefahr liefe, in purer Nostalgie zu erstarren.
Man kann darüber streiten, ob jedes Experiment auf diesem Album geglückt ist. Man kann kritisieren, dass manche Übergänge holprig wirken oder dass die elektronischen Elemente gelegentlich zu gewollt klingen. Aber man kann nicht leugnen, dass dies der letzte Zeitpunkt war, an dem diese legendäre Formation wirklich etwas riskierte. In einer Welt, in der Algorithmen bestimmen, was wir hören, und in der Künstler oft nur noch Dienstleister für die Erwartungen ihrer Zielgruppe sind, war dieser radikale Richtungswechsel ein Akt der künstlerischen Selbstbehauptung. Es war die mutige Entscheidung, lieber für das gehasst zu werden, was man neu geschaffen hat, als für das geliebt zu werden, was man vor dreißig Jahren war.
Dieses Album war keine Sackgasse, sondern ein notwendiges Exil, ohne das die Band heute vermutlich gar nicht mehr existieren würde. Es hat den Musikern gezeigt, wo ihre Grenzen liegen und was passiert, wenn man die gewohnten Strukturen verlässt. Wer heute durch die Straßen geht und einen Song wie Encore hört, spürt diese ganz eigene Melancholie, die so gar nicht zum sonnigen Image der Gruppe passen will. Es ist ein herbstlicher Klang in einer ewigen Sommer-Diskografie. Und genau dieser Kontrast macht das Werk so wertvoll. Wir brauchen diese Brüche, um die Kontinuität zu schätzen. Wir brauchen den Zweifel, um die Gewissheit zu feiern. Am Ende bleibt die Erkenntnis, dass die radikalste Tat einer etablierten Band nicht der laute Schrei ist, sondern das leise Flüstern in einem Raum voller Menschen, die eigentlich nur das alte Gebrüll hören wollen.
Wahre Größe zeigt sich nicht darin, wie perfekt man eine bekannte Formel wiederholt, sondern darin, wie bereitwillig man sie zerstört, um zu sehen, was darunter verborgen liegt.
