In einem abgedunkelten Raum in Burbank, Kalifornien, saß Ava DuVernay vor einem Monitor, der das Unmögliche zeigen sollte. Es war nicht die schiere Größe der Produktion, die den Raum mit einer fast greifbaren Spannung füllte, sondern die Last der Erwartungen, die auf den Schultern eines jungen Mädchens mit Brille und wilden Locken ruhte. Meg Murry, die Protagonistin, war jahrzehntelang nur eine Figur aus Tinte und Papier gewesen, ein Symbol für die Unbeholfenheit und den Mut von Außenseitern. Jetzt, in diesem Moment der Postproduktion für A Wrinkle in Time Movie, wurde aus der literarischen Metapher eine visuelle Realität, die Millionen von Kindern eine Identifikationsfigur schenken sollte, die sie so im großen Blockbuster-Kino noch nie gesehen hatten. Es ging um mehr als nur Spezialeffekte oder die Krümmung von Raum und Zeit durch einen Tesserakt; es ging um die Frage, ob man die Zerrissenheit einer jungen Seele in den unendlichen Weiten des Kosmos einfangen kann, ohne dabei die Intimität der Vorlage zu verlieren.
Die Geschichte dieses Projekts begann jedoch viel früher, in der einsamen Stube von Madeleine L’Engle in den frühen 1960er Jahren. L’Engle kämpfte damals mit Ablehnungen von über zwei Dutzend Verlagen. Die Begründung war oft dieselbe: Das Buch sei zu komplex für Kinder und zu fantastisch für Erwachsene. Sie vermischte Quantenphysik mit tiefer Spiritualität und der sehr weltlichen Angst eines Kindes, nicht gut genug zu sein. Dass Disney Jahrzehnte später über hundert Millionen Dollar in die Hand nehmen würde, um diese sperrige, wunderschöne Erzählung auf die Leinwand zu bringen, glich selbst einem kleinen Wunder. Der Film wurde zu einem Experimentierfeld für die Frage, wie viel Abstraktion ein Massenpublikum verträgt und wie viel Repräsentation die Filmindustrie zu leisten bereit ist.
Man spürte den Atem der Regisseurin in jeder Einstellung, die den Camazotz zeigt, jenen Planeten der totalen Konformität. Hier wird die Angst vor dem Anderssein zur Architektur. Jedes Haus sieht gleich aus, jedes Kind prellt seinen Ball im exakt gleichen Rhythmus auf den Asphalt. Es ist eine Szene, die in der deutschen Kinolandschaft oft Vergleiche mit den dystopischen Visionen eines Michael Ende weckte. Wenn Meg Murry durch diese Straßen läuft, verkörpert sie den Widerstand gegen eine Welt, die Perfektion verlangt. Das Budget floß nicht nur in glitzernde Kostüme für die drei himmlischen Führerinnen, sondern in den Versuch, die innere Zerrüttung eines Teenagers als intergalaktisches Epos zu inszenieren.
Die Architektur der Hoffnung in A Wrinkle in Time Movie
Als der Film 2018 in die Kinos kam, traf er auf eine Welt, die sich zunehmend polarisierte. Das Werk wurde zu einem Blitzableiter für Diskussionen über Diversität in Hollywood. Während Kritiker über das Tempo und die narrative Dichte debattierten, passierte in den Kinosälen etwas anderes. Junge Mädchen, insbesondere jene aus marginalisierten Gruppen, sahen sich zum ersten Mal als Retterinnen des Universums. Der Film weigerte sich, Meg Murry zu einer makellosen Heldin zu stilisieren. Sie blieb fehlerhaft, wütend und voller Selbstzweifel. Es war genau diese Ehrlichkeit, die das Herz der Erzählung bildete. Die visuelle Sprache, die DuVernay wählte, war oft psychedelisch, fast expressionistisch, und brach mit der glatten Ästhetik anderer großer Studio-Produktionen.
Zwischen Quantenmechanik und Kinderschuhen
Wissenschaftliche Berater wie der Physiker Stephon Alexander arbeiteten im Hintergrund daran, den Begriff des Tesserakts nicht völlig ins Lächerliche zu ziehen. In der Theorie der Stringtheorie gibt es Räume, die sich falten lassen, Dimensionen, die jenseits unserer täglichen Wahrnehmung liegen. Diese wissenschaftliche Neugier von L’Engle wurde im Film durch Farben und Schwingungen ersetzt. Wenn die Charaktere durch das Universum „tessern“, ist das kein technischer Vorgang wie das Beamen bei Star Trek. Es ist ein Akt des Bewusstseins. Man muss die Frequenz des Universums finden. Dies spiegelt eine philosophische Tiefe wider, die im modernen Kino selten geworden ist: Die Erkenntnis, dass Wissen ohne Empathie wertlos ist.
In Deutschland wurde die Rezeption des Films oft durch die starke Tradition des fantastischen Kinderbuchs geprägt. Wir sind mit der Unendlichen Geschichte und Jim Knopf aufgewachsen, Geschichten, in denen das Innere des Kindes die äußere Welt formt. Die Adaption von L’Engles Werk fügte sich in diese Tradition ein, indem sie das Böse nicht als Drachen oder dunklen Lord darstellte, sondern als „Das Es“ – eine formlose Masse aus Zynismus und Gleichschaltung. Es ist die personifizierte Depression, die alles Licht verschlucken will. Der Kampf gegen diese Dunkelheit wird nicht mit Schwertern geführt, sondern mit der Akzeptanz der eigenen Schwächen.
Die Produktion stand vor der gewaltigen Aufgabe, Wesen darzustellen, die im Buch als Sternenwesen beschrieben werden. Oprah Winfrey, Reese Witherspoon und Mindy Kaling übernahmen die Rollen der Mrs. Which, Mrs. Whatsit und Mrs. Who. Diese Besetzung war kein Zufall. Sie repräsentierte eine mütterliche, göttliche Kraft, die über den Planeten wacht. Doch trotz der Star-Power blieb die Kamera immer wieder an Storm Reid hängen, die Meg spielte. In ihrem Gesicht spiegelte sich die ganze Last der Geschichte. Wenn sie weinte, war es kein Hollywood-Weinen; es war das Schluchzen eines Kindes, das seinen Vater vermisst und die Welt nicht versteht.
Das Risiko eines solchen Unterfangens ist immens. Ein Film, der versucht, die vierte Dimension zu erklären und gleichzeitig ein Plädoyer für Selbstliebe zu halten, läuft Gefahr, unter seinem eigenen Gewicht zu zerbrechen. Es gab Momente, in denen die Spezialeffekte beinahe die menschliche Regung überlagerten. Doch in den besten Szenen verschmolzen sie. Wenn Meg über ein Feld aus flüsternden Blumen rennt, die Informationen durch Photosynthese austauschen, dann wird die Natur selbst zum Zeugen ihrer Reise. Es ist eine Erinnerung daran, dass wir alle aus Sternenstaub bestehen und dass jede unserer Handlungen Wellen im Gefüge der Zeit schlägt.
Man muss die kulturelle Bedeutung von A Wrinkle in Time Movie auch im Kontext der Karriere seiner Regisseurin sehen. Ava DuVernay, die zuvor mit Selma die Bürgerrechtsbewegung porträtiert hatte, brachte eine politische Schärfe in den Disney-Kosmos, die subtil, aber unübersehbar war. Indem sie eine multiethnische Familie ins Zentrum einer Geschichte stellte, die im Original eher vage blieb, machte sie das Universum zu einem Ort für alle. Das ist die eigentliche Krümmung der Zeit: Die Vergangenheit einer exklusiven Literatur wird in eine inklusive Zukunft überführt. Es war ein Signal an die gesamte Branche, dass große Mythen nicht an eine einzige Hautfarbe oder eine einzige kulturelle Erfahrung gebunden sind.
Hinter den Kulissen war die Arbeit an den Kostümen von Paco Delgado ein Kraftakt der Handwerkskunst. Jedes Kleid von Mrs. Which sollte aussehen wie eine explodierende Supernova oder das Brechen von Licht in einem Prisma. Diese Details sind wichtig, weil sie zeigen, dass hier nicht nur ein Produkt für den schnellen Verzehr geschaffen wurde. Es war ein Versuch, das Erhabene greifbar zu machen. Wenn wir über Filme sprechen, vergessen wir oft, dass hunderte von Menschen Monate damit verbringen, die Textur eines Stoffes so zu wählen, dass sie eine bestimmte Emotion hervorruft. In diesem Fall sollte es die Ehrfurcht vor der Schöpfung sein.
Die Musik von Ramin Djawadi unterstützte diese Atmosphäre. Statt auf heroische Fanfaren zu setzen, arbeitete er mit ätherischen Klängen, die die Einsamkeit des Weltraums und die Wärme der Heimkehr gleichermaßen einfingen. Es ist eine Partitur, die den Zuschauer durch die verwirrenden Ebenen der Handlung leitet. Wenn die Protagonisten schließlich den Ort erreichen, an dem die Dunkelheit am stärksten ist, verstummt die Musik fast völlig. Die Stille wird zur Bedrohung. Es ist jener Moment, in dem man erkennt, dass die größte Reise nicht Millionen von Lichtjahren entfernt stattfindet, sondern die wenigen Zentimeter zwischen Verstand und Herz überbrücken muss.
Oft wird gefragt, warum wir solche Geschichten immer wieder brauchen. Die Antwort liegt vielleicht in unserer eigenen Angst vor der Bedeutungslosigkeit. In einer Welt, die uns ständig sagt, wir seien nur Datenpunkte oder Konsumenten, erinnert uns diese Erzählung daran, dass ein einzelnes Individuum das Schicksal von Welten beeinflussen kann. Nicht durch körperliche Stärke, sondern durch die Fähigkeit zu lieben – sogar die eigenen Fehler. Das ist die radikale Botschaft, die L’Engle in ihr Buch schrieb und die nun in Bildern um die Welt ging.
Wenn man den Film heute sieht, Jahre nach seinem Erscheinen, wirkt er wie ein Zeitdokument. Er entstand am Vorabend großer gesellschaftlicher Umbrüche und trug bereits die Sehnsucht nach Heilung in sich. Die Kritiken mögen gespalten gewesen sein, doch die emotionale Resonanz bei jenen, für die er gemacht wurde, ist ungebrochen. Man sieht es in den Augen der Kinder, die bei Lesungen der Buchvorlage nun die Gesichter der Schauspieler vor sich haben. Die literarische Welt und die filmische Welt sind miteinander verschmolzen und haben etwas Neues, Bleibendes geschaffen.
Es bleibt die Szene auf dem Dach der Schule, ganz zu Beginn. Meg sitzt dort, isoliert und allein, während die Welt um sie herum weitergeht. Sie schaut in den Nachthimmel und ahnt nicht, dass sie bald zwischen den Sternen tanzen wird. Es ist dieser Moment der totalen Stille vor dem Sturm, der uns alle verbindet. Wir alle haben einmal auf einem Dach gesessen, real oder metaphorisch, und auf ein Zeichen gewartet. Die Geschichte zeigt uns, dass das Zeichen manchmal eine Falte im Universum ist, die uns genau dorthin führt, wo wir schon immer sein sollten.
Am Ende des Tages ist ein solches Werk mehr als die Summe seiner Pixel. Es ist ein Versprechen an die nächste Generation, dass die Dunkelheit zwar groß sein mag, aber niemals das Licht eines einzelnen, mutigen Herzens auslöschen kann. Während der Abspann läuft und die Lichter im Kinosaal langsam angehen, bleibt dieses eine Gefühl zurück: Dass man gerade Zeuge von etwas wurde, das größer ist als man selbst. Ein Kind verlässt den Saal, korrigiert seine Brille und tritt hinaus in die Nacht, den Blick nicht mehr starr auf den Boden gerichtet, sondern fest nach oben zu den Sternen, die nun ein bisschen vertrauter wirken. In der Ferne verblasst das Echo der Musik, während das Funkeln am Firmament bleibt, unendlich weit weg und doch so nah wie der nächste Gedanke.
